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SUMMARY:Biennale d’art contemporain de Bonifacio
DESCRIPTION:Du 23 mai au 5 novembre 2026\, la Biennale d’art contemporain de Bonifacio\, portée par l’organisation De Renava\, fera son retour pour une troisième édition placée sous le titre Nimu Dormi — « Personne ne dort ». \nInstallée au cœur du patrimoine historique de Bonifacio\, la manifestation réunira cette année 18 artistes et collectifs issus de la scène internationale et insulaire. Fidèle à son ambition de faire dialoguer création contemporaine et identité méditerranéenne\, la Biennale poursuivra son exploration des formes artistiques engagées\, expérimentales et immersives. \nPensée comme une traversée en plusieurs temps — Ouverture\, Prélude\, Actes et Triomphe — l’exposition s’intéressera cette année à la fête comme espace de résistance\, de liberté et de réappropriation collective. À travers installations\, vidéos\, performances\, sons et œuvres monumentales\, Nimu Dormi interrogera ce qui naît « d’un peuple qui veille »\, entre revendication\, mémoire\, célébration et insoumission.\nParmi les artistes invités figurent notamment Vanessa Beecroft\, Adel Abdessemed\, Mark Leckey\, Nadya Tolokonnikova\, Pussy Riot\, Anri Sala ou encore Mode 2. La scène corse y trouvera également une place importante avec la présence de Philippe Caamano ainsi que du projet musical et poétique Corsica Ribella porté par Ghjuvan Petru Graziani et Rinatu Coti. \nEn parallèle de l’exposition principale\, plusieurs rendez-vous viendront rythmer la saison culturelle\, avec concerts\, conférences\, performances et projections organisés dans le cadre du programme « Vidéodrome ». La Salle Capsule\, dédiée à la jeune création corse\, accueillera également plusieurs œuvres sélectionnées à la suite d’un appel à projets. \nFondée en 2020 par Prisca Meslier et Dumè Marcellesi\, rejoints ensuite par Basile Isitt\, De Renava s’impose progressivement comme un acteur majeur de la création contemporaine en Corse\, en développant des projets mêlant patrimoine\, territoire et ouverture internationale.\nLa Biennale sera ouverte de mai à octobre du mardi au samedi\, avec des horaires étendus durant l’été.
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SUMMARY:Lecture(s)
DESCRIPTION:À l’occasion de sa saison estivale\, le musée des Beaux-Arts de Limoges a choisi d’inviter la commissaire indépendante\, Maribel Nadal Jové pour une nouvelle collaboration* sur le thème de la lecture à travers l’histoire de l’art. Disséminée dans le parcours permanent des collections beaux-arts\, allant de la Renaissance italienne au XXᵉ siècle\, une sélection de peintures figuratives contemporaines propose un dialogue entre les œuvres du passé et la création d’aujourd’hui.  L’exposition met à l’honneur la lecture sous toutes ses formes ; célébrant à la fois l’acte de lire et le livre. Qu’il soit tenu en main\, inséré dans une composition ou encore représenté seul\, le livre apparaît comme le fil conducteur d’un parcours inspirant\, guidant le visiteur de salle en salle. \nThème récurrent dans l’art\, la lecture traverse les époques et les styles\, s’insérant dans nombre de compositions. Au cœur de cette réflexion\, La Chambre bleue (1923) de Suzanne Valadon (1865 – 1938) – œuvre phare du parcours permanent – constitue une vision saisissante et moderne de la liseuse du début du XXe siècle. Au-delà des deux ouvrages placés au pied du lit de l’odalisque de Valadon\, la représentation du livre et de la lecture apparaît à plusieurs reprises dans la collection de peinture du musée : dans un livre d’heures tenu par une Vierge de la Renaissance\, dans des livres posés au sol dans L’Assomption de la Vierge d’après Rubens de Gérard Seghers\, dans La Vanité aux souris de Paul-Élie Ranson ou encore dans Les échecs de Suzanne Lalique\, où livres et journaux sont négligemment disposés au cœur de la composition. \nSi la peinture figurative a un temps été délaissée en France au profit de l’abstraction\, elle fait preuve depuis plusieurs années d’une grande vitalité et d’un renouveau certain. Dans le sillon de plusieurs manifestations et expositions récentes (« Immortelle »\, exposition en deux volets présentée au M.O.C.O & M.O.C.O PANACÉE à Montpellier en 2023 et « Le jour des peintres » présentée au musée d’Orsay en 2024)\, ce contrepoint contemporain offre un aperçu de la production picturale actuelle. Majoritairement issus de la scène nationale\, les douze artistes réunis pour l’occasion viennent d’horizons variés. Ils offrent ici une grande diversité de situations et de regards\, tout en explorant des thèmes majeurs de l’histoire de l’art : le nu\, la baigneuse\, la nature morte ou l’autoportrait.  \nAinsi\, la concentration et l’intimité de la lecture apparaissent chez Lise Stoufflet et Françoise Pétrovitch. L’humour face à un livre pour enfants se manifeste chez Marcos Carrasquer. L’atelier de l’artiste\, avec sa bibliothèque\, est représenté chez Frédéric Léglise\, tandis qu’un intérieur domestique est évoqué dans l’œuvre de Mathieu Cherkit. Des livres réels sont présents chez Shu Rui et Clémence Bruno\, et des livres inventés apparaissent chez Marc Molk et Lise Stoufflet. Les livres comme outils de recherche figurent dans l’œuvre d’Isabelle Braud et un livre en train de s’écrire dans celle de Chéri Samba. Les nouveaux modes de lecture sur écran sont également abordés dans les œuvres de François Mendras et de Frédéric Léglise. Enfin\, la lecture en plein air est explorée chez Farah Atassi. Reflet de cette multiplicité\, le titre Lecture(s)\, évoque la pluralité des interprétations\, stimule l’imaginaire et ouvre un espace de liberté sensorielle et psychologique\, interrogeant jusqu’à nos pratiques contemporaines à l’ère numérique. \n*Exposition Au fil des toiles présentée au musée des Beaux-Arts de Limoges du 18 mai au 26 août 2019.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Limoges\, place de la Cathédrale\, Limoges\, Haute-Vienne\, 87000\, France
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SUMMARY:SMITH\, Ici grand ouvert
DESCRIPTION:Réunissant œuvres historiques et productions récentes\, l’exposition met en lumière la pratique transdisciplinaire de l’artiste SMITH\, à la croisée de la photographie\, de l’installation\, de la performance et de l’image animée.
