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SUMMARY:Le Monde selon l'IA
DESCRIPTION:L’exposition Le monde selon l’IA présente une sélection d’oeuvres créées entre 2016 et aujourd’hui\, dont plusieurs inédites\, qui posent la question de l’expérience du monde « selon l’IA » ou « au prisme de l’IA ». \n  \nPensé spécialement pour les salles du Jeu de Paume\, le parcours reflète la distinction fondamentale entre « IA analytique » (dont font partie les systèmes de vision artificielle et de reconnaissance faciale) et « IA générative ». Des « capsules temporelles »\, conçues comme des cabinets de curiosités\, relient le présent au passé\, inscrivant les transformations en cours dans une perspective historique. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nIntroduite pour la première fois en 1955\, l’expression « intelligence artificielle » (IA) désigne de nos jours des algorithmes et des modèles capables d’effectuer automatiquement des opérations — détection\, reconnaissance\, classification\, prédiction\, analyse et génération de données — aux innombrables applications. Depuis la fin des années 2000\, ces algorithmes et ces modèles s’infiltrent dans toutes les strates de la culture et de la société\, de l’économie et de la politique\, de la science et des opérations militaires. Partout\, leur usage soulève de multiples questions éthiques\, épistémologiques\, politiques et géopolitiques\, d’autant qu’il nécessite de colossales ressources matérielles et environnementales. \nDans ce contexte\, les images jouent un rôle crucial : l’impact de l’IA sur les pratiques artistiques contemporaines et sur la culture visuelle en général compte parmi les phénomènes les plus visibles dans un environnement pourtant hautement dominé par des opérations discrètes\, des processus invisibles\, des boîtes noires. Les technologies d’IA transforment en profondeur la manière dont les images sont prises\, créées\, modifiées\, diffusées\, décrites et vues. \nDepuis les années 2010\, de nombreux artistes interrogent l’influence croissante de l’IA dans nos sociétés et explorent ces bouleversements au moyen de différents médiums. \n\n\n\n\n\n\nLES ARTISTES\n\n\n\nNora Al-Badri — Nouf Aljowaysir — Jean-Pierre Balpe — Patsy Baudoin et Nick Montfort — Samuel Bianchini — Erik Bullot — Victor Burgin — Julian Charrière — Grégory Chatonsky — Kate Crawford et Vladan Joler — Linda Dounia Rebeiz — Justine Emard — Estampa — Harun Farocki — Joan Fontcuberta — Dora Garcia — Jeff Guess — Adam Harvey — Holly Herndon et Mat Dryhurst — Hervé Huitric et Monique Nahas — David Jhave Johnston — Andrea Khôra — Egor Kraft — Agnieszka Kurant — George Legrady — Christian Marclay — John Menick — Meta Office — Trevor Paglen — Jacques Perconte — Julien Prévieux — Inès Sieulle — Hito Steyerl — Sasha Stiles — Theopisti Stylianou-Lambert et Alexia Achilleos — aurece vettier — Clemens von Wedemeyer — Gwenola Wagon
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SUMMARY:David Hockney\, 25
DESCRIPTION:“Do remember they can’t cancel the Spring”\nAu printemps 2025\, du 9 avril au 31 août\, la Fondation invite David Hockney\, l’un des artistes les plus influents des XXᵉ et XXIᵉ siècles\, à investir l’ensemble de ses espaces d’exposition. Cette présentation exceptionnelle de plus de 400 œuvres de 1955 à 2025 rassemble\, outre un fonds majeur provenant de l’atelier de l’artiste et de sa fondation\, des prêts de collections internationales\, institutionnelles ou privées. \nL’exposition réunira des créations réalisées avec les techniques les plus variées – des peintures à l’huile ou à l’acrylique\, des dessins à l’encre\, au crayon et au fusain\, mais aussi des œuvres numériques (dessins photographiques\, à l’ordinateur\, sur iPhone et sur iPad) et des installations vidéo. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nDavid Hockney s’est totalement impliqué dans la réalisation de cette exposition. Il a lui-même choisi\, en collaboration avec son compagnon et studio manager\, Jean-Pierre Gonçalves de Lima\, de centrer l’exposition sur les vingt-cinq dernières années de son œuvre sans omettre les œuvres « mythiques » de ses débuts\, proposant ainsi une immersion dans son univers\, couvrant sept décennies de création. Il a voulu suivre personnellement la conception de chaque séquence et de chaque salle\, dans un dialogue continu avec son assistant Jonathan Wilkinson. \n« Cette exposition est particulièrement importante pour moi\, car c’est la plus grande que j’aie jamais eue – les onze galeries de la Fondation Louis Vuitton ! Quelques-unes de mes toutes dernières peintures\, auxquelles je suis en train de travailler\, y seront présentées. Ça va être bien\, je crois. » \nDavid Hockney \n\n\n\n\n\n\nL’exposition « David Hockney 25 » montre combien ces dernières années témoignent du renouvellement permanent de ses sujets et de ses modes d’expression. La capacité de l’artiste à toujours se réinventer à travers des nouveaux media est en effet exceptionnelle. D’abord dessinateur\, passé maître dans toutes les techniques académiques\, il est aujourd’hui un des champions des nouvelles technologies. \nEn préambule\, seront réunies au rez-de-bassin des œuvres emblématiques des années 1950 aux années 1970 – depuis ses débuts à Bradford (Portrait of My Father\, 1955)\, puis à Londres\, jusqu’en Californie. La piscine\, thème emblématique\, apparaît avec A Bigger Splash\, 1967 et Portrait of An Artist (Pool with Two Figures)\, 1972. Sa série de doubles portraits est représentée par deux peintures majeures : Mr. and Mrs. Clark and Percy\, 1970-1971 et Christopher Isherwood and Don Bachardy\, 1968. \nPuis la nature prend une place toujours plus importante dans le travail de David Hockney à partir de la décennie 1980-1990 – comme en témoigne A Bigger Grand Canyon\, 1998 – avant que l’artiste ne regagne l’Europe pour y poursuivre l’exploration de paysages familiers. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nEnsuite le cœur de l’exposition renvoie aux 25 dernières années\, passées principalement dans le Yorkshire où il redécouvre les paysages de l’enfance\, ainsi qu’en Normandie et à Londres. On y assiste à une célébration du Yorkshire\, l’artiste faisant d’un buisson d’aubépine une explosion spectaculaire du printemps (May Blossom on the Roman Road\, 2009). L’observation du rythme des saisons le mène au paysage hivernal monumental peint sur le motif\, exceptionnellement prêté par la Tate de Londres\, Bigger Trees near Warter or/ou Peinture sur le Motif pour le Nouvel Âge Post-Photographique\, 2007.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8 avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Eugène Boudin\, le père de l’impressionnisme : une collection particulière
DESCRIPTION:Le musée Marmottan Monet présente du 9 avril au 31 août 2025 l’exposition « Eugène Boudin\, le père de l’impressionnisme : une collection particulière ». \nCet événement\, sous le commissariat de l’historien de l’art Laurent Manœuvre\, réunit 80 œuvres provenant de la prestigieuse collection de Yann Guyonvarc’h\, 10 toiles de l’institution parisienne ainsi que plusieurs prêts du musée des Beaux-Arts d’Agen et du musée d’art moderne André Malraux du Havre.\nSon parcours en 8 sections permet de découvrir l’évolution de la carrière de Boudin (1824-1898)\, depuis ses premiers paysages normands jusqu’aux ultimes marines du Midi ou de Venise\, et de le suivre en Bretagne\, à Bordeaux\, dans le Nord\, en Belgique ou aux Pays-Bas\, au travers d’esquisses comme de peintures ambitieuses destinées au Salon.\nLes œuvres de la collection Guyonvarc’h sont mises en correspondance avec le fonds du musée Marmottan Monet\, afin de mettre en lumière le dialogue entre Boudin et celui qui fut son principal élève et ami Claude Monet. Grâce à la participation des archives Durand-Ruel\, les relations des deux artistes avec celui qui fut leur principal marchand sont également évoquées.\nConnu pour ses marines et ses scènes de plage\, Eugène Boudin fut l’un des premiers artistes français à poser son chevalet hors de l’atelier pour réaliser des paysages. Dans ses nombreux tableaux\, il s’est tout particulièrement attaché au rendu des éléments et des effets atmosphériques. Il a ainsi été l’un des initiateurs d’une vision renouvelée de la nature\, précédant dans cette démarche les impressionnistes et Claude Monet\, qui écrivait à la fin de sa vie : « Je dois tout à Boudin ».
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LOCATION:Musée Marmottan-Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Gabriele Münter : Peindre sans détours
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris présente la première rétrospective en France consacrée à l’artiste allemande Gabriele Münter (1877-1962). Co-fondatrice du cercle munichois du Cavalier Bleu (Blaue Reiter)\, Gabriele Münter compte parmi les femmes artistes les plus éminentes de l’expressionnisme allemand. Dans un monde artistique dominé par les hommes\, elle a su créer une œuvre extrêmement personnelle et diverse qui s’étend sur six décennies. \n\n\nSi son nom reste souvent associé à celui de Kandinsky qui fut son compagnon durant ses années munichoises (1903-1914)\, Gabriele Münter n’a jamais cessé de se renouveler\, avec une étonnante modernité\, maitrisant un grand nombre de techniques et laissant une œuvre foisonnante. \nÀ la suite des rétrospectives très remarquées consacrées à Sonia Delaunay en 2014-2015\, Paula Modersohn-Becker