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SUMMARY:Hilma af Klint - Les peintures du Temple (1906-1915)
DESCRIPTION:Son œuvre a bouleversé la chronologie de l’art moderne. Pour la première fois en France\, découvrez l’univers visionnaire de Hilma af Klint (1862-1944)\, pionnière de l’abstraction longtemps restée dans l’ombre. De ses grandes compositions à ses œuvres secrètes\, son art mêle couleurs\, formes et symboles avec une audace fascinante. \n\n\n\nFormée à l’Académie royale des Beaux-Arts de Stockholm\, Hilma af Klint mène une double vie artistique : une pratique figurative conforme aux attentes de son époque ; et dans le secret\, une production radicalement avant-gardiste\, nourrie par la théosophie et le spiritisme\, explorant harmonie cosmique et forces invisibles. \nDès 1906\, bien avant Kandinsky ou Malevitch\, elle crée des compositions audacieuses\, où couleurs vives\, formes géométriques et motifs organiques annoncent les grands courants de l’art moderne. Spirales\, cercles et faisceaux témoignent d’une liberté totale de création et confèrent à ses peintures une dimension universelle et intemporelle. \nÀ cette occasion\, le Grand Palais et le Centre Pompidou présentent son grand œuvre : le cycle des Peintures du Temple (1906‑1915)\, dont la série monumentale Dix Plus Grands. L’exposition met également en lumière les multiples sources de son inspiration (ésotérisme\, art populaire\, culture scientifique) et interroge le rôle longtemps méconnu des femmes dans l’histoire de l’art moderne. \nPremière exposition monographique en France\, cet évènement révèle aussi un destin hors norme. Hilma af Klint avait choisi de garder ses œuvres abstraites cachées\, en les faisant sceller pendant vingt ans après sa mort. Il faut attendre 1986 et l’exposition The Spiritual in Art à Los Angeles pour que son œuvre soit enfin révélée au grand public. \nUne occasion rare de faire connaissance avec une artiste qui\, en avance sur son temps\, transcende les frontières entre art\, science et spiritualité. \nCoproduction entre le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn
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LOCATION:Grand Palais – Galeries Nationales\, 17 avenue du Général Eisenhower\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Giovanni Segantini (1858-1899)\, « Je veux voir mes montagnes »
DESCRIPTION:Du 29 avril au 16 août 2026\, le Musée Marmottan Monet consacre la première exposition monographique parisienne à Giovanni Segantini\, grande figure du symbolisme et du divisionnisme européen. Réunissant une soixantaine d’œuvres – peintures\, pastels et dessins – elle retrace l’itinéraire fulgurant d’un artiste qui fit des paysages alpins le cœur d’une quête à la fois esthétique et spirituelle. De la Lombardie italienne à la vallée suisse de l’Engadine\, Segantini a su saisir la force de la nature et en révéler la dimension symbolique\, bien au-delà du réalisme. Il rêvait d’exposer à Paris à l’occasion de l’Exposition universelle de 1900\, projet interrompu par sa mort prématurée en 1899. Plus d’un siècle plus tard\, cette exposition\, placée sous le commissariat de Gabriella Belli et Diana Segantini\, rend enfin hommage à son regard visionnaire et à sa manière unique de mettre en dialogue l’homme et la nature\, d’une étonnante modernité. \nEn écho à cette rétrospective\, une sélection d’œuvres d’Anselm Kiefer intituléeVoglio vedere le mie montagne\, en hommage à Segantini\, sera également présentée au public. \nCo-commissariat : Gabriella Belli\, historienne de l’art\, Diana Segantini\, commissaire indépendante et spécialiste de l’œuvre de Giovanni Segantini \nExposition organisée en collaboration avec 24 ORE Cultura\nEt placée sous le haut patronage des Ambassades d’Italie et de Suisse
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LOCATION:Musée Marmottan-Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Calder\, Rêver en équilibre
DESCRIPTION:Cette rétrospective\, consacrée au peintre et sculpteur américain Alexander Calder (1898-1976)\, aborde toutes les dimensions de son oeuvre et a été conçue en étroite collaboration avec la Calder Foundation\, qui en est le principal prêteur. Tout au long d’un parcours chronologique\, occupant plus de 3000 m2\, les préoccupations artistiques fondamentales de Calder sont articulées : tout d’abord le mouvement mais aussi\, la lumière\, la réflexion\, les matériaux humbles\, le son\, l’éphémère\, la gravité\, la performance\, l’espace positif et négatif.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8 avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Henri Rousseau\, l’ambition de la peinture
DESCRIPTION:Le musée de l’Orangerie organise\, en collaboration avec la Fondation Barnes à Philadelphie\, une exposition monographique autour du peintre Henri Rousseau (1844-1910)\, rassemblant des prêts majeurs d’institutions internationales. Cette exposition revient sur la carrière de l’artiste et sa pratique picturale\, et entend dépasser les légendes entourant le nom du « Douanier Rousseau » pour étudier en profondeur son parcours artistique. Des sections thématiques permettront d’aborder la matérialité des œuvres et de les replacer dans le contexte du marché de l’art moderne.