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain du Val-de-Marne\, Place de la Libération\, VITRY-SUR-SEINE\, Val-de-Marne\, 94400
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SUMMARY:Exposition « Griffe déposée – Cathy Connan »
DESCRIPTION:L’exposition « Griffe déposée » propose aux visiteurs un parcours oscillant entre pesanteur et légèreté\, rythme effréné et moments de rêverie. \nÀ travers ses œuvres\, Cathy Connan offre une interprétation sensible et poétique du monde ouvrier textile\, les conditions de travail\, les inégalités\, mettant en lumière les luttes\, en particulier celles des femmes. L’artiste explore avec nuance et délicatesse un pan de l’histoire industrielle textile parfois oublié : celui des hommes et des femmes qui ont façonné notre patrimoine.\nSon travail questionne les enjeux environnementaux et sociaux de l’industrie textile d’aujourd’hui : tout particulièrement le rôle de l’eau\, l’exploitation des matériaux végétaux et animaux\, et l’impact écologique de cette production.\nL’essentiel des créations se retrouvent autour des liens entre vulnérabilité\, intime et sacré. \nVernissage de l’exposition ouvert à tous le samedi 23 mai à 17h en présence de l’artiste et d’anciens ouvriers et ouvrières du textile.
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SUMMARY:Exposition de dessins concentrationnaires : LES YEUX DANS LES YEUX
DESCRIPTION:Exposition les yeux dans les yeux :L’art concentrationnaire est une trace qui nous a été laissée par les artistes enfermés dans les camps de concentration. Ces créations étaient des actes de Résistance\, une volonté de témoigner\, un geste de solidarité envers leurs camarades d’internement. Dans notre riche collection de 850 dessins concentrationnaires\, nous avons choisi de présenter une sélection de portraits de personnes dont l’artiste a écrit le nom\, la nationalité ou la fonction. Pour certaines c’est notre travail de recherche qui nous a permis de les identifier\, comme Caboche\, Gravelle\, le « rat »\, d’autres ce sont leurs familles…\nLe catalogue de l’exposition LES YEUX DANS LES YEUX vous propose d’en prendre plein les yeux. Vous y verrez tous ces portraits d’hommes & de Zofia\, la seule femme de cette galerie… Qui était-elle\, que faisait-elle dans ce camp de concentration du Vernet d’Ariège… Vous le découvrirez en vous plongeant dans ce premier catalogue des Éditions du camp du Vernet. Ouvrez vos yeux\, écarquillez les pour trouver à qui appartiennent ces regards…
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LOCATION:Musée du camp de concentration du Vernet d’Ariège\, Place Guilhamet\, Le Vernet\, Ariège\, 09700
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SUMMARY:Exposition ERRO
DESCRIPTION:Exposition événement de l’artiste islandais mondialement connu\, précureseur de la Figuration Narrative.
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LOCATION:Centre d’Art FIAA\, 1 Rue Gambetta\, Le Mans\, Sarthe\, 72100
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SUMMARY:Exposition collective Jardin de Rocambole
DESCRIPTION:Je suis heureuse de participer à l’exposition collective aux Jardins Rocambole ! \nVous pourrez y découvrir mes dernières gravures !\nChaque oeuvre invite à ralentir le regard\, observer autrement et redécouvrir la beauté discrète du monde végétal.\nÀ la rencontre de nos artistes \nLes Jardins Rocambole sont heureux d’accueillir cette saison 2026 les créations de Maëlle BASTARD\, artiste graveuse inspirée par l’univers végétal et organique. \nÀ travers la linogravure\, l’eau-forte ou encore l’empreinte végétale\, Maëlle explore les textures\, les formes et les détails subtils que nous offre la nature.\nSon travail révèle un dialogue sensible avec le vivant : fleurs\, feuillages\, graines et empreintes deviennent des compositions poétiques aux couleurs vibrantes et délicates.\nChaque œuvre invite à ralentir le regard\, observer autrement et redécouvrir la beauté discrète du monde végétal.  \n📍 À découvrir aux Jardins Rocambole – Corps-Nuds (35)\n📅 Exposition visible tout au long de la saison 2026\nUn univers artistique où la nature laisse son empreinte…\n#LesJardinsRocambole #CorpsNuds #MaelleBastard #ArtisteGraveuse #Linogravure #ArtNature #ArtAuJardin #Exposition #NatureEtCréation #Bretagne #EmpreinteVégétale
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SUMMARY:Exposition de sculptures monumentales Jean-Luc Ducreux « Infini- l’Absence d’une Fin »
DESCRIPTION:Cette année\, Ducreux offre au village de Gassin et au Jardin des Sculptures\, de nouvelles œuvres monumentales. Le mariage de l’art contemporain et de la vue mythique sur le golfe de Saint-Tropez transcende les sens. Une exposition immarcescible.