en 2016 et Anna-Eva Bergman en 2023\, le MAM poursuit ainsi sa politique de présentation de figures féminines majeures de l’Art moderne dont les parcours artistiques sont étroitement liés à la capitale. Le musée invite à découvrir cette pionnière de l’Art moderne\, qui débuta sa carrière à Paris\, où elle exposa pour la première fois en 1907 au Salon des Indépendants. \nÀ travers une sélection d’environ 170 œuvres de différentes techniques (peinture\, gravure\, photographie\, broderie\, etc)\, cette exposition inédite en France a pour ambition de proposer un parcours chronologique détaillé de l’œuvre de Gabriele Münter\, représentant plus de 60 années de son œuvre et de son importance pour l’histoire de l’Art du XXème siècle.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Matisse et Marguerite
DESCRIPTION:Rassemblant plus de 110 œuvres (peintures\, dessins\, gravures\, sculptures\, céramique)\, l’exposition propose de montrer le regard d’artiste et de père que Matisse porte sur sa fille ainée\, Marguerite Duthuit-Matisse (1894-1982)\, figure essentielle mais discrète de son cercle familial. Organisée de manière chronologique\, l’exposition témoigne de la force du lien qui unissait l’artiste et sa fille et permet d’appréhender la confiance et le respect qu’ils se vouaient mutuellement. Elle est aussi l’occasion de découvrir le destin d’une femme hors du commun\, qui joua un rôle de premier plan dans la carrière de son père.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Dans le Flou\, une autre vision de l’art de 1945 à nos jours
DESCRIPTION:Les Nymphéas ont longtemps été regardés par les artistes ou étudiés par les historiens comme le parangon d’une peinture abstraite\, all over\, sensible\, annonciatrice des grandes installations immersives à venir. En revanche\, le flou qui règne sur les vastes étendues aquatiques des grandes toiles de Monet est resté un impensé. Ce flou n’avait pas échappé à ses contemporains\, mais ils y voyaient l’effet d’une vision altérée par une maladie oculaire. Il nous semble aujourd’hui pertinent et plus fécond d’explorer cette dimension de l’oeuvre tardif de Monet comme un véritable choix esthétique dont la postérité doit être mise au jour. \nCette exposition fait délibérément du flou une clé qui ouvre une autre lecture d’un pan entier de la création plastique moderne et contemporaine. D’abord défini comme perte par rapport au net\, le flou se révèle le moyen privilégié d’expression d’un monde où l’instabilité règne et où la visibilité s’est brouillée. C’est sur les ruines de l’après-seconde guerre mondiale que cette esthétique du flou s’enracine et déploie sa dimension proprement politique. Le principe cartésien du discernement\, qui prévalait depuis si longtemps en art\, apparaît alors profondément inopérant. Devant l’érosion des certitudes du visible\, et face au champ de possibles qui leur est ainsi ouvert\, les artistes proposent de nouvelles approches et font leur matière du transitoire\, du désordre\, du mouvement\, de l’inachevé\, du doute… Prenant acte d’un bouleversement profond de l’ordre du monde\, ils font le choix de l’indéterminé\, de l’indistinct et de l’allusion. Leur mise à distance de la netteté naturaliste va de pair avec une recherche de la polysémie qui se traduit par une perméabilité des médiums et une place accrue accordée à l’interprétation du regardeur. Instrument de sublimation tout autant que manifestation d’une vérité latente\, le flou se fait à la fois symptôme et remède d’un monde en quête de sens. \nInsaisissable par essence\, l’esthétique du flou se dessine dans l’écart ; non par opposition frontale à l’objectivité clinique d’un monde sous haute surveillance\, mais plutôt comme un jeu d’équilibriste dans les interstices du réel ; un écart qui ne réside pas dans le rejet ou le déni de la trivialité du monde mais en explore de nouvelles modalités. Aux frontières du visible\, le flou\, en même temps qu’il trahit une instabilité\, crée les conditions d’un ré-enchantement. \nLe parcours de l’exposition suivra un fil thématique et non chronologique. Une salle introductive sera consacrée aux racines esthétiques du flou au XIXe et au tournant du XXe siècle\, faisant suite aux bouleversements intellectuels\, scientifiques\, sociétaux et artistiques avec lesquels l’impressionnisme a grandi. L’exposition sera ensuite organisée en trois grandes sections\, mêlant et faisant dialoguer oeuvres picturales\, vidéos\, photographies et installations : « aux frontières du visible »\, « l’érosion des certitudes »\, et « éloge de l’indistinct ». Un épilogue\, « réenchanter le monde »\, ouvrira le propos\, notamment autour de l’affirmation tremblée de l’artiste Mircea Cantor\, « unpredicteble future ».