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LOCATION:Musée de l’Orangerie\, place de la Concorde Jardin des Tuileries\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Matisse\, 1941–1954
DESCRIPTION:Dans la lumière éclatante de ses dernières années\, Matisse invente un nouveau langage : celui des formes découpées et de la couleur pure. Plus de 300 peintures\, dessins\, livres et gouaches découpées retracent\, entre 1941 et 1954\, le parcours d’un artiste libre et en perpétuel mouvement. \n\n\n\nL’exposition Matisse. 1941–1954 éclaire les dernières années de la carrière d’Henri Matisse\, entre 1941 et 1954\, à travers plus de 300 œuvres\, peintures\, dessins\, gouaches découpées\, livres illustrés\, textiles et vitraux\, issues de la collection du Centre Pompidou et de prêts internationaux majeurs. Elle révèle la dimension pluridisciplinaire de sa pratique pendant cette période tout en réunissant un ensemble exceptionnel de gouaches découpées. \nÀ près de 80 ans\, Matisse se réinvente avec la gouache découpée\, un médium qu’il érige en langage plastique autonome\, libre et capable d’atteindre l’universel par sa simplicité. Adaptée à la fois à la reproduction et aux commandes monumentales\, cette technique lui permet d’exprimer pleinement la dimension décorative de son art. \nL’exposition montre combien la peinture reste au cœur de sa démarche\, loin d’être supplantée par les découpages : elle se déploie au contraire avec toujours plus d’espace\, d’intensité et de couleur. Parmi les ensembles essentiels réunis dans le parcours figurent la magistrale et ultime série des Intérieurs de Vence de 1947-1948\, l’album Jazz\, les séries des Thèmes et variations ainsi que les dessins à l’encre au pinceau ; les principaux éléments du programme de la Chapelle de Vence ; les panneaux monumentaux de La Gerbe et des Acanthes\, et en point d’orgue\, exceptionnellement réunis\, les grandes figures en gouaches découpées : La Tristesse du roi\, Zulma\, La Danseuse créole et les célèbres Nus bleus. \nImaginée comme une traversée de l’univers du peintre\, l’exposition restitue l’atmosphère vibrante de son atelier\, en constante métamorphose. Une invitation à découvrir ce « jardin » florissant de Matisse\, salle après salle. \nCoproduction entre le Centre Pompidou et le GrandPalaisRmn
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LOCATION:Grand Palais – Galeries Nationales\, 17 avenue du Général Eisenhower\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Adya et Otto van Rees\, au cœur des avant-gardes
DESCRIPTION:La rétrospective est consacrée à Otto et Adya van Rees\, figures majeures mais encore méconnues de l’avant-garde européenne du XXe siècle. Originaires des Pays-Bas où ils se rencontrent\, Otto van Rees (1884-1957) et Adya van Rees-Dutilh (1876-1959) s’installent à Montmartre\, au Bateau-Lavoir\, dès 1904. Leur trajectoire témoigne d’une recherche plastique ouverte et résolument internationale – comme en témoignent leur présence et contribution commune à la naissance du mouvement Dada à Zurich\, celle d’Otto à la fondation du groupe Cercle et Carré\, ainsi que leurs nombreux déplacements en Europe.