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SUMMARY:Patrimoines en résistance : De Tombouctou à Odessa
DESCRIPTION:L’exposition réunit un ensemble exceptionnel de documents graphiques\, d’oeuvres d’art contemporaines et de répliques numériques des sites perdus. À la manière d’un grand reportage\, l’ensemble tisse un récit documenté\, visuel et sensible\, où se croisent les regards des acteurs et témoins\, des architectes et des artistes.\nDe Tombouctou à Odessa\, de Bâmiyân à Gaza\, les conflits armés font du patrimoine une cible privilégiée. Face à ces destructions\, l’exposition Patrimoines en résistance interroge les gestes d’effacement\, mais aussi les formes de résistance et de réparation qui permettent de penser l’avenir à partir des ruines. \nEn 2012\, la destruction des mausolées de Tombouctou\, inscrits au patrimoine mondial de l’UNESCO\, marque un tournant historique : pour la première fois\, l’anéantissement volontaire de monuments culturels est qualifié de crime de guerre par la Cour pénale internationale. Une mobilisation internationale sans précédent s’engage alors pour reconstruire les sites détruits\, en s’appuyant sur les fouilles archéologiques et la mémoire des artisans maliens. \nSi la guerre a toujours entraîné des destructions\, le début du XXIᵉ siècle révèle une intensification et une systématisation des atteintes portées au patrimoine culturel et naturel. L’exposition met en lumière cette réalité contemporaine et pose une question essentielle : comment la guerre révèle-t-elle ce qui est irrémédiablement perdu\, tout en faisant émerger les gestes de résistance qui rendent possible une réparation future ? \nÀ travers un ensemble remarquable de cartes\, textes\, maquettes\, photographies\, vidéos\, œuvres contemporaines et répliques numériques réalisées par Iconem\, l’exposition propose un parcours en trois séquences. Conçue comme un grand reportage\, elle tisse un récit documenté\, visuel et sensible\, croisant les regards d’architectes\, d’artistes\, de chercheurs\, d’acteurs de terrain et de témoins. \nL’exposition\, en mettant à distance le tumulte du monde\, offre au visiteur un temps de réflexion indispensable face au flot d’informations en continu.
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LOCATION:Cité de l’Architecture et du Patrimoine\, 1 Place du Trocadéro et du 11 Novembre\, Paris 16\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Mossi Traoré : La mode aussi
DESCRIPTION:Après le succès de l’exposition « Fashion Folklore » présentée en 2023\, le Mucem consacre une exposition à Mossi Traoré\, créateur atypique de la scène française pour qui la couture est à la fois terrain d’expérimentation\, outil de transmission et langage collectif. \nFormé autant dans la rue qu’auprès des maîtres de la couture\, Mossi Traoré développe une esthétique épurée et engagée. Sa démarche\, incarnée notamment par son école les Ateliers Alix\, nommée en hommage à la créatrice de haute-couture Madame Grès\, prône une mode accessible et exigeante\, ouverte à tous. \nPensée en étroite collaboration avec le styliste\, « Mossi Traoré\, la mode aussi » propose une immersion dans un univers où la mode dialogue autant avec les cultures populaires qu’avec les arts urbains et les savoir-faire traditionnels. Silhouettes sculpturales\, vidéos\, textiles en interaction avec les collections du musée et gestes artisanaux jalonnent un parcours en partie immersif\, invitant le visiteur à se projeter dans la reconstitution de l’atelier de Mossi Traoré et dans les réserves du Mucem\, en l’incitant à toucher les matières\, écouter et ressentir.
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LOCATION:Mucem – Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée\, 7 promenade Robert Laffont (esplanade du J4)\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Exposition « (Dé)colonisations des artistes africains interrogent l’Histoire »
DESCRIPTION:Pour la première fois\, le Mémorial de Caen présente une exposition dédiée à l’Afrique subsaharienne\, à son histoire et à ses artistes. À travers une soixantaine d’œuvres remarquables\, tant par leurs esthétiques que par leurs messages\, le musée souhaite aborder l’histoire coloniale et postcoloniale\, vue par les artistes africains. Ces peintures\, photographies\, sculptures\, textiles et films explorent un travail de mémoire et de refondation historique mené dans le respect des différences géographiques\, politiques\, culturelles\, religieuses et linguistiques.
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SUMMARY:Jiang Qiong Er : Le souffle du temps
DESCRIPTION:Jiang Qiong Er\, est une artiste et designeuse franco-chinoise qui fusionne tradition orientale et création contemporaine\, explorant le dialogue entre passé et modernité. Artiste invitée au musée Guimet entre avril 2024 et février 2025\, elle investit de mai à décembre 2026 les collections permanentes du musée Narbo Via.
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SUMMARY:Méditerranée : Odyssées contemporaines
DESCRIPTION:Cette année\, avec notre nouvelle exposition Méditerranée\, Odyssées Contemporaines\, je vous invite à plonger dans l’âme de cette mer mythique en compagnie de 74 artistes originaires de 20 pays. \nCarrefour de civilisations\, la Méditerranée est depuis toujours un espace où cohabitent passé et présent\, traditions et modernité. Aujourd’hui plus que jamais\, elle cristallise les enjeux contemporains : changements climatiques\, insécurité alimentaire\, combats écologiques mais aussi bouleversements sociaux. \nDans cette exposition\, les artistes dialoguent avec l’histoire et les civilisations\, nous invitent à explorer la richesse des traditions méditerranéennes\, la réalité de nos racines communes et la diversité de nos cultures. \nElles et ils rendent hommage à la Méditerranée comme espace d’échanges\, de circulation et de passage\, évoquent la précarité\, la fragilité des migrations climatiques et la douleur de l’exil\, et questionnent les mécanismes d’exclusion et d’oubli collectif. \nLeurs œuvres\, qu’elles soient engagées\, poétiques ou empreintes d’humour\, parlent aussi de la transmission des savoirs\, des langues\, des chants\, des objets et des gestes du quotidien ou des pratiques ancestrales. \nEnfin\, ce voyage artistique vous invite à penser la Méditerranée comme territoire et mémoire partagés où nos cultures s’entrecroisent et s’enrichissent dans un monde en perpétuelle évolution. \nA la fin de votre visite\, promenez-vous dans notre jardin méditerranéen et n’oubliez pas de laisser un message sur l’arbre à vœux. \nDanièle Marcovici\, Fondatrice et Présidente de la Fondation Villa Datris
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LOCATION:Villa Datris – Fondation pour la Sculpture Contemporaine\, 7 avenue des Quatre Otages\, L'Isle-sur-la-Sorgue\, Vaucluse\, 84800\, France
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SUMMARY:Louisa Babari : Africa
DESCRIPTION:Du 15 mai 2026 au 3 janvier 2027\, le [mac] musée d’art contemporain consacre une exposition à l’artiste française\, algérienne et russe Louisa Babari. Intitulée AFRICA\, cette proposition immersive explore les strates antiques et mythologiques de l’Afrique du Nord à travers un corpus d’œuvres photographiques\, plastiques et sonores\, où se croisent histoire\, fiction et mémoire. L’exposition est accompagnée d’une création sonore réalisée avec les étudiants du Conservatoire Pierre Barbizet. \nExposition en partenariat avec le Centre d’art contemporain Passages de Troyes. \nExposition labellisée Saison Méditerranée – Institut français\nExposition labellisée au programme Grand Arles Express des Rencontres d’Arles 2026\nExposition labellisée Bicentenaire de la photographie
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain de Marseille [mac]\, 69 avenue d'Haïfa\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13008\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:« Nature Sauvage » : Exposition d’estampes d’art
DESCRIPTION:« Nature Sauvage » est une exposition d’estampes d’art créée et organisée par les artistes Katell Le Moigne (France) et Ivonne Adel Bureos/Play Is Soul Food (Écosse). Cette nouvelle collection explore et expérimente différentes techniques et procédés d’estampe\, traditionnels et non traditionnels. Chaque œuvre est inspirée par l’interprétation personnelle du sens et du concept de « Nature Sauvage »\, exprimée par l’artiste dans son propre style et avec un message créatif unique.\nEn parallèle des œuvres exposées\, un atelier est proposé à tous. Le public est invité à créer ses propres estampes d’art de petit format. Animés par les deux artistes\, ces ateliers auront lieu le samedi 9 ou le dimanche 10 mai.\nVernissage : vendredi 15 mai\, de 18 h à 22 h.