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, place de la Concorde Jardin des Tuileries\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Christian Krohg (1852-1925) : Le peuple du nord
DESCRIPTION:Poursuivant son exploration de la peinture scandinave\, le musée d’Orsay présente au printemps 2025 une rétrospective consacrée au peintre norvégien Christian Krohg\, très populaire dans les pays nordiques et presque inconnu en France.\n\n\n\n\n\n\nÀ travers un panorama approfondi de son parcours artistique\, l’exposition met en valeur ses liens avec les luttes politiques et sociales de son temps. Elle révèle un peintre humaniste\, cherchant à éveiller la conscience du spectateur à certaines questions morales et sociales – pauvreté\, famine\, hygiène publique ou encore condition féminine. L’exposition explore également la relation de Krohg à l’art de son temps\, en particulier lors de ses séjours à Paris\, et sa recherche d’immédiateté qui situe son œuvre à la croisée des modernités\, entre naturalisme et impressionnisme.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Maximilien Luce\, l’instinct du paysage
DESCRIPTION:Pionnier du néo-impressionnisme\, pilier des milieux anarchistes et libertaires\, Maximilien Luce (1858-1941) a marqué son époque par un engagement artistique et politique profond. Peintre des paysages urbains et ruraux et de la condition humaine\, il a su capturer les transformations sociales et industrielles de son temps avec une sensibilité unique. \nPremière rétrospective parisienne depuis 1983 dédiée à ce peintre majeur du néo-impressionnisme\, l’exposition se tient à quelques pas des lieux où Luce a résidé de 1887 à 1900\, rue Cortot. Ancré dans l’histoire montmartroise et dans les contradictions de son époque\, le travail du peintre est mis en lumière dans cette exposition qui vise à réaffirmer son importance et fait découvrir son oeuvre souvent méconnu au grand public. \nOutre le caractère humaniste qui fait battre le coeur de l’homme et singularise l’oeuvre toute entier\, le paysage est l’autre dominante qui anime sa peinture au long de sa vie. Luce saisit la lumière et la couleur\, dévoilant la beauté des paysages urbains et ruraux avec une sensibilité sociale persistante. \nPour l’exposition « Maximilien Luce\, l’instinct du paysage » le musée de Montmartre choisit d’arborer son oeuvre sous le prisme du paysage et emmène le visiteur dans un parcours rétrospectif entre les deux pôles essentiels de sa vie\, Paris et Rolleboise. Il est invité à suivre les pérégrinations de l’artiste au départ de Montmartre\, dont il fut l’habitant de 1887 à 1900\, dans l’effervescence des rues parisiennes et au fil de ses voyages de Saint-Tropez au Pays-Noir de Charleroi en passant par les Pays-Bas\, la Normandie ou encore Londres. \n\n\n\n\n\nMaximilien Luce appartient à cette génération charnière qui connût à la fois les fastes de la Belle époque et les troubles sociaux\, et qui bénéficia de nombreux progrès techniques et en souffrit tout autant à l’heure de la Première Guerre mondiale. Profondément marqué par la Commune de Paris dont il fut un jeune témoin l’année de ses 13 ans\, Luce connu trois guerres et de multiple batailles sociales (contre les bagnes d’enfants et la colonisation\, en faveur des grèves ouvrières\, dreyfusard\, etc.). \nCette riche période historique que Luce traversa correspond surtout à un fantastique bouillonnement artistique. La comète Luce rejoint la constellation néo-impressionniste formée par Georges Seurat\, Paul Signac\, Camille Pissarro et Henri-Edmond Cross dès sa première exposition\, à la Société des Artistes Indépendants en 1887. Il prend dès lors part à l’aventure postimpressionniste et contribue à la défense de la liberté artistique d’abord comme membre\, puis en tant que vice-président et président de cette société. \nEn 65 années de travail\, Maximilien Luce laisse un corpus de près de 4 000 peintures et autant de dessins et estampes compilant certains évènements phares de son époque (les grandes inondations\, la mobilisation\, les travaux urbains\, les cirques\, etc.). \nTout au long de sa carrière\, les scènes idéalisées de baignades cohabitent avec les chantiers parisiens\, et avec les profils presque menaçants des usines belges dans l’ère de l’industrialisation. La ville\, les fabriques et la nature s’offrent ainsi comme un terrain d’expérimentations fertiles. Lumières variables\, perspectives dynamiques et couleurs vives transfigurent le paysage. Les scènes crépusculaires et les effets climatiques créés par Luce contribuent à la métamorphose visuelle des centres urbains et à la représentation des foules qui les habitent. \nLes œuvres rassemblés auprès d’institutions françaises et étrangères (musée d’Orsay\, musée de l’Hôtel-Dieu de Mantes-la-Jolie\, musée Lambinet à Versailles\, musée des Beaux-Arts de Charleroi\, musée d’Ixelles\, Association des Amis du Petit Palais de Genève\, etc.)\, de galeries et de collections privées révèlent le talent de paysagiste de Luce qui fut un grand admirateur de ses aînés Nicolas Poussin et Jean-Baptiste Camille Corot et dont l’amour de la nature culmine dans les campagnes de Rolleboise avant sa mort en 1941. \nLe musée de Montmartre présente\, à travers cette exposition\, une immersion dans la vie et l’œuvre de Maximilien Luce. Cette rétrospective vise à réhabiliter la reconnaissance de ce peintre néo-impressionniste. Son lien avec Montmartre\, où il résida notamment rue Cortot\, demeure indissociable de son parcours artistique. Le musée de Montmartre\, qu’il a si souvent représenté dans ces paysages\, est heureux de lui rendre hommage aujourd’hui\, 125 ans après son départ de ce lieu emblématique. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCommissariat : \nJeanne Paquet\, responsable du musée de l’Hôtel-Dieu de Mantes-la-Jolie \nAlice S. Legé\, docteure en histoire de l’art\, responsable de la conservation du musée de Montmartre
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LOCATION:Musée de Montmartre\, 12\, Rue Cortot\, Paris\, Paris\, 75018\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Tous Léger !