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LOCATION:Musée de Montmartre\, 12\, Rue Cortot\, Paris\, Paris\, 75018\, France
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SUMMARY:Visages d’artistes
DESCRIPTION:Après l’exposition « Trésors en noir et blanc : Dürer\, Rembrandt\, Goya\, Toulouse-Lautrec » en 2023-2024\, le Petit Palais revisite une nouvelle thématique forte de ses collections\, celle du portrait et de l’autoportrait d’artiste.\n\n\n  \n\n  \nEn présentant une large sélection d’oeuvres du XIXe siècle mêlant peintures\, sculptures\, arts graphiques\, photographies et arts décoratifs\, le musée pose un regard neuf sur certains de ses chefs-d’oeuvre les plus connus et propose au public de redécouvrir des oeuvres rarement présentées. L’exposition interroge la fonction du portrait d’artiste\, exercice d’admiration et d’amitié\, reflet d’une filiation artistique ou au contraire de critiques ironiques. \nDes « portraits d’ateliers »\, mises en scène fascinantes d’intérieurs savamment arrangés\, présentent le creuset de la création et incarnent le lieu de nouvelles sociabilités. L’exposition est aussi l’occasion de lire en creux l’histoire des collections du musée\, constituées grâce au soutien fervent des artistes et de leurs familles qui offrirent avec générosité de nombreuses effigies de leurs proches. \nEn contrepoint\, le Petit Palais présente une dizaine de femmes artistes travaillant aujourd’hui à Paris\, qui interrogent le genre du portrait\, entre tradition et modernité. En dialogue avec les collections\, leurs oeuvres forment un écho ou se distinguent par leur singularité. De générations différentes\, ces femmes ont contribué à modifier l’imaginaire lié au portrait d’artiste en s’appuyant sur l’altérité de leurs expériences. À la fois quête de soi et manifeste esthétique\, leurs portraits laissent place à une nouvelle affirmation de l’artiste : «je suis mon oeuvre». Peinture\, sculpture\, photographie\, le portrait d’artiste éclaire les enjeux contemporains autour de l’identité de genre et des combats féministes. \nCommissariat général \n\nAnnick Lemoine\, conservatrice générale du patrimoine\, directrice du Petit Palais\n\nCommissariat scientifique \n\nStéphanie Cantarutti\, conservatrice en chef du patrimoine\, chargée des peintures modernes (1800-1890) du Petit Palais\nAnne-Charlotte Cathelineau\, conservatrice en chef du patrimoine\, chargée de la collection de sculptures du Petit Palais\nSixtine de Saint-Léger\, responsable des arts décoratifs avant 1800 et de l’art contemporain au Petit Palais
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:K-Beauty. Beauté coréenne\, histoire d'un phénomène
DESCRIPTION:Puissance culturelle majeure\, la Corée du Sud modèle désormais les tendances et inspire une génération globalisée. Au sommet de cette vague\, la K-Beauty impose une approche holistique de la beauté\, typiquement coréenne\, et établit une véritable esthétique. Dépassant la simple cosmétique\, elle forge de nouvelles normes ainsi qu’une imagerie marquante et singulière. \nRéunissant des chefs-d’œuvre issus des collections du musée Guimet et de grandes institutions sud-coréennes (peintures\, photos\, publicités\, robes et accessoires de beauté du 18e siècle à nos jours) l’exposition « K-Beauty » en décrypte les codes et montre comment ceux-ci s’inscrivent dans une tradition séculaire\, entre équilibre et vertu\, naturel et sophistication. \nÀ la fin du 18e siècle\, la Corée dominée par le courant néo-confucianiste célèbre une esthétique féminine particulière : vêtements fluides\, peau pâle\, maquillage et coiffures raffinées. Les peintres qui immortalisent ces beautés\, dont Shin Yun-bok\, participent à l’élaboration d’un patrimoine visuel qui influence durablement la culture populaire coréenne. Cette culture raffinée\, où les cosmétiques puisent