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LOCATION:Atelier-Galerie Kattelm\, 4 rue de la Salamandre\, Sarlat-la-Canéda\, Dordogne\, 24200
CATEGORIES:Expositions
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SUMMARY:Expositions : l’idiome du village\, collection Jean-François Vrod
DESCRIPTION:Le Musée Cécile Sabourdy vous propose de découvrir une vingtaine d’artistes issus de la collection de Jean-François Vrod. Un ensemble surprenant\, rempli d’histoires : sculptures en bois\, assemblages en coquillages\, dessins au crayon\, peintures\, jouets…
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LOCATION:Musée Cécile Sabourdy\, 2 rue du Musée Cécile Sabourdy\, Vicq-sur-Breuilh\, Haute-Vienne\, 87260
CATEGORIES:Expositions
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SUMMARY:EXPOSITION A CIEL OUVERT
DESCRIPTION:EXPOSITION A CIEL OUVERT
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LOCATION:Legé\, Legé\, Loire-Atlantique\, 44650
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SUMMARY:Peter Knapp : Le temps Courrèges
DESCRIPTION:De mai à novembre 2026\, la Fondation Maeght présente une première exposition dossier mêlant art et mode\, une carte blanche au photographe Peter Knapp. Fidèle ami d’André Courrèges et de la famille Maeght\, il a vécu ces années de modernité qu’il a photographiées en studio\, dans la rue et même à la Fondation. \nEn 1965\, André Courrèges présente sa collection haute couture printemps-été. Il développe une nouvelle idée de la mode\, en oubliant volontairement les conventions pour garder seulement la ligne\, l’architecture : minijupe\, blanc\, formes structurées… Dans cette collection\, il construit la silhouette de la femme selon des\nrègles qui appartiennent autant à l’architecture qu’à la mode. La femme moderne est née\, c’est l’explosion du\nstyle Courrèges\, « un style qui n’est pas une simple vision esthétique mais qui correspond à une philosophie\nprofonde définissant un style de vie ». \nQualifiée de « bombe Courrèges » par la presse\, cette collection est une révolution dans l’univers de la mode. Peter Knapp était là pour la photographier\, très librement ! Dans le numéro 1002 du ELLE\, en mars 1965\, le photographe présente cette nouvelle femme Courrèges à travers une série elliptique\, faisant voler ses modèles\, suspendues dans l’espace. Cette série constitue le coeur de l’exposition en quatre grands tirages complétés par d’autres séries\, des archives et des tenues photographiées par Knapp en 1965\, et généreusement prêtées par la maison Courrèges. \nL’amitié est centrale pour la Fondation Marguerite et Aimé Maeght. En effet\, à sa création\, le couple l’imagine comme un lieu de partage entre artistes de toutes disciplines. Première fondation en France pour l’art moderne et contemporain\, inspirée par les grandes fondations américaines – Barnes\, Guggenheim\, Phillips – elle est immédiatement reconnue d’utilité publique. Ce projet visionnaire marque un véritable tournant pour le monde de l’art : un acteur privé pour la culture et un bâtiment moderne pour un art moderne !
