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SUMMARY:Maurits Cornelis Escher
DESCRIPTION:Avec plus de 200 œuvres\, l’exposition plonge le public dans l’univers imaginaire et vertigineux de ce génie visionnaire néerlandais. Né en 1898 à Leeuwarden (Pays-Bas)\, Escher a su conjuguer art\, mathématiques\, géométrie\, logique et philosophie dans un langage unique\, capable de défier les perceptions visuelles et de captiver des générations entières. \nCélèbre pour ses visions impossibles\, ses paradoxes visuels et ses géométries infinies\, Escher est devenu une véritable icône\, autant pour les mathématiciens et chercheurs que pour le grand public\, séduit par la force visuelle et conceptuelle de ses œuvres. Son travail se situe à la croisée de la rigueur scientifique et de l’imagination poétique\, et a profondément influencé le monde du design\, du graphisme et de la communication visuelle. \nSes illusions d’optique et architectures impossibles prennent vie dans cette exposition immersive\, enrichie de stations interactives. À l’occasion de l’événement\, accueilli dans les salons historiques de la Monnaie de Paris\, seront également présentées des pièces commémoratives frappées pour les 100 ans de la naissance de l’artiste\, ainsi que des dessins préparés pour des billets de banque finalement non émis en raison de leur complexité d’exécution. \nL’exposition est produite par Arthemisia et Fever\, en collaboration avec la M.C. Escher Foundation et Maurits\, et est placée sous la direction de Federico Giudiceandrea et de Jean-Hubert Martin\, deux des plus grands spécialistes mondiaux de l’artiste.
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LOCATION:Musée du 11 Conti – Monnaie de Paris\, 11\, quai de Conti\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Zadkine Art déco
DESCRIPTION:Le musée Zadkine célèbre les cent ans de l’Art déco en mettant en lumière les liens qu’a noués le sculpteur Ossip Zadkine avec les arts décoratifs dans les années 1920-1930. Grâce à de nombreux prêts – provenant tant de collections privées que d’institutions prestigieuses\, comme le musée des Beaux-Arts d’Anvers\, la manufacture de Sèvres\, le Mobilier national ou le musée des Années 30 à Boulogne – l’exposition permet de mesurer l’étendue du talent de Zadkine\, artiste complet\, passionné par la beauté et la variété des matières.
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LOCATION:Musée Zadkine\, 100 bis rue d'Assas\, Paris\, Paris\, 75006\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Victor Hugo\, décorateur
DESCRIPTION:La Maison de Victor Hugo est la seule institution à pouvoir témoigner\, par ses collections\, de ce domaine de la créativité hugolienne : la décoration. C’est la part la moins connue de son œuvre mais dont on observe la fascination qu’elle suscite chaque fois qu’on l’évoque\, disparus ou impossibles à déplaçables sont autant de difficultés.\nCette exposition sur les deux étages du musée\, tentera de rendre sensible et de documenter la méthode et l’esprit de Victor Hugo\, décorateur.
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LOCATION:Maison de Victor Hugo\, 6 Place des Vosges\, Paris\, Paris\, 75004\, France
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SUMMARY:Pekka Halonen : Un hymne à la Finlande
DESCRIPTION:Le Petit Palais poursuit son exploration de l’univers des peintres finlandais avec une rétrospective consacrée à Pekka Halonen.\n\n\n\nFormé à Paris où il est l’élève de Paul Gauguin\, Pekka Halonen est influencé par les courants artistiques qui infusent la création parisienne à la fin du XIXe siècle : le japonisme\, le pleinairisme et le synthétisme. À travers ses peintures de paysages sauvages\, il n’aura de cesse de restituer la poésie du passage des saisons. S’affirmant comme « le peintre de la Neige »\, il excelle tout particulièrement dans la transcription de l’hiver. Son attachement à sa terre natale et son amour de la nature le poussent à établir son atelier\, baptisé Halosenniemi\, le long du lac de Tuusula\, au sud de la Finlande. Dans ce havre de paix\, il se laisse aller au bonheur simple de la vie domestique\, entretenant un jardin dont la production lui sert de motifs pour des compositions empreintes de lumière et de couleur. Cette première grande rétrospective française de l’œuvre de Pekka Halonen montrera son apport à la modernité\, par sa synthèse entre les différentes tendances picturales de la fin du XIXe siècle. Elle plongera les visiteurs au cœur des somptueux paysages sauvages de Finlande\, immortalisés par l’artiste\, et invitera à la réflexion sur leur préservation face au réchauffement climatique. \n\nCette exposition est organisée en collaboration avec le Musée d’art de l’Ateneum – Galerie nationale de Finlande (Helsinki). \n  \nCommissariat général\nAnnick Lemoine\, conservatrice générale du patrimoine\, directrice du Petit Palais \nCommissariat scientifique\nAnna-Maria von Bonsdorff\, directrice du Musée d’art de l’Ateneum – Galerie nationale de Finlande (Helsinki)\nAnne-Charlotte Cathelineau\, conservatrice en chef du patrimoine\, chargée de la collection de sculptures du Petit Palais
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Gerhard Richter