dans la pharmacopée traditionnelle\, lie beauté\, harmonie et équilibre intérieur. \nMarqué par des dominations et influences étrangères successives\, le 20e siècle en Corée voit l’émergence de codes esthétiques nouveaux. Photographie\, cinéma et industrie cosmétique naissante diffusent et ancrent ces nouvelles normes tandis que le « miracle économique coréen » met patrimoine\, art et cosmétique au cœur du discours culturel. \nDès les années 2000\, la Hallyu (la vague coréenne) consacre le soft power sud-coréen : la K-Beauty\, mêlant tradition et innovation\, marque le cinéma\, la mode\, la littérature mais aussi la K-Pop\, et conquiert le monde entier. \nÀ travers cette exposition\, les visiteurs découvriront comment s’est consolidée une esthétique proprement coréenne\, dont certains canons – forgés depuis le royaume du Joseon tardif (1392-1910) – ont conservé leur attrait jusqu’à nos jours et ont fait l’objet d’hommages et de nombreuses relectures. « K-Beauty » met en lumière l’évolution mais aussi la pérennité du concept de beauté coréenne\, de la seconde moitié du 18e siècle au monde contemporain globalisé. \nCommissariat : \nClaire Bettinelli\, musée Guimet \nClaire Trinquet Soléry\, musée Guimet
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LOCATION:Musée des Arts Asiatiques Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:1913-1923 : l'esprit du temps
DESCRIPTION:Plongez dans l’histoire fascinante des arts africains et océaniens à Paris\, où objets extra-européens et œuvres avant-gardistes se rencontrent et façonnent ensemble une nouvelle vision de l’art moderne. \n\n\n\n\nLe début du 20ème siècle marque l’introduction des arts africains et océaniens à Paris. Ces objets\, d’abord perçus comme ethnographiques\, sont progressivement reconnus comme des oeuvres d’art à part entière\, un tournant majeur dans l’histoire de l’art occidental.\n\n\nLes marchands\, Paul Guillaume\, Joseph Brummer et Charles Vignier\, ainsi que les intellectuels\, poètes et écrivains comme Guillaume Apollinaire\, artistes avant-gardistes comme Vlaminck\, Derain\, Matisse et Picasso\, sont au coeur de ce mouvement. Leur engagement a permis de faire évoluer la perception occidentale de ces objets\, longtemps ignorés\, en véritables pièces artistiques. \nÀ travers des documents d’archives\, des photographies et des sculptures d’Afrique et d’Océanie\, 1913-1923 : l’esprit du temps met en lumière des expositions emblématiques comme celles de la galerie Levesque (1913)\, de Lyre et Palette (1916)\, de la galerie Devambez (1919) ou du Pavillon de Marsan du Louvre (1923). \nEn retraçant l’histoire de la réception de ces arts\, l’exposition permet d’évoquer l’atmosphère stimulante du quartier Montparnasse et révèle une décennie historique\, à l’origine de l’émergence d’un nouveau segment du marché de l’art international.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Renoir et l’amour
DESCRIPTION:Les tableaux colorés et joyeux d’Auguste Renoir\, son iconographie des guinguettes et des bals publics\, ont fait de lui un « peintre du bonheur ». Cette réputation a parfois conduit à le marginaliser parmi les grands peintres de la modernité\, au motif que celle-ci ne saurait être que mélancolique ou ironique\, désabusée ou désenchantée. Son œuvre propose pourtant une réflexion originale sur la modernité\, placée sous le signe de l’amour\, entendu à la fois comme force régissant les relations humaines et comme sentiment guidant le regard de l’artiste sur ses modèles\, sur le monde et sur la peinture elle-même.\n\n\n\n\n\n\n\n« Je sais bien qu’il est difficile de faire admettre qu’une peinture puisse être de la très grande peinture en restant joyeuse » (Auguste Renoir.) \nÀ l’occasion des cent cinquante ans du Bal du moulin de la Galette (1876)\, chef-d’œuvre des collections impressionnistes du musée