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LOCATION:Fondation Maeght\, 623 chemin des Gardettes\, Saint-Paul de Vence\, Alpes-Maritimes\, 06570\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:La mode en majesté\, haute couture et tradition à la cour de Thaïlande
DESCRIPTION:Le musée des Arts décoratifs présente une exposition inédite sur l’évolution du vêtement à la cour thaïlandaise\, avec des pièces issues de la collection royale. \nRéunissant plus d’une centaine de tenues et d’accessoires exceptionnels\, l’exposition présente les garde-robes royales\, mettant en avant les huit formats de costumes traditionnels thaïlandais conçus par Sa Majesté la Reine Sirikit en collaboration avec une équipe d’historiens et de créateurs locaux thaïlandais. De plus\, l’exposition met en lumière l’histoire unique du dialogue culturel et artistique\, marquée par plus de trente années de collaboration entre Sa Majesté la Reine Sirikit et le créateur de mode Pierre Balmain\, puis poursuivie avec les maisons Balmain et Lesage. \nCette exposition est organisée en collaboration avec le Queen Sirikit Museum of Textiles (QSMT) en Thaïlande et The Sustainable Arts and Crafts Institute of Thailand (SACIT). L’exposition s’inscrit dans le cadre des célébrations du 340e anniversaire de la première relation diplomatique et du 170e anniversaire de l’établissement des relations diplomatiques entre la France et la Thaïlande.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107\, rue de Rivoli\, Paris\, Paris\, 75001\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Plumes de paradis : Voyages d’un oiseau extraordinaire de Nouvelle-Guinée
DESCRIPTION:Des forêts de Nouvelle-Guinée aux tableaux des grands maîtres de l’école du Nord\, une traversée fascinante sur les traces des oiseaux de paradis\, créatures flamboyantes qui captivent le monde depuis cinq siècles. \nCette exposition retrace la circulation des plumes et des représentations des oiseaux de paradis\, oiseaux- artistes faiseurs d’enchantement originaires des forêts luxuriantes de Nouvelle-Guinée. Objet de convoitise\, de contemplation et d’inspiration\, ces êtres spectaculaires ont traversé les époques et les continents. \nRéunissant près de 190 œuvres – parures\, peintures\, spécimens naturalisés\, pièces et accessoires de mode\, objets d’art et ouvrages illustrés\, le parcours croise les regards de l’histoire naturelle\, de l’art\, de l’ethnologie\, de la mode et de l’écologie. Il éclaire la manière dont ces oiseaux ont été collectés\, représentés\, admirés ou transformés au fil du temps\, en Océanie\, en Asie et en Europe. \nConçue en collaboration avec des scientifiques\, universitaires et artistes de Nouvelle-Guinée\, l’exposition propose des lectures locales contemporaines. Elle invite à repenser nos liens avec le vivant et les savoirs en tenant compte des enjeux impérieux de ce siècle\, et à découvrir ces plumes éclatantes sous un regard renouvelé.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Art nouveau – Art déco : Marseille au cœur des styles
DESCRIPTION:Le Château Borély consacre pour la première fois une exposition à une période majeure des arts décoratifs et industriels marseillais. \nPrès de 180 œuvres\, issues de prêts d’institutions prestigieuses telles que le musée d’Orsay\, le musée du Mobilier National\, le musée des Beaux-Arts ou le musée des Textiles de Lyon\, ainsi que de collections marseillaises rarement montrées\, investissent le premier étage et révèlent un patrimoine méconnu. \nVernissage jeudi 7 mai à 18h30
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LOCATION:Château Borély – Musée des arts décoratifs\, de la faïence et de la mode de la Ville de Marseille\, 134\, avenue Clot Bey\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13008
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Bernard Buffet : Une Amitié d’Artiste
DESCRIPTION:C’est en 1947 que leurs chemins se croisent pour la première fois lors du jury de l’Ecole des Beaux-Arts\, puis en 1948 au Salon d’Automne où Bernard Buffet est admis comme sociétaire. Mais leur véritable amitié naît bien plus tard\, en 1974\, lorsque Brayer s’engage activement pour le faire élire à l’Académie des Beaux-Arts. C’est chose faite le 22 janvier 1975. \nYves Brayer et Bernard Buffet partagent bien plus que leur passion pour la peinture : un même amour profond pour l’art\, qu’il soit antique ou flamand\, romantique ou moderne. Ils admirent Gros\, Delacroix\, Géricault\, Goya et Francis Gruber — un ami proche de Brayer. Tous deux sont de farouches défenseurs de la Figuration\, refusant obstinément l’Abstraction. Ce sont aussi deux travailleurs infatigables : l’un peint le jour\, l’autre préfère la nuit. \nUne sélection d’œuvres de 1947 à 1998 permet d’appréhender la grande variété de l’œuvre de Bernard Buffet. Cette exposition\, Une Amitié d’Artistes\, rend hommage à cette relation rare\, faite d’amitié profonde et d’admiration mutuelle. Pour la célébrer\, des oeuvres d’Yves Brayer répondent à celles de Bernard Buffet\, dans un dialogue sensible et silencieux\, comme celles de Bernard Buffet revisitent les collections permanentes.
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LOCATION:Musée Yves Brayer – Hôtel de Porcelet\, Place François de Hérain\, Les Baux-de-Provence\, Bouches-du-Rhône\, 13520\, France
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SUMMARY:Maurice Denis collectionneur
DESCRIPTION:Peintre et théoricien\, Maurice Denis fut également collectionneur. L’exposition dévoile les œuvres rassemblées par ce dernier tout au long de sa vie. De Vincent Van Gogh à Paul Cézanne\, il est parvenu au cours de sa vie à réunir une collection d’œuvres des plus grands artistes de son temps\, offrant un reflet singulier de l’histoire des avant-gardes au tournant du XXe siècle. Son cercle des Nabis y occupa naturellement une place centrale\, avec notamment Pierre Bonnard\, Aristide Maillol\, Paul-Élie Ranson\, Paul Sérusier\, Jan Verkade ou Édouard Vuillard.
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LOCATION:Musée départemental Maurice Denis\, 2bis\, rue Maurice Denis\, Saint-Germain-en-Laye\, Yvelines\, 78100\, France
CATEGORIES:Expositions
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SUMMARY:Exposition « Nino Ferrer\, peintre » au musée Henri Martin
DESCRIPTION:Cette exposition propose de redécouvrir Nino Ferrer\, un artiste complet\, célèbre musicien\, peu connu pour son travail de peintre et dessinateur. \nElle réunit un ensemble d’oeuvres ; peintures\, dessins\, gravures\, révélant de l’artiste sa sensibilité et liberté de création.