DESCRIPTION:La Fondation Louis Vuitton présente une rétrospective de l’œuvre du peintre allemand Gerhard Richter\, né à Dresde en 1932\, qui a fui à Düsseldorf en 1961 avant de s’établir à Cologne\, où il vit et travaille encore aujourd’hui. Cette exposition\, inédite par son ampleur et sa temporalité\, réunit 270 œuvres de 1962 à 2024 — peintures à l’huile\, sculptures en acier et en verre\, dessins au crayon et à l’encre\, aquarelles et photographies peintes — couvrant soixante années de création.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8 avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:L'École de Paris\, collection Marek Roefler
DESCRIPTION:Le terme « École de Paris » a été utilisé pour la première fois en 1925 par le critique d’art français André Warnod. Il fait référence à un phénomène plus large : l’afflux d’artistes étrangers qui se sont installés d’abord à Montmartre et puis à Montparnasse avant la Première Guerre mondiale\, et qui ont fait de Paris leur école d’art et de vie. \nParmi ces artistes venus principalement d’Europe centrale et orientale\, nombreux étaient d’origine juive\, mais on comptait également des artistes venus d’Espagne (Picasso)\, d’Italie (Modigliani)\, du Japon (Foujita)\, du Mexique (Rivera)\, de Grande-Bretagne et des États-Unis. Ce brassage artistique a permis à Montmartre et Montparnasse de devenir les berceaux des avant-gardes de la première moitié du XXe siècle. Sous les pinceaux d’une multitude d’artistes internationaux le cubisme\, le fauvisme\, l’expressionnisme et le post-impressionnisme se côtoient et évoluent dans des milieux fertiles. \nSuivant l’axe Nord-Sud – de Montmartre à Montparnasse – l’exposition « École de Paris\, collection Marek Roefler » présente le fruit de nombreuses années de passion et de travail mené par le collectionneur\, en faisant découvrir au public l’œuvre surprenant de plusieurs maîtres polonais. Les noms d’artistes reconnus tels que Ossip Zadkine\, Tamara de Lempicka et Moïse Kisling\, accompagnent ceux d’une génération souvent méconnue au grand public : Henri Hayden\, Eugène Zak\, Henri Epstein\, Mela Muter\, Maurice Mendjizky\, Simon Mondzain\, Wladyslaw Slewinski\, Jozef Pankiewicz\, Louis Marcoussis\, Alice Halicka\, ou encore les sculpteurs Auguste Zamoyski\, Boleslas Biegas et Jozef Csaky. \nLe parcours de l’exposition illustre l’étendue du foisonnement créatif de l’École de Paris\, ainsi que la pluralité de styles qui caractérise ce mouvement. L’influence de Cézanne\, Gauguin et de Van Gogh côtoie le développement autonome de plusieurs artistes\, qui fondent leur propre esthétique sous l’égide de la libre pensée\, dans les années où Guillaume Apollinaire\, Max Jacob\, Ambroise Vollard et tant d’autres contribuent au rayonnement intellectuel et marchand des avant-gardes. \nL’exposition s’inscrit dans la programmation du musée de Montmartre qui\, depuis plusieurs années\, invite à réfléchir sur la pluralité des parcours et met en lumière le rôle emblématique de la Butte dans l’histoire de l’art\, ainsi que son effervescence créative. \n\n\n\n\n\nPlacée sous le patronage de l’ambassade de la République de Pologne en France et de l’Institut polonais de Paris\, l’exposition L’École de Paris\, collection Marek Roefler est réalisée en partenariat avec le musée Villa La Fleur\, situé à Konstancin-Jeziorna\, en Pologne\, et avec la collaboration de la basilique du Sacré-Coeur de Montmartre. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCommissariat : \nArtur Winiarski\, directeur du musée Villa La Fleur \nAlice S. Legé\, docteure en histoire de l’art\, responsable de la conservation du musée de Montmartre
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LOCATION:Musée de Montmartre\, 12\, Rue Cortot\, Paris\, Paris\, 75018\, France
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SUMMARY:Jacques-Louis David
DESCRIPTION:David est un monument. « Père de l’École française »\, « régénérateur de la peinture »\, il a créé des images qui hantent aujourd’hui encore notre imaginaire collectif : Marat assassiné\, Bonaparte franchissant les Alpes\, le Sacre de Napoléon… C’est à travers le filtre de ses tableaux que nous nous représentons les grandes heures de la Révolution et de l’Empire napoléonien\, et dans ses portraits que revit la société de cette époque. \nÀ l’occasion du bicentenaire de sa mort en exil à Bruxelles en 1825\, le musée du Louvre offre une nouvelle vision sur une personnalité et une œuvre d’une richesse et d’une diversité exceptionnelles. L’exposition met en lumière la force d’invention et la puissance expressive de la peinture de Jacques-Louis David (1748-1825)\, plus chargée de sensations que ce que l’imposante rigueur de ses tableaux laisse penser. \nL’exposition\, qui embrasse la longue carrière d’un artiste qui a connu six régimes politiques et participé activement à la Révolution\, réunit une centaine de prêts exceptionnels\, dont l’imposant fragment du Serment du Jeu de Paume (dépôt du musée du Louvre au château de Versailles) et la version originale du célèbre Marat assassiné (Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique\, Bruxelles)\, sommet de son art. \n\n\nCommissaires \nSébastien Allard\, conservateur général du Patrimoine\, directeur du département des Peintures\, musée du Louvre\nCôme Fabre\, conservateur du Patrimoine au département des Peintures\, musée du Louvre\,\nAssistés d’Aude Gobet\,cheffe du service étude et documentation du département des Peintures\, musée du Louvre
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LOCATION:Musée du Louvre\, rue de Rivoli\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:George Condo