DESCRIPTION:Grâce à un partenariat inédit entre deux collections majeures du territoire de la Côte d’Azur\, les œuvres de Niki de Saint Phalle\, Arman\, Yves Klein\, Raymond Hains\, Martial Raysse ou encore César viennent à la rencontre des innovations plastiques de Fernand Léger\, l’un des pionniers de l’avant-garde au XXe siècle. \nAux côtés de ces principaux représentants du Nouveau Réalisme\, des œuvres d’artistes tels Roy Lichtenstein ou plus tard Keith Haring\, illustrent les échanges artistiques qui ont très tôt existé entre la création européenne et la scène américaine. \nLe parcours de l’exposition\, composé de près de 100 œuvres\, aborde\, sur un mode ludique et créatif\, différents axes thématiques : le détournement de l’objet\, la représentation du corps et des loisirs\, ou encore la place de l’art dans l’espace public. \nPar des gestes artistiques puissants\, les artistes hissent au rang d’œuvres d’art des éléments saisis dans leur réalité la plus banale. Ils font fusionner l’art et la vie et révèlent au spectateur la beauté poétique de notre quotidien.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 Rue de Vaugirard\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Artemisia - Héroïne de l'art
DESCRIPTION:Le Musée Jacquemart-André met à l’honneur en 2025 l’artiste romaine Artemisia Gentileschi (1593 – vers 1656). Personnalité au destin hors norme\, cette protagoniste de la peinture caravagesque est l’une des rares artistes femmes de l’époque moderne ayant connu de son vivant une gloire internationale et qui put vivre de sa peinture. À travers une quarantaine de tableaux\, réunissant aussi bien des chefs-d’œuvre reconnus de l’artiste\, des toiles d’attribution récente\, ou des peintures rarement montrées en dehors de leur lieu de conservation habituel\, cette exposition met en valeur le rôle d’Artemisia Gentileschi dans l’histoire de l’art du XVIIe siècle. \nL’exposition tend notamment à démontrer la profonde originalité de son oeuvre\, de son parcours et de son identité\, qui demeurent encore aujourd’hui une source d’inspiration et de fascination. L’histoire d’Artemisia traverse les siècles\, et la lecture que l’on peut faire de son oeuvre – reflet de son vécu et de sa résilience – s’avère intemporelle et universelle.
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LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Boulevard Haussmann\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:L’expérience de la nature : Les arts à Prague à la cour de Rodolphe II
DESCRIPTION:Le Louvre explore l’univers raffiné de l’empereur (1552-1612) où curiosité scientifique et art précieux forment une collection fascinante.
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LOCATION:Musée du Louvre\, rue de Rivoli\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Paris noir
DESCRIPTION:De la création de la revue Présence africaine à celle de Revue noire\, l’exposition retrace la présence et l’influence des artistes noirs en France entre les années 1940 et 2000. Le parcours de l’exposition retrace un demi-siècle de luttes pour l’émancipation\, des indépendances africaines à la chute de l’apartheid\, en passant par les combats contre le racisme en France. \n\n« Paris noir » est une plongée vibrante dans un Paris cosmopolite\, lieu de résistance et de création\, qui a donné naissance à une grande variété de pratiques\, allant de la prise de conscience identitaire à la recherche de langages plastiques transculturels. Des abstractions internationales aux abstractions afro-atlantiques\, en passant par le surréalisme et la figuration libre\, cette traversée historique dévoile l’importance des artistes afro-descendants dans la redéfinition des modernités et postmodernités. \nQuatre installations produites spécifiquement pour l’exposition par Valérie John\, Nathalie Leroy Fiévee\, Jay Ramier et Shuck One\, rythment le parcours en portant des regards contemporains sur cette mémoire. Au centre de l’exposition\, une matrice circulaire reprend le motif de l’Atlantique noir\, océan devenu disque\, métonymie de la Caraïbe et du « Tout-Monde »\, selon la formule du poète martiniquais\, Édouard Glissant comme métaphore de l’espace parisien. Attentive aux circulations\, aux réseaux comme aux liens d’amitié\, l’exposition prend la forme d’une cartographie vivante et souvent inédite de Paris.