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LOCATION:Musée de Cahors Henri Martin\, Ancien Palais Episcopal - 792 \, rue Emile Zola\, Cahors\, Lot\, 46000\, France
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SUMMARY:Gerhard Richter : Overpainted Photographs
DESCRIPTION:Gerhard Richter compte parmi les artistes les plus influents de notre époque. Son œuvre n’a cessé de redéfinir les relations entre peinture\, photographie et perception. Les Overpainted Photographs occupent une place singulière dans cette pratique. Commencée à la fin des années 1980\, la série conjugue deux éléments centraux – et souvent antagonistes – de son art : la photographie et le geste pictural. Travaillant directement sur de petits tirages photographiques\, Richter applique de la peinture à l’huile\, du vernis ou de l’émail qu’il étale\, gratte\, presse ou fait glisser sur l’image. Il n’en résulte ni une photographie ni une peinture à proprement parler\, mais une forme hybride où les deux médiums se trouvent fondamentalement altérés. Modestes par leur format\, ces œuvres sont pourtant radicales dans leur portée. La photographie\, ordinairement perçue comme document\, trace ou enregistrement fidèle du visible\, se trouve déstabilisée par la peinture\, un médium par nature tactile\, opaque et contingent. Richter ne cherche ni à illustrer l’image ni à la sublimer : il la soumet à une intervention matérielle qui trouble sa lisibilité et suspend son autorité. Coexistent alors sur la surface texturée révélation et dissimulation\, accident et décision\, intimité et distance. Richter puise souvent dans ses propres archives : portraits de famille\, paysages\, vues urbaines ou clichés de vacances – des images ordinaires\, liées à sa vie privée et à ses observations du quotidien. Une fois repeintes\, elles échappent au registre du souvenir intime. La peinture n’efface pas complètement l’image sous-jacente\, elle ne se contente pas non plus de la recouvrir : elle réoriente le regard\, instaurant une relation nouvelle entre ce qui demeure visible et ce qui se trouve occulté. L’image devient instable\, ouverte et incertaine. L’exposition réunit également des photographies issues des séries Grauwald (2008) et Museum Visit (2011)\, qui prolongent les Overpainted Photographs en deux méditations distinctes sur l’acte de regarder. Dans Grauwald\, des clichés réalisés dans une forêt près du domicile de l’artiste sont voilés de laque grise\, transformant le paysage en un espace de distance\, d’instabilité et d’introspection. La nature y apparaît suspendue entre présence et disparition. Dans Museum Visit\, Richter porte son attention sur le musée lui-même\, retraçant le parcours du public à travers la Tate Modern au fil d’une seule journée. Des voiles de blancs et de couleurs vives y enregistrent les variations d’activité\, faisant de l’espace d’exposition un champ animé où se mêlent perception\, mémoire et expérience collective. Les procédés de Richter participent pleinement du sens de ses œuvres. Nombre d’entre elles ont été réalisées à partir de restes de peinture prélevés sur ses toiles abstraites\, appliqués au hasard de ses gestes\, par pression ou grattage. L’image finale est le fruit\, non seulement d’une intention\, mais aussi de contingences\, de l’interaction imprévisible entre la peinture et la photographie. C’est précisément cet élément de hasard maîtrisé qui confère à ces œuvres leur force particulière. Les Overpainted Photographs cristallisent les questions au cœur de toute la pratique de Richter : l’instabilité de la représentation\, les limites de la perception et la difficile séparation entre image et croyance. Elles montrent que le regard n’est jamais neutre et que toute image est exposée à la transformation\, à l’interférence et au doute. À une époque marquée par la circulation\, la saturation et la manipulation incessantes des images\, ces œuvres conservent une acuité remarquable. Cette exposition offre une occasion rare de les appréhender dans leur ensemble et de mesurer leur importance dans la pratique de Richter comme\, plus largement\, dans l’art contemporain. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Hans Ulrich Obrist\, Conseiller général
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
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SUMMARY:Camille Henrot : In the Veins
DESCRIPTION:In the Veins\, le nouveau film de Camille Henrot – l’une des artistes majeures de sa génération – interroge ce que signifie élever des enfants à l’ère de la crise climatique et de l’extinction de masse. L’œuvre s’articule autour du deuil écologique – ou solastalgie –\, cette expérience intime et quotidienne qu’est le fait de vivre avec une perte irréversible. Plutôt que d’aborder cette réalité comme un problème planétaire abstrait\, Henrot l’ancre dans le quotidien\, là où le soin\, la peur\, l’amour et la responsabilité se font ressentir avec le plus d’acuité. Le film part d’une contradiction simple mais troublante. Les animaux sont omniprésents dans l’enfance : ils peuplent les livres\, les jouets\, les chansons et les premiers apprentissages par lesquels nous apprenons à nommer le monde. Pourtant\, bon nombre de ces mêmes animaux sont aujourd’hui menacés\, déplacés ou en voie de disparition. Lire un abécédaire à un enfant et arriver à « J comme jaguar » ou « O comme ours polaire »\, c’est se heurter à un fossé béant entre représentation et réalité. Le film s’attarde sur cette dissonance\, s’interrogeant sur ce que signifie hériter d’un imaginaire foisonnant en vie animale tout en transmettant un monde sinistré où cette vie disparaît. Dans cette perspective\, parentalité et écologie apparaissent comme des pratiques du soin étroitement solidaires. L’une et l’autre ont affaire à la vulnérabilité\, à la dépendance\, à la préservation et à la survie. L’une et l’autre résistent à une culture qui privilégie la nouveauté\, la rapidité et la consommation au détriment de la réparation\, de la pérennité et de la responsabilité. In the Veins présente le soin non pas comme une question secondaire ou privée\, mais comme un acte éthique et politique. Les gestes qui consistent à veiller sur le vivant – s’occuper\, nourrir\, nettoyer\, protéger\, réparer – sont au fondement de toute conscience écologique sérieuse. Cette logique s’étend aux images du film montrant des centres de soins de la faune sauvage\, où des animaux blessés sont recueillis après avoir été directement confrontés à la violence des systèmes humains : environnements empoisonnés\, habitats détruits\, écosystèmes dégradés. Ces lieux font apparaître à la fois la destruction et la réparation. Ils témoignent de formes de soin qui ne reposent pas sur la domination ni la possession\, mais sur la patience\, la retenue et une proximité sans emprise. En ce sens\, veiller sur des animaux sauvages et en prendre soin fait écho au travail d’élever des enfants : il n’existe pas de résultat idéal\, seulement l’effort nécessaire pour permettre à une autre vie de se poursuivre. Le film se construit autour d’une méditation sur le temps. La répétition\, si centrale dans l’acte de prendre soin\, en devient l’un de ses principes formels. À rebours de la logique dominante du progrès linéaire\, l’œuvre se tourne vers des rythmes cycliques – le jour et la nuit\, les saisons\, mais aussi la croissance\, le retour\, l’épuisement et le renouveau. Ce choix est d’autant plus significatif que la crise climatique échappe souvent à la perception ordinaire : elle se déroule trop lentement pour être vécue comme un événement\, trop rapidement pour que les sociétés puissent y répondre. L’enfance obéit à une temporalité semblable : continue\, transformatrice\, difficile à saisir dans son mouvement même. Par sa structure\, sa bande sonore et son montage\, In the Veins avance que les gestes du soin au cœur de la destruction ne sont pas des actes mineurs\, mais des formes de courage. Prendre soin d’un enfant\, d’un animal ou d’un monde abîmé\, c’est résister au désespoir en continuant d’assumer sa responsabilité à l’égard du vivant.  \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique