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris organise\, avec le concours de l’artiste\, la plus importante exposition à ce jour de l’œuvre de George Condo. À la fois peintre\, dessinateur et sculpteur\, George Condo développe un univers singulier nourri par une culture visuelle prolifique qui parcourt l’histoire de l’art occidentale des maîtres anciens à aujourd’hui. \nNé en 1957 à Concord\, New Hampshire\, George Condo s’installe à New York en 1979. Il est rapidement introduit dans la scène artistique locale\, travaillant notamment pour l’atelier de sérigraphie d’Andy Warhol. Il part ensuite pour Cologne\, puis Paris\, qui devient son lieu principal de résidence de 1985 à 1995. Sa grande connaissance de l’art européen le mène à développer une approche personnelle de la peinture figurative et un regard féroce sur son époque. \nAprès les deux rétrospectives consacrées par le musée en 2010 à Jean-Michel Basquiat et en 2013 à Keith Haring\, deux artistes avec lesquels George Condo partagea une véritable amitié artistique\, cette exposition est conçue comme le dernier chapitre d’une trilogie new-yorkaise\, explorant l’émergence dans les années 1980 d’une nouvelle génération de peintres. Chacun à leur manière\, ils ont contribué à remettre en question le médium de la peinture\, ce que George Condo\, le seul survivant de cette décennie\, s’évertue à poursuivre depuis. \nOrganisée en dialogue avec l’artiste\, l’exposition a pour ambition de retracer plus de quatre décennies de la carrière de George Condo en présentant les plus emblématiques de ses œuvres. De nombreuses œuvres provenant de musées américains et européens majeurs (le MoMA\, le MET\, le Whitney Museum of American Art ou le Louisiana Museum of Modern art) et de collections privées sont pour la première fois réunies à Paris à la faveur de ce projet. \nL’exposition comprend près de 80 peintures\, 110 dessins – regroupés dans un cabinet d’art graphique dédié – et une vingtaine de sculptures qui ponctuent le parcours. \nBien que rétrospective dans son contenu\, l’exposition n’est pas présentée dans un ordre chronologique strict. Elle propose un parcours à travers des cycles et thématiques auxquels l’artiste revient sans cesse au fil de séries d’œuvres distinctes. \nL’exposition donne à voir la richesse et la diversité de la pratique de George Condo par le biais de trois volets principaux : le rapport à l’histoire de l’art\, le traitement de la figure humaine\, et le lien à l’abstraction. \n  \nL’exposition \nL’exposition s’ouvre sur les liens féconds entretenus par l’artiste avec l’histoire de l’art occidentale. Dans une salle rejouant les codes d’un grand musée de Beaux-Arts classique\, se déploient des œuvres parmi les plus audacieuses jamais produites par l’artiste. Elles montrent comment\, de Rembrandt à Picasso en passant par Goya et Rodin\, Condo s’approprie les maîtres du passé pour les intégrer à son imaginaire foisonnant\, où les figures criantes et inquiétantes sont légion. \nLe parcours se poursuit avec la présentation d’un ensemble d’œuvres liées au Réalisme artificiel\, un concept imaginé par Condo pour décrire des œuvres défiant toute chronologie. Réalisées dans le style et avec les techniques du passé\, ces œuvres empreintes aussi des éléments à la culture du graffiti (série des Names Paintings\, 1984) ou à l’imagerie du cartoon (Big Red\, 1997)\, produisant un effet d’incertitude temporelle. \nCe volet de l’exposition s’achève avec la monstration conjointe de deux corpus où Condo reformule l’histoire de l’art à sa manière\, soit par l’accumulation (série des Collages\, à partir de 1986)\, soit par la confrontation (série des Combination Paintings\, 1990-1993). \nUne pause est ensuite prévue au milieu du parcours pour entrer plus intimement dans l’esprit de l’artiste. Un couloir est dédié à la relation fructueuse entretenue par Condo avec la littérature\, et notamment aux collaborations menées avec les écrivains de la Beat Generation (William Burroughs\, Allen Ginsberg\, Brion Gysin…). Ce passage mène à un cabinet d’arts graphiques\, regroupant dans un accrochage dense des œuvres sur papier qui retracent l’ensemble de la production de Condo\, de ses premiers dessins d’enfant à ses encres et pastels les plus récents. \nLa représentation de la figure humaine est l’un des sujets principaux de l’œuvre de Condo. L’artiste s’emploie à dépeindre la complexité de la psyché humaine à travers des portraits d’êtres imaginaires qualifiés d’« humanoïdes ». Une section leur est dédiée\, d’abord par une série de portraits individuels du début des années 2000 revisitant les codes néoclassiques\, puis par une salle regroupant des portraits de groupes (série des Drawing Paintings\, 2009-2012). La section se clôture par une salle consacrée à la série des Doubles Portraits (2014-2015). Elle permet d’aborder la dualité de l’esprit humain et la notion de « cubisme psychologique » inventée par l’artiste pour qualifier sa manière de représenter plusieurs émotions dissemblables dans un seul et même portrait. \nLa dernière grande section de l’exposition propose d’explorer le rapport de Condo à l’abstraction. Depuis ses débuts\, l’artiste réalise des œuvres à la lisière de l’art abstrait\, à l’instar de la série des Expanding Canvases (1985-1986)\, où la frénésie calligraphique en all-over vient brouiller la composition. La section se poursuit avec la monstration de plusieurs séries de monochromes – blancs (2001)\, bleus (2021) et noirs (1990-2019). Un focus particulier est fait sur la série des Black Paintings\, avec une salle immersive invitant à l’introspection. L’exposition se termine par des œuvres récentes de la série des Diagonal (2023-2024)\, révélant la capacité insatiable de l’artiste de redéfinir son propre langage pictural. \n 