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, Paris\, 75004\, France
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SUMMARY:L'art est dans la rue
DESCRIPTION:À travers un ensemble exceptionnel de près de 300 œuvres\, « L’art est dans la rue » interroge l’essor spectaculaire de l’affiche illustrée à Paris\, dans la seconde moitié du xixe siècle. Co-organisée en partenariat avec la Bibliothèque nationale de France\, l’exposition constitue une première à cette échelle. En effet\, à Paris\, aucune manifestation d’envergure n’a encore été consacrée à ce phénomène de société et réuni autant de réalisations marquantes des « Maîtres de l’affiche ». Bonnard\, Chéret\, Grasset\, Mucha\, Steinlen\, Toulouse-Lautrec… Conçu comme une plongée saisissante dans l’univers visuel de la ville du XIXe siècle\, le parcours retrace l’âge d’or de l’affiche artistique en analysant les mutations sociales et culturelles qui ont favorisé son développement\, dialoguant avec un ensemble unique d’affiches\, peintures\, photographies\, costumes\, sculptures et objets d’art décoratif qui évoquent l’univers effervescent de la rue au tournant du siècle.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Corps et âmes
DESCRIPTION:À l’appui d’une centaine d’œuvres de la Collection Pinault\, la Bourse de Commerce présente l’exposition « Corps et âmes »\, offrant une exploration de la représentation du corps dans l’art contemporain. D’Auguste Rodin à Duane Hanson\, de Georg Baselitz à Ana Mendieta\, de David Hammons à Marlene Dumas\, d’Arthur Jafa à Ali Cherri\, une quarantaine d’artistes explore\, à travers la peinture\, la sculpture\, la photographie\, la vidéo et le dessin\, les liens entre le corps et l’esprit. \n« Dans les courbes matricielles de la Bourse de Commerce\, en un écho à la ronde des corps habitant le vaste panorama peint ceinturant le dôme de verre du bâtiment\, l’exposition “Corps et âmes“ sonde\, à travers les œuvres d’une quarantaine d’artistes de la Collection Pinault\, la prégnance du corps dans la pensée contemporaine. Libéré de tout carcan mimétique\, le corps qu’il soit photographié\, dessiné\, sculpté\, filmé ou peint ne cesse de se réinventer\, conférant à l’art une organicité essentielle lui permettant\, tel un cordon ombilical\, de prendre le pouls du corps et de l’âme humaine. \nL’art se saisit des énergies\, des flux vitaux de la pensée et de la vie intérieure\, pour inviter à une expérience engagée et humaniste de l’altérité. Les formes se métamorphosent\, renouent avec la figuration ou s’en affranchissent pour se saisir\, retenir et laisser affleurer l’âme et la conscience. Il s’agit non plus d’incarner des formes mais de capturer des forces et de rendre visible ce qui est enfoui\, invisible\, d’éclairer les ombres. Dans la Rotonde\, l’œuvre d’Arthur Jafa Love is the Message\, the Message is Death transforme l’espace en une caisse de résonance de la musique et de l’engagement des icônes africaines-américaines\, Martin Luther King Jr\, Jimi Hendrix\, Barack Obama\, Beyoncé\, leur conférant une portée universelle. \nEn résonance avec l’exposition\, une riche programmation musicale fait de “Corps et âmes“ un événement polyphonique. » Emma Lavigne\, directrice générale de la Collection\, conservatrice générale. \nAvec : Georges Adéagbo / Terry Adkins / Gideon Appah / Diane & Allan Arbus / Michael Armitage / Richard Avedon / Georg Baselitz / Cecilia Bengolea / Constantin Brancusi / Miriam Cahn / Claude Cahun / Ali Cherri / Peter Doig / Marlene Dumas / Robert Frank / Latoya Ruby Frazier / Philip Guston / Anna Halprin & Seth Hill / David Hammons / Duane Hanson / Kudzanai‑Violet Hwami / Anne Imhof / Arthur Jafa / William Kentridge / Deana Lawson / Sherrie Levine / Kerry James Marshall / Ana Mendieta / Zanele Muholi / Senga Nengudi / Antonio Obá / Irving Penn / Man Ray / Robin Rhode / Auguste Rodin / Niki De Saint Phalle / Mira Schor / Lorna Simpson / Wolfgang Tillmans / Kara Walker / Lynette Yiadom-Boakye \nCommissariat général : Emma Lavigne\, directrice générale de la Collection\, conservatrice générale
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LOCATION:Bourse de Commerce – Collection Pinault\, 2 Rue de Viarmes\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:« L’art « dégénéré » : Le procès de l’art moderne sous le nazisme »
DESCRIPTION:Le Musée national Picasso-Paris présente du 18 février au 25 mai 2025\, sa nouvelle exposition temporaire : « L’art « dégénéré » : Le procès de l’art moderne sous le nazisme ». Première exposition en France consacrée à l’Art dit « dégénéré »\, elle explore et met en perspective l’attaque méthodique du régime nazi contre l’art moderne et la place qu’occupe Pablo Picasso\, archétype de l’artiste « dégénéré » dans cette histoire. \n« L’art « dégénéré » : le procès de l’art moderne sous le nazisme. » étudie en particulier l’exposition de propagande « Entartete Kunst » (Art dégénéré)\, organisée en 1937 à Munich\, montrant plus de 700 œuvres d’une centaine d’artistes\, représentants des différents courants de l’art moderne\, d’Otto Dix à Ernst Ludwig Kirchner\, de Vassily Kandinsky à Emil Nolde\, de Paul Klee à Max Beckmann\, dans une mise en scène conçue pour provoquer le dégoût du visiteur. \nPoint culminant d’une série d’expositions infamantes mises en place dans plusieurs musées dès 1933 (Dresde\, Mannheim\, Karlsruhe…) pour dénoncer les avant-gardes artistiques comme une menace à la « pureté » allemande\, « Entartete Kunst » s’inscrit dans le contexte d’une « purge » méthodique des collections allemandes. Plus de 20 000 œuvres\, parmi lesquelles celles de Vincent Van Gogh\, Marc Chagall ou de Pablo Picasso\, désigné comme artiste « dégénéré » dès les années 1920 aussi bien en France\, qu’en Allemagne\, sont ainsi retirées\, vendues ou détruites.Au centre de cette histoire\, le terme de « dégénérescence»\, émergeant au cours du XIXe siècle dans différentes disciplines (histoire naturelle\, médecine\, anthropologie\, histoire de l’art…) jusqu’à sa cristallisation au cœur de la « vision du monde » national-socialiste\, sert de vecteur au déploiement des théories racistes et antisémites au sein de l’histoire de l’art.