URL:https://actu.art/event/camille-henrot-in-the-veins/
LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Julianknxx : In Search of Incredible
DESCRIPTION:Né en Sierra Leone\, Julianknxx a développé une pratique façonnée par ses déplacements à travers géographies\, langues et contextes historiques. Ayant grandi entre la Gambie et Londres\, il envisage la diaspora non comme une identité fixe\, mais comme une condition vécue et inachevée – un espace de rupture\, de transmission\, d’invention et de retour. Travaillant à la croisée du film\, de la performance\, de l’installation\, de la poésie et du son\, il conçoit des œuvres qui résistent aux récits univoques. Il y recueille des voix\, des gestes\, des souvenirs\, des chants et des fragments d’histoire pour les traduire sous des formes qui donnent à voir ce que les versions officielles ont trop souvent négligé\, réduit au silence ou dévoyé. \nIn Search of… Incredible\, initialement créé pendant la résidence de l’artiste à LUMA Arles\, transpose ces préoccupations en une exposition saisissante\, où sculptures\, films\, sons et objets trouvés composent une architecture vivante de la mémoire. L’exposition s’articule autour de trois mouvements interdépendants : transmettre\, transformer et préserver. Elle interroge la manière dont la mémoire perdure\, non pas comme une archive invariable\, mais comme quelque chose d’incarné\, sans cesse réinventé au fil des relations. En son cœur se trouve une méditation sur les origines\, la résilience et les rituels du deuil comme pratiques de soin\, de transmission et de refus de la disparition. Les couches intangibles du réel y deviennent tangibles\, et ce qui résiste à toute formulation par des mots se dit autrement – par le rythme\, la répétition\, la texture et la forme. \nLe titre lui-même est né d’un geste intime d’attention : des mots découverts sur une boîte en carton qu’avait utilisée la mère de l’artiste pour lui envoyer une sculpture réalisée à partir d’un de ses dessins. Ces derniers sont le fruit d’un échange soutenu entre l’artiste et sa mère en Gambie\, un moyen de maintenir le lien malgré la distance\, de partager des images\, des idées et des formes de pensée. Tracées par l’artiste puis réinterprétées par des menuisiers locaux sous forme de petites sculptures en bois de rose\, ces pièces lui ont ensuite été expédiées à Londres\, établissant un circuit de transmission fondé sur l’intimité\, la collaboration et la transformation de la matière. Elles ont donné corps à une réflexion commune sur ce que ces formes pourraient être\, sur les lignées qu’elles pourraient porter et sur la manière dont elles pourraient exister dans le monde – en tant qu’amulettes\, totems\, sculptures ou présences protectrices. \nPour l’exposition\, cet ensemble d’œuvres a été soumis à une nouvelle transformation. Certaines sculptures ont été recouvertes de sel\, brûlées\, teintées avec des pigments naturels ou recomposées à partir de matériaux trouvés\, prolongeant ainsi le processus de transmission et de recréation. Ces œuvres donnent à voir que le sens réside souvent dans les matériaux les plus ordinaires\, et que l’histoire se transmet par les gestes\, les chants et les attentions qui perdurent à travers le temps et la distance. \nAux côtés des sculptures\, les vidéos créent un espace où témoignage et cosmologie\, deuil et affirmation demeurent indissociables\, avec le son pour fil conducteur. Dans l’œuvre de Julianknxx\, le son n’est jamais secondaire ni simplement illustratif : c’est une force génératrice\, une technologie sociale\, émotionnelle et spirituelle qui maintient les mondes en cohésion. L’exposition présente des berceuses élaborées en collaboration avec le Chœur Boras de Marseille\, dont les chants transmettent les traditions orales comoriennes au fil des générations et des histoires migratoires. Bien plus que de simples chants de réconfort\, ce sont des vecteurs de mémoire et de survie\, des structures intimes par lesquelles récits et expériences se préservent dans le corps et se transmettent par le souffle\, la répétition et la vibration. La voix devient archive première\, dépositaire vivante du deuil\, de la tendresse\, de la résilience et de la continuité culturelle. \nLe sel est l’autre force qui lie les œuvres de l’exposition. Présent dans chacune d’entre elles – des sculptures aux films – il opère comme matériau et comme métaphore. Il préserve\, guérit\, blesse et consacre. Il évoque la sueur\, les larmes\, l’eau de mer\, le labeur\, le rituel et l’extraction. Dans le travail de Julianknxx\, le sel relie l’intime à l’historique\, associant le corps au déplacement\, à la perte\, à la nourriture et à l’héritage violent du commerce colonial. Substance d’accumulation\, il se forme couche après couche\, retenant le temps tout en transformant ce qu’il touche. \nIn Search of… Incredible raconte comment quelque chose survit\, la façon dont la mémoire est portée\, modifiée\, rendue au monde\, dont l’histoire vit à travers la voix et le rituel\, et dont l’art peut accueillir des réalités que d’autres systèmes de représentation ne peuvent voir.  \n Avec le soutien du Groupe Salins. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique\, Eimear Martin\, Curatrice et Zoé Crouzat\, Assistante curatrice
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Mystification : Architecture et cinéma\, la quête de l'illusion
DESCRIPTION:Depuis l’Antiquité\, l’architecture et le théâtre ont en commun un art subtil : celui de tromper le regard et l’esprit. L’illusion des formes\, la maîtrise des perspectives et le jeu avec la lumière transforment notre perception du monde et nous plongent dans une réalité altérée.  \nLes colonnes du Parthénon\, légèrement incurvées pour paraître droites\, et les décors en trompe-l’œil de la Renaissance témoignent de cette quête de perfection qui joue avec notre perception sensorielle. Le cinéma\, art fondé sur l’illusion du mouvement\, s’est emparé de ces artifices pour projeter des univers où l’œil est sans cesse trompé : les perspectives manipulées de Metropolis\, les cités impossibles d’Inception ou encore la ville de Gotham réinventée au fil des adaptations de Batman. \nL’exposition « Mystification\, Architecture et Cinéma\, la quête de l’illusion »\, met en perspective ces arts de l’illusion\, questionne notre compréhension de la réalité et notre désir de fiction\, en offrant une expérience visuelle spectaculaire et un dialogue inédit avec les œuvres du peintre Claude Gazier.