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LOCATION:Musée d’Art moderne\, 11 avenue du Président Wilson\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Otobong N’Kanga
DESCRIPTION:« Je pense la Terre comme un être\, comme notre corps : l’eau\, l’air\, l’arbre\, la pierre\, la plante sont des êtres comme notre corps. » Otobong Nkanga\, 2022 \nLe Musée d’Art Moderne de Paris présente à l’automne 2025 la première exposition monographique de l’artiste Otobong Nkanga dans un musée parisien. \nDepuis la fin des années 90\, Otobong Nkanga (née à Kano au Nigeria en 1974 et vivant à Anvers en Belgique) aborde dans son travail des thèmes liés à l’écologie\, aux relations entre le corps et le territoire\, créant des œuvres d’une grande force et d’une grande plasticité. \nÀ partir de son histoire personnelle et de ses recherches témoignant de multiples influences transhistoriques\, elle crée des réseaux et des constellations entre êtres humains et paysages\, tout en abordant la capacité réparatrice des systèmes naturels et relationnels.\nÀ la suite de ses études à l’université Obafemi Awolowo d’Ife-Ife au Nigeria puis à l’École nationale supérieure des Beaux-arts de Paris et à la résidence d’artistes de la Rijksakademie d’Amsterdam\, l’artiste développe un questionnement sur la notion de l’exploitation du sol tout autant que sur celle du corps dans son rapport à l’espace\, à la terre et ses ressources. Elle examine les relations sociales\, politiques\, historiques\, économiques à l’œuvre dans notre rapport au territoire\, aux matériaux et à la nature et produit dans une pratique pluridisciplinaire (peintures\, installations\, tapisseries\, performances\, poésies etc.). \nLa notion de strates est centrale dans le travail de l’artiste – à la fois dans la matérialité de ses sculptures\, interventions\, performances et tapisseries\, mais aussi dans sa façon de penser les relations entre les corps et les terres – relations d’échange et de transformation mutuelles. Otobong Nkanga explore autant la notion de circulation des matériaux et des biens\, des gens et de leurs histoires entremêlées\, que celle de leur exploitation\, marquées par les résidus de violences environnementales. Tout en questionnant la mémoire\, elle offre la vision d’un avenir possible.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:L’empire du sommeil
DESCRIPTION:L’exposition interroge les représentations du sommeil à travers les âges et plus particulièrement celles nées au cours du XIXe et du XXe siècle\, à la lumière des bouleversements scientifiques\, philosophiques et psychanalytiques qui ont façonné notre compréhension de cet état mystérieux. Le parcours s’articule en huit sections thématiques et présente une centaine d’œuvres : peintures\, sculptures\, dessins\, objets\, documents scientifiques.
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LOCATION:Musée Marmottan-Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Minimal
DESCRIPTION:À partir du 8 octobre 2025\, la Bourse de Commerce accueille une exposition d’envergure dédiée à l’art minimal.  \nRéunissant un ensemble exceptionnel d’œuvres issues de la Collection Pinault\, mises en dialogue avec celles de collections prestigieuses\, «Minimal» retrace la diversité de ce mouvement depuis les années 1960 où toute une génération d’artistes (Dan Flavin\, Robert Ryman\, On Kawara\, Agnès Martin\, François Morellet…) a initié une approche radicale de l’art. Son commissariat est confié à Jessica Morgan\, directrice de la Dia Art Foundation (Beacon\, New York)\, qui a rassemblé plus d’une centaine d’œuvres créées par une quarantaine d’artistes internationaux.
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LOCATION:Bourse de Commerce – Collection Pinault\, 2 Rue de Viarmes\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Berthe Weill. Galeriste d’avant-garde
DESCRIPTION:En 1901\, Berthe Weill ouvre une galerie au 25 rue Victor-Massé\, dans le quartier de Pigalle. Elle choisit alors de s’engager aux côtés des artistes de son temps en contribuant à leur révélation puis à l’essor de leur carrière\, malgré des moyens limités. Parmi eux\, se trouvent certains des plus grands noms des avant-gardes\, comme d’autres aujourd’hui moins en vue. Avec un enthousiasme et une persévérance sans faille\, elle a été leur porte-voix et les a soutenus pendant près de quarante ans jusqu’à la fermeture de sa galerie en 1940\, dans le contexte de la guerre et de la persécution des Juifs.\nDès 1933\, elle avait publié ses souvenirs de trois décennies d’activité sous le titre « Pan ! Dans l’œil… »\, faisant œuvre de pionnière de ce genre littéraire.\n\n\n\n\n\n\n  \nPourtant\, la trajectoire de Berthe Weill\, un temps presque effacée\, n’est aujourd’hui pas encore inscrite au firmament des marchands d’art où figurent en bonne place Daniel-Henry Kahnweiler\, Paul et Léonce Rosenberg\, Ambroise Vollard et Paul Guillaume. L’exposition\, organisée par le Grey Art Museum de New York\, le musée des beaux-arts de Montréal et le Musée de l’Orangerie à Paris\, a pour ambition de mettre en lumière un pan encore méconnu de l’histoire de l’art moderne. \nBerthe Weill s’est engagée dès le commencement du siècle dans le soutien aux artistes sous le mot d’ordre de « Place aux jeunes » qui figure sur sa carte publicitaire. De Picasso – qu’elle contribue à vendre avant même l’ouverture de sa galerie – à Modigliani – dont elle organise la seule exposition personnelle de son vivant en 1917 –\, elle prend part à la reconnaissance du fauvisme en présentant régulièrement des expositions du groupe d’élèves de Gustave Moreau réunis autour de Matisse.