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LOCATION:Musée Picasso\, Hôtel Salé - 5\, rue Thorigny\, Paris\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Picasso - l'art en mouvement
DESCRIPTION:En 2025 à l’Atelier des Lumières\, une exposition immersive inédite ouvre ses portes et nous plonge dans l’univers foisonnant et éclectique de Pablo Picasso\, véritable onde de choc de l’Histoire de l’art du 20ème siècle. \n\nPeintre de génie\, sculpteur\, graveur\, céramiste ou encore décorateur de théâtre\, ses nombreux procédés créatifs et son insatiable soif de créer\, tissent un parcours qui réunit images d’œuvres\, photos et vidéos\, pour expérimenter l’énergie débordante d’un artiste qui n’a cessé de réinventer son art. \nCo-fondateur du cubisme\, et considéré comme le père de l’art moderne\, il dédia son travail à interroger la perception de la réalité\, remettant en question tous les canons artistiques de son époque et bousculant les codes académiques qu’il maîtrisait à la perfection. \nDepuis son Espagne natale vers la France\, où il passera l’essentiel de sa vie\, l’exposition offre tour à tour\, une déambulation dans les arènes\, une plongée dans la vie nocturne des cabarets parisiens\, une confrontation aux formes et couleurs des Demoiselles d’Avignon ou bien encore la force saisissante de Guernica. Dans cet univers peuplé d’artistes circassiens\, de musiciens et de muses\, hommes et femmes observés sous le regard pluriel de l’artiste\, deviendront peu à peu des créatures surréalistes\, qui semblent tout autant familières qu’étrangères. \nCette rétrospective projetée sur les murs de l’Atelier des Lumières\, invite à observer les diverses techniques que l’artiste s’est amusé à explorer : la gravure\, la sculpture\, les papiers-collés\, les assemblages\, les pliages ou la céramique. \nComme un écho à l’ère du numérique\, l’évolution constante de son oeuvre est la source d’inspiration première de cette nouvelle création digitale réalisée en accord avec Picasso Administration. \nCréation artistique : Virginie Martin\nConception et réalisation : Cutback\nSupervision musicale et mixage : Start-Rec\nProduction : Culturespaces Studio®
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LOCATION:La Halle – Atelier des Lumières\, 38 rue Saint-Maur\, Paris\, Paris\, 75011\, France
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SUMMARY:Suzanne Valadon
DESCRIPTION:Le Centre Pompidou consacre une monographie à Suzanne Valadon (1865-1938)\, artiste emblématique et audacieuse\, l’une des plus importantes de sa génération. À la marge des courants dominants de son époque – le cubisme et l’art abstrait sont en germe alors qu’elle défend avec ardeur la nécessité de peindre le réel – elle place le nu\, féminin comme masculin\, au centre de son œuvre\, représentant les corps sans artifice ni voyeurisme. \n\nSuzanne Valadon n’a pas bénéficié de monographie à Paris depuis celle que le Musée national d’art moderne lui avait consacrée en 1967. Conçu par le Centre Pompidou-Metz en 2023\, puis présenté au Musée d’arts de Nantes et au Museu Nacional d’Art de Catalunya à Barcelone en 2024\, sous le titre « Suzanne Valadon. Un monde à soi »\, l’hommage à cette artiste ostensiblement moderne et libérée des conventions de son temps\, se poursuit donc au Centre Pompidou\, en 2025 avec une version enrichie de nouveaux prêts et augmentée d’archives inédites. \nL’exposition met en lumière cette figure exceptionnelle et souligne son rôle précurseur\, souvent sous-estimé\, dans la naissance de la modernité artistique. Elle révèle la grande liberté de Suzanne Valadon qui n’adhère véritablement à aucun courant\, si ce n’est peut-être le sien. Le parcours de près de deux cents œuvres s’appuie sur la richesse des collections nationales notamment celle du Centre Pompidou\, la plus importante\, mais aussi du musée d’Orsay et de l’Orangerie.\nDes prêts exceptionnels du Metropolitan Museum of Modern Art de New York ou encore de la Fondation de l’Hermitage et d’importantes collections privées le complètent. Il se concentre sur les deux médiums de prédilection de l’artiste\, le dessin et la peinture. Particulièrement mise à l’honneur dans l’exposition du Centre Pompidou\, son œuvre graphique fait l’objet d’une analyse approfondie\, grâce à la présentation d’un grand nombre de dessins jusqu’alors rarement montrés. C’est également l’occasion d’explorer un moment artistique au cœur de la transition des collections du musée d’Orsay et du Musée national d’art moderne. \nL’exposition « Suzanne Valadon » retrace cet itinéraire unique\, depuis ses débuts de modèle favorite du tout-Montmartre\, jusqu’à sa reconnaissance artistique\, intervenue très tôt\, par ses pairs et la critique. Véritable « passeuse » d’un siècle à l’autre\, Suzanne Valadon embrasse la ferveur parisienne du tournant-de-siècle\, ses cafés\, bals musettes et cabarets et ses multiples révolutions artistiques\, intellectuelles et sociétales. Elle met en évidence le caractère