URL:https://actu.art/event/mystification-architecture-et-cinema-la-quete-de-lillusion/
LOCATION:Saline Royale d’Arc-et-Senans\, Grande Rue\, Arc et Senans\, Doubs\, 25610\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Verena Paravel : Delta
DESCRIPTION:Delta est une nouvelle commande filmique majeure de l’artiste et cinéaste Verena Paravel\, réalisée dans le cadre d’un projet de recherche plus large intitulé Cosmofonia. Verena Paravel compte parmi les voix les plus originales du cinéma documentaire contemporain et ne cesse d’étendre le potentiel de la vidéo en éprouvant les limites de la perception et en remettant en question les modes d’observation anthropocentrés. Située à l’intersection de l’anthropologie\, de l’écologie et de l’image en mouvement\, sa pratique propose une approche décentrée du monde vivant\, attentive aux relations inter-espèces\, aux environnements instables et aux formes de présence qui échappent à la conception humaine. Filmé dans le delta du Rhône\, Delta est la deuxième partie du prélude à Cosmofonia\, un film et une œuvre sonore en cours qui déplace l’attention depuis le point de vue vers le point d’écoute. Verena Paravel se penche sur les sons inaudibles de la Terre : les vibrations infrasonores\, les résonances sismiques\, les signaux inter-espèces et les traces acoustiques de l’activité humaine. La plupart de ces fréquences échappent à la perception humaine ordinaire. L’œuvre les rend audibles et ouvre ainsi un nouveau champ sensoriel\, invitant le public à envisager l’environnement non pas comme un décor\, mais comme un maillage dense et animé de relations. La Camargue devient le lieu particulièrement chargé de cette recherche. Au cours de sa résidence à LUMA Arles\, d’octobre 2025 à janvier 2026\, Verena Paravel a collaboré avec des spécialistes de l’écologie des zones humides et de la biodiversité acoustique à l’institut de recherche de la Tour du Valat afin d’observer comment différentes espèces utilisent le son pour s’orienter\, communiquer et survivre au sein de cet environnement instable. Les salins\, les roselières\, les moustiques\, les amphibiens\, les oiseaux migrateurs\, les zones industrielles\, les étendues sauvages\, les eaux claires et troubles forment ensemble un environnement changeant à la limite de la terre et de la mer. Dans Delta\, cette condition d’entre-deux devient à la fois le sujet et la méthode. Verena Paravel utilise des hydrophones\, des vibromètres laser\, des caméras acoustiques\, des micros paraboliques\, des caméras de chasse et des instruments d’optique scientifiques afin de bâtir une expérience sensorielle à même de redistribuer l’attention à travers le champ du vivant. Les cliquetis des crustacés\, les coassements sous-marins des grenouilles\, le frottement des roseaux et la pression lointaine des interférences humaines sont traités horizontalement. De même\, l’image se refuse à toute hiérarchie conventionnelle. Elle n’isole pas le spectacle\, n’organise pas le monde autour d’un point de vue privilégié. Les animaux\, les plantes\, les racines\, les courants\, les branches et les scientifiques évoluent dans un champ d’attention égalisé où aucune forme de vie ne domine l’autre. La redistribution de la perception n’est pas que formelle\, elle est aussi éthique. Delta envisage le film comme un médium de contact : un moyen d’approcher d’autres modes de vie sans les réduire à des catégories humaines. Le son et l’image deviennent les instruments de l’attention\, rendant perceptible un monde où les espèces\, les corps et les environnements sont poreux les uns aux autres ; un monde où la vie et la mort se déploient à travers des transformations perpétuelles. En ce sens\, l’œuvre de Verena Paravel résonne avec la bioacoustique\, l’éco-acoustique et l’acoustémologie tout en allant au-delà des frontières disciplinaires afin de poser la question de ce que peut appréhender le cinéma. Présenté sous la forme d’une projection monumentale de huit mètres de long avec un son multicanal\, Delta propose une rencontre immersive avec les multiples réalités de la Camargue. L’œuvre prolonge la réflexion radicale de Verena Paravel autour d’une redéfinition de la forme documentaire et place Cosmofonia parmi les recherches actuelles les plus passionnantes quant à la capacité de l’art à nous mettre au diapason d’un monde composé d’une pluralité de voix\, de rythmes et de façons d’habiter la Terre.\nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Colette Angeli\, Assistante curatrice
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Exposition « Métamorphoses » au Château du Rivau
DESCRIPTION:Du 30 mars au 11 novembre\, l’exposition Effervescences au Château du Rivau\, propose un parcours d’art bouillonnant par le prisme de grands artistes de notre temps et d’artistes émergents\, habités par la prise en compte du vivant\, de la planète pour une meilleure cohabitation entre l’homme et la nature\, ainsi que par les perspectives ouvertes par l’intelligence artificielle. Une programmation estivale avec une exposition réunissant une quarantaine d’artistes modernes et contemporains ; l’exposition\, intitulée Effervescences au château du Rivau invite à partager la prise de conscience par des artistes renommés et émergents de nouvelles formes de pensée et de manières de vivre : le buzz\, l’IA\, l’art vitamine C\, tumulte dans le vivant\, ébullition\, allumeurs d’étoiles.
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