\nElle s’engage\, un peu plus tard\, auprès des cubistes et des artistes de l’École de Paris dans des batailles pour l’art\, pour l’éclosion de ses nouvelles formes\, mais aussi contre le conservatisme et la xénophobie. Malgré les vicissitudes\, son intérêt pour les jeunes artistes n’a jamais failli et c’est ainsi qu’elle a défendu farouchement des figures très différentes\, dont certaines n’appartenant à aucun courant précis\, et leur a donné une chance en organisant une ou plusieurs expositions. Elle promeut\, en outre\, nombre d’artistes femmes\, sans préjugés de sexe ou d’école\, d’Émilie Charmy qu’elle expose régulièrement de 1905 à 1933 et qu’elle qualifie d’« amie d’une vie » à Jacqueline Marval\, Hermine David ou encore Suzanne Valadon\, alors très en vue. \nEn 1951\, à sa disparition\, elle a présenté plus de trois cents artistes aux quatre adresses successives de sa galerie : 25\, rue Victor-Massé ; 50\, rue Taitbout à partir de 1917 ; 46\, rue Laffitte de 1920 à 1934\, et enfin 27\, rue Saint-Dominique. Elle a organisé des centaines d’expositions jusqu’à la fermeture définitive de sa galerie en 1940. \nCette exposition prendra place au sein d’une série\, commencée en 2023 avec Modigliani\, un peintre et son marchand\, consacrée au marché de l’art\, qui a pour ambition de mieux faire connaître les mécanismes de l’émergence des avant-gardes du XXe siècle et les personnalités\, souvent remarquables\, qui en forment les rouages. L’exposition invitera à découvrir la carrière et la personnalité de la marchande au travers de sa contribution à l’avènement de certains des moments que l’histoire de l’art a retenus. Elle retracera également la vie d’une galerie dans la première moitié du XXe siècle dans sa continuité et ses péripéties. Une centaine d’oeuvres\, peintures\, sculptures\, dessins\, estampes et bijoux\, évoqueront les expositions que Berthe Weill organisa et le contexte historique dans lequel elles prirent place. Les oeuvres de Pablo Picasso\, Henri Matisse\, Diego Rivera\, Amedeo Modigliani côtoieront ainsi\, comme à la galerie B. Weill\, celles d’Emilie Charmy\, de Pierre Girieud\, d’Otto Freundlich\, formant le portrait d’une femme et de son action. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCommissariat \n\nSophie Eloy\, attachée de collection\nAnne Grace\, conservatrice art moderne au Musée des beaux-arts de Montréal\nLynn Gumpert\, directrice du Grey Art Museum\, New York University\, New York\nMarianne Le Morvan (commissaire invitée)\, fondatrice et directrice des archives Berthe Weill\, commissaire d’expositions et chercheuse indépendante
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, place de la Concorde Jardin des Tuileries\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Amazônia : Créations et futurs autochtones
DESCRIPTION:Loin du cliché de la grande forêt vierge habitée de peuples figés dans le temps\, cette exposition\, entre art contemporain et collections historiques\, met en lumière l’Amazonie du point de vue autochtone\, un monde vibrant et ancré dans le présent\, où coexistent une multitude d’entités\, humaines et non-humaines. \n\n\n\n\nSouvent réduite à sa seule biodiversité\, l’Amazonie comporte pourtant une richesse culturelle foisonnante. L’exposition Amazônia propose un nouvel éclairage sur les collections dites « ethnographiques » des musées européens et interroge notre regard occidental sur les arts visuels amérindiens.\n\n\nEn mettant en dialogue les collections du musée avec des oeuvres contemporaines d’artistes autochtones\, l’exposition invite à repenser les frontières entre art traditionnel et art contemporain\, telles qu’elles ont été définies par l’histoire de l’art occidentale. Les « artefacts » peuvent y être considérés comme des oeuvres d’art à part entière\, tandis que le patrimoine immatériel et les arts éphémères — danses\, arts oraux\, peintures corporelles\, savoirs — témoignent de la richesse et de la vitalité des cultures amazoniennes. \nÀ travers les voix et les créations des peuples autochtones\, l’exposition révèle une Amazonie plurielle et contemporaine\, où traditions ancestrales et modernité s’entrecroisent et s’enrichissent mutuellement.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:John Singer Sargent  - Éblouir Paris
DESCRIPTION:John Singer Sargent (Florence\, 1856 – Londres\, 1925) est\, avec James McNeill Whistler\, l’artiste américain le plus célèbre de sa génération et sans doute l’un des plus grands peintres du XIXe siècle et du début du XXe siècle. Adulé aux États-Unis (son portrait de Madame X est considéré comme la Joconde de la collection d’art américain du Metropolitan Museum of Art à New York)\, il est aussi célébré au Royaume-Uni où il a effectué la majeure partie de sa carrière. En France\, cependant\, son nom et son œuvre restent très largement méconnus\, ce que l’exposition du musée d’Orsay à l’automne 2025 espère changer. \nSi en 2007 l’exposition Peintres de la lumière. Sargent & Sorolla (Paris\, musée du Petit Palais) avait pu permettre de présenter l’artiste au public français\, aucune exposition monographique ne lui jamais été consacrée. C’est pourtant bien dans l’hexagone\, et plus précisément à Paris\, que le jeune peintre s’est formé\, a développé son style et son réseau d’artistes\, a connu ses premiers succès et a réalisé parmi ses plus grands chefs-d’oeuvre comme le Dr Pozzi chez lui (1881\, Hammer Museum\, Los Angeles) ou les Filles d’Edward Darley Boit (1882\, Museum of Fine Arts\, Boston).\nConçue en partenariat avec le Metropolitan Museum of Art de New York\, l’exposition « Sargent. Les années parisiennes » vise à faire découvrir ce peintre à un large public. L’exposition réunit plus de 90 œuvres de John Singer Sargent\, dont certaines n’ont jamais été présentées en France. Elle retrace l’ascension fulgurante du jeune artiste\, arrivé à Paris en 1874 à l’âge de 18 ans pour étudier avec Carolus-Duran. L’exposition couvre son parcours jusqu’au milieu des années 1880\, période où il s’installe à Londres après le scandale suscité par son portrait de Madame Gautreau (Madame X) au Salon. \nPendant cette décennie\, Sargent forge à la fois son style et sa personnalité dans le creuset de l’étourdissant monde de l’art parisien\, marqué par la multiplication des expositions\, le développement du naturalisme et de l’impressionnisme et la montée en puissance de Paris comme capitale mondiale de l’art. Le jeune peintre américain y trouve des soutiens auprès d’autres expatriés mais s’intègre aussi avec brio à la société française en forgeant des liens avec un cercle d’artistes\, d’écrivains\, et de mécènes éclairés. Les nombreuses effigies que Sargent nous a laissé de ces personnalités brossent le portrait captivant d’une société en pleine mutation\, très cosmopolite\, où l’ancienne aristocratie européennes côtoie les jeunes fortunes du nouveau monde. Constamment en quête de nouvelles inspirations\, Sargent dépeint peu la « vie parisienne » mais profite de son ancrage dans la capitale française pour effectuer de nombreux voyages en Europe ou en Afrique du Nord. Il en ramène de nombreux tableaux\, paysages et scènes de genre\, qui allient exotisme\, mystère et sensualité. Mais c’est dans le domaine du portrait que Sargent s’impose comme l’artiste le plus talentueux de son temps\, surpassant ses maîtres et égalant les grands artistes du passé. Sa formidable habileté technique\, le brio de sa touche\, le chatoiement de ses couleurs et l’assurance provocante de ses compositions troublent le public et séduisent les critiques qui voient en lui le digne héritier de Velázquez. Commentant en 1883 l’un de ses tableaux les plus originaux\, le Portrait des Filles d’Edward Darley Boit\, l’écrivain américain Henry James\, ami de Sargent\, note que l’artiste « offre le spectacle étrangement inquiétant d’un talent qui au seuil de sa carrière n’a déjà plus rien à apprendre ». \nEn 1884\, le portrait de Virginie Gautreau\, que Sargent viendra plus tard à décrire comme « la meilleure chose qu’il ait jamais faite »\, suscite cependant des réactions hostiles au Salon. Elles visent notamment à la moralité du modèle\, et témoignent des enjeux mondains et sociaux de l’art du portrait « public » en France à la fin du XIXe siècle. Une section particulière de l’exposition est dédiée à ce moment de la carrière de Sargent et à ce tableau\, prêté exceptionnellement par le Metropolitan Museum of Art et visible à Paris pour la première fois depuis… 1884 ! \nFondée sur un travail de recherche poussé\, « Sargent. Les années parisiennes » prend aussi la mesure des liens durables que l’artiste conserve avec sa ville de formation\, et ce même après son déménagement à Londres. Son engagement en faveur de l’entrée d’Olympia de Manet\, artiste qu’il admire\, dans les collections nationales en 1890\, en témoigne. C’est encore en France que Sargent connaît une première forme de reconnaissance institutionnelle\, lorsque l’État fait l’achat de son portrait de la danseuse Carmencita pour le musée du Luxembourg en 1892. \nCommissariat\nCaroline Corbeau-Parsons\, Conservatrice arts graphiques et peintures\, musée d’Orsay ;\nPaul Perrin\, Directeur des collections et de la conservation\, musée d’Orsay ;\nEn collaboration avec Stephanie Herdrich\, Alice Pratt Brown Curator of American Paintings and Drawings\, Metropolitan Museum of Art.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Soulages\, une autre lumière
DESCRIPTION:Rarement rassemblée dans des expositions à part entière\, l’œuvre sur papier de Pierre Soulages constitue pourtant un pan essentiel de son parcours artistique. Dès 1946\, il explore cette voie avec des peintures au brou de noix aux traces larges et affirmées\, qui marquent d’emblée sa singularité au sein des démarches abstraites de l’époque. \nGrâce à des prêts exceptionnels du musée Soulages\, l’exposition rassemble 130 œuvres réalisées entre les années 1940 et le début des années 2000\, dont 25 inédites. Vous y découvrez un ensemble de peintures sur papier\, longtemps conservées dans l’atelier de l’artiste\, qui témoignent de la constance et de la liberté avec lesquelles Soulages aborde ce support. \nPrivilégiant le brou de noix dans les premières années\, Pierre Soulages reviendra souvent à cette matière prisée des ébénistes\, pour ses qualités de transparence\, d’opacité et de luminosité\, en contraste avec le blanc du papier. Il emploiera aussi l’encre et la gouache pour des œuvres dont les formats restreints ne cèdent en rien à la puissance formelle et à la diversité. \nEn mettant en lumière cet ensemble de peintures sur papier\, l’exposition vous invite à redécouvrir Pierre Soulages dans une pratique à la fois intime et déterminante\, au cœur de son langage plastique.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Jean-Baptiste Greuze - L'enfance en lumière
DESCRIPTION:Artiste aujourd’hui méconnu et mécompris\, Greuze fut pourtant en son temps acclamé par le public\, adulé par la critique et recherché des plus grands collectionneurs. Il est assurément l’une des figures les plus importantes et les plus audacieuses du XVIIIe siècle français.\n\n\n  \nÀ l’occasion du 300e anniversaire de sa naissance\, le Petit Palais rend hommage à ce peintre de portraits et de scènes de genre qui sut traduire plus que tout autre l’âme humaine. Cette exposition propose de redécouvrir l’œuvre de Greuze au prisme d’un thème central dans sa peinture : l’enfance. En écho aux préoccupations des philosophes Diderot\, Rousseau ou Condorcet\, l’artiste invite à méditer la place de l’enfant au sein de la famille\, la responsabilité des parents dans son développement et l’importance de l’éducation pour la construction de sa personnalité. Avec empathie\, l’artiste questionne la place de l’enfant au sein de la société du XVIIIe siècle\, son devenir\, son émancipation. Il se fait le miroir des grands enjeux de son époque. Il interroge aussi le basculement dans l’âge adulte et la naissance du sentiment amoureux. Avec les codes de son temps\, il aborde le thème du consentement\, d’une saisissante actualité aujourd’hui. Cette exposition\, qui réunit une centaine de peintures\, dessins et estampes provenant du monde entier\, offre l’opportunité de redécouvrir l’œuvre singulière de cet artiste majeur du siècle des Lumières. \n\nCommissariat scientifique \nAnnick Lemoine\, conservatrice générale du patrimoine\, directrice du Petit Palais\nYuriko Jackall\, directrice du département de l’art Européen & Conservatrice “Allan et Elizabeth Shelden” en charge des peintures européennes\, Detroit Institute of Arts\nMickaël Szanto\, maître de conférences\, Sorbonne Université
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Un soir avec les Impressionnistes - Paris 1874
DESCRIPTION:Paris\, 15 avril 1874\, huit heures du soir. \nEn rupture avec les conventions artistiques de leur époque\, Claude Monet\, Auguste Renoir ou encore Edgar Degas s’apprêtent à exposer pour la première fois en dehors du Salon officiel. Un événement qui marquera le coup d’envoi d’un nouveau mouvement : l’impressionnisme.\nCette expédition immersive vous propose de revivre cet instant mémorable en présence des peintres eux-mêmes\, de découvrir les liens d’amitié ou d’inanité qui les unissaient\, et de voyager dans le temps dans le Paris des années 1870. \nCe voyage vous emmènera au-delà de l’exposition vers des lieux emblématiques des débuts du mouvement impressionniste. \nVous vous retrouverez notamment sur l’île de la Grenouillère\, en compagnie de Monet et Renoir peignant ensemble\, au Havre\, où Monet a réalisé son célèbre tableau « Impression\, soleil levant ». Vivre la quête artistique de ces peintres comme si vous étiez à leurs côtés : telle est la promesse de ce voyage empreint d’émotion et d’émerveillement visuel
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LOCATION:Eclipso Paris\, 45 Rue des Pirogues de Bercy\,\, Paris 12\, 75012
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SUMMARY:Georges de La Tour - Entre ombre et lumière
DESCRIPTION:Du 11 septembre 2025 au 25 janvier 2026\, le Musée Jacquemart-André consacre une exposition inédite à Georges de La Tour (1593-1652)\, offrant un regard renouvelé sur l’oeuvre rare et lumineuse de l’un des plus grands peintres français du XVIIe siècle. Après le succès de ses expositions consacrées à Caravage (2018) et Artemisia Gentileschi (2025)\, le Musée Jacquemart-André poursuit son exploration des maîtres influencés par la révolution du caravagisme en mettant à l’honneur Georges de La Tour (1593-1652). \nCette rétrospective sera la première consacrée à l’artiste en France depuis l’exposition historique du Grand Palais en 1997. \nL’exposition du Musée Jacquemart-André proposera une relecture de la carrière de Georges de La Tour en tentant d’éclairer les interrogations qui entourent encore son oeuvre et son parcours. Malgré la rareté des originaux parvenus jusqu’à nous\, l’art de Georges de La Tour a laissé une empreinte profonde dans l’histoire de l’art. Par son naturalisme subtil\, l’épure formelle de ses compositions et leur intensité spirituelle\, il a su créer un langage pictural d’une grande puissance émotionnelle\, capable de traverser les siècles. Cette exposition offrira ainsi l’occasion de redécouvrir l’un des artistes les plus fascinants du Grand Siècle\, dans toute la richesse et la complexité de son oeuvre. \nNé à Vic-sur-Seille\, dans le duché indépendant de Lorraine\, Georges de La Tour mena une brillante carrière\, travaillant pour de prestigieux mécènes et collectionneurs\, comme les ducs de Lorraine\, le cardinal Richelieu et en tant que peintre ordinaire du roi Louis XIII. Dans le contexte violent de la guerre de Trente Ans\, sa maison et son atelier à Lunéville furent détruits en 1638\, et Georges de La Tour choisit de se rapprocher de Paris et du pouvoir : il offrit notamment au roi Louis XIII un tableau nocturne représentant Saint Sébastien (aujourd’hui perdu)\, que le souverain aurait tant apprécié qu’il fit retirer tous les autres tableaux de sa chambre pour ne conserver que celui-ci. \nMalgré la gloire et le succès connus de son vivant\, Georges de La Tour tomba dans l’oubli après son décès en 1652. Il faut attendre les années 1910 et l’entre-deux-guerres pour que son oeuvre soit redécouverte par les historiens de l’art\, lui permettant près de trois siècles après sa mort de retrouver la place qui lui revient parmi les plus grands peintres français du XVIIe siècle.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Boulevard Haussmann\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Niki de Saint Phalle\, Jean Tinguely\, Pontus Hultén
DESCRIPTION:Couple mythique\, Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) et Jean Tinguely (1925 – 1991) sont unis par un lien artistique indéfectible et une vision commune de la création comme acte de rébellion contre les normes établies. \n\n\nPlongez dans l’univers bouillonnant de Niki de Saint Phalle et Jean Tinguely à travers le regard visionnaire de Pontus Hulten. Entre passion et création sans limites\, cette exposition révèle l’incroyable alchimie qui unit ces artistes et leur complice\, bâtissant un art libre\, participatif et révolutionnaire. \n\n\n\nL’ouverture de l’exposition est décalée au 26 juin en raison d’une maintenance de nos galeries d’expositions. \nCouple mythique\, Niki de Saint Phalle (1930 – 2002) et Jean Tinguely (1925 – 1991) sont unis par un lien artistique indéfectible et une vision commune de la création comme acte de rébellion contre les normes établies. \nL’exposition retrace l’itinéraire prolifique de ces deux artistes à travers la figure de Pontus Hulten (1924 – 2006)\, premier directeur du Musée national d’art moderne au Centre Pompidou\, qui partage leur conception d’un art disruptif\, pluridisciplinaire et participatif. Tout au long de sa carrière\, il fournit un soutien inconditionnel à Saint Phalle et Tinguely : acquisitions d’œuvres\, rétrospectives dédiées\, cartes blanches et appui à des projets hors normes tels que la gigantesque Nana de l’exposition Hon – en Katedral (1966) au Moderna Museet de Stockholm\, ou l’exposition Le Crocrodrome de Zig & Puce (1977) dans le Forum du Centre Pompidou. \nNée des riches collections du Centre Pompidou et de prêts majeurs d’institutions françaises et étrangères\, « Niki de Saint Phalle\, Jean Tinguely\, Pontus Hulten » invite à découvrir ou à redécouvrir les œuvres emblématiques de ces deux artistes majeurs\, portés par un homme de musée d’exception\, au fil d’un parcours historique et ludique où s’entrelacent art\, amour\, amitié et engagement. \nLes visiteurs de 18 à 25 ans peuvent bénéficier d’une entrée gratuite grâce à l’opération « Places aux Jeunes !  »\, en partenariat avec la Caisse d’Épargne Île-de-France.
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LOCATION:Grand Palais – Galeries Nationales\, 17 avenue du Général Eisenhower\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Zoo Art Show Paris
DESCRIPTION:Entrez dans la jungle urbaine ! \nSur près de 4 000 mètres carrés\, ce musée éphémère vous plonge dans l’univers du street art\, où quelque 500 artistes ont transformé un immeuble de bureaux du quartier d’affaires. \n\n\n\nUne immersion inédite dans la culture urbaine. Après avoir conquis Lyon depuis 2018 avec plus de 200 000 visiteurs à travers plusieurs cycles d’expositions\, le Zoo Art Show débarque dans le plus grand quartier d’affaires d’Europe avec son musée XXL dédié à l’art de rue. \n\n\nEn attendant une importante rénovation à venir\, l’immeuble Maison de La Défense délaisse peu à peu ses bureaux pour se consacrer au street art en accueillant le Zoo Art Show. Bordant la place de La Défense\, ce bâtiment du début des années 80\, situé face au Westfield Les 4 Temps\, se trouve à quelques mètres à peine de la sortie de la gare. Difficile de le manquer ! \n« Après Lyon\, nous avions très envie de venir à Paris. Nous avons visité une douzaine d’immeubles en Île-de-France. La Défense nous a séduits car c’est un haut lieu historique du graffiti. Et le bâtiment est idéalement situé »\, confie Antoine Roblot\, fondateur de Zoo Art Show.
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LOCATION:Maison de La Défense\, 4 place de la Défense\, Puteaux\, 92800
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:The World of Banksy
DESCRIPTION:Une expérience immersive dans le monde du street-art : un voyage dans l’univers des oeuvres de l’artiste.\n\n\nAmbiances urbaines et découvertes d’oeuvres murales sans frontières. Graffeurs\, amoureux des pochoirs\, passionnés d’art urbain et curieux en tous genres. \nBonus : visitez The Walled off hotel\nThe Walled Off Hotel Paris vous invite à plonger dans le monde du Street Art et à découvrir une des réalisations les plus surprenantes de Banksy. Véritable prolongation et complément à l’exposition voisine The World of Banksy\, cette reproduction du Walled Off Hotel de Bethléem en plein Paris vous fera voyager\, elle vous étonnera par les œuvres qu’elle rassemble et vous surprendra par son originalité et sa décoration.
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LOCATION:Musée Banksy\, 44 Rue du Faubourg Montmartre\,\, Paris\, Paris\, 75009\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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