résolument moderne de l’œuvre de Valadon\, première femme à peindre en grand format un nu masculin de face. Cette plongée inédite dans son œuvre dévoile aussi bien ses relations amicales et artistiques avec les peintres de la bohème que son influence incontestable sur la scène artistique parisienne grâce au soutien actif de ses amis artistes et galeristes. \nCette exposition souligne l’étendue\, la richesse et la complexité de son œuvre en s’articulant autour de cinq sections thématiques : Apprendre par l’observation\, Portraits de famille\, « Je peins les gens pour apprendre à les connaître »\, « La vraie théorie\, c’est la nature qui l’impose »\, Le nu : un regard féminin. Une sélection d’œuvres de ses contemporaines\, aux préoccupations picturales proches des siennes\, comme Juliette Roche\, Georgette Agutte\, Jacqueline Marval\, Émilie Charmy ou Hélène Delasalle complète cette proposition. \nLe fonds d’archives exceptionnel légué en 1974 au Centre Pompidou par le docteur Robert Le Masle\, médecin\, collectionneur et ami proche de l’artiste\, rassemblant de nombreuses photographies\, des manuscrits et des documents aujourd’hui conservés à la Bibliothèque Kandinsky\, constitue un témoignage essentiel de la personnalité frondeuse de Valadon et de sa reconnaissance artistique précoce. \nAprès les expositions consacrées à Alice Neel\, Georgia O’Keeffe\, Dora Maar ou Germaine Richier\, cette monographie s’inscrit dans le cadre de la démarche engagée du Centre Pompidou pour approfondir l’étude et la connaissance du travail et de l’œuvre d’artistes femmes\, et accroître la part de leurs œuvres dans la collection.
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SUMMARY:PIXELS – Une expérience interactive avec l’univers créatif de l’IA
DESCRIPTION:Le Grand Palais Immersif vous invite à découvrir PIXELS\, la première grande exposition parisienne dédiée à Miguel Chevalier\, pionnier de l’art numérique. Installée au cœur de la Bastille\, cette exposition exceptionnelle\, pensée sur deux étages et occupant plus de 1200 m²\, vous plongera dans un univers où réel et virtuel fusionnent pour repousser les frontières de l’art et de l’intelligence artificielle. \nPréparez-vous à vivre une expérience immersive unique où chaque pixel se transforme en une fenêtre vers une réalité en constante évolution. \nLe parcours est un véritable terrain de jeu sensoriel où vous pourrez interagir avec des installations captivantes\, génératives et interactives\, adaptées à tous les âges. \nChaque œuvre explore des thématiques contemporaines telles que la surveillance\, l’identité numérique et la relation entre l’homme et la machine\, utilisant les technologies les plus avancées comme l’intelligence artificielle. Mêlant vidéos\, sculptures imprimées en 3D et œuvres lumineuses\, l’exposition redéfinit l’interaction entre l’œuvre et le public. \nLes compositions musicales de Thomas Roussel\, intégrées à certaines œuvres\, renforcent l’immersion en créant une symbiose parfaite entre le son et l’image\, enrichie par une intelligence artificielle. Chaque étape du parcours réinvente votre expérience\, dans un dialogue hypnotique et futuriste entre l’art et la technologie. \nLaissez-vous séduire par cette expérience inédite qui interroge nos liens avec le numérique à travers des œuvres aussi poétiques qu’hypnotiques. \n  \nCommissariat : Miguel Chevalier et Voxels Studio \nMusique originale de Thomas Roussel
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SUMMARY:La couleur parle toutes les langues
DESCRIPTION:La Collection Al Thani expose une nouvelle sélection de chefs-d’œuvre sur le thème de la couleur à travers les civilisations du monde. L’exposition rassemble une sélection de 80 œuvres et invite à la découverte d’artefacts issus des cinq continents\, du premier millénaire avant J.-C. à nos jours. Elle propose une scénographie originale dans laquelle les pièces sont réparties spatialement par couleur : noir\, blanc\, rouge\, jaune\, bleu et vert.
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SUMMARY:The World of Banksy
DESCRIPTION:Une expérience immersive dans le monde du street-art : un voyage dans l’univers des oeuvres de l’artiste.\n\n\nAmbiances urbaines et découvertes d’oeuvres murales sans frontières. Graffeurs\, amoureux des pochoirs\, passionnés d’art urbain et curieux en tous genres. \nBonus : visitez The Walled off hotel\nThe Walled Off Hotel Paris vous invite à plonger dans le monde du Street Art et à découvrir une des réalisations les plus surprenantes de Banksy. Véritable prolongation et complément à l’exposition voisine The World of Banksy\, cette reproduction du Walled Off Hotel de Bethléem en plein Paris vous fera voyager\, elle vous étonnera par les œuvres qu’elle rassemble et vous surprendra par son originalité et sa décoration.
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LOCATION:Musée Banksy\, 44 Rue du Faubourg Montmartre\,\, Paris\, Paris\, 75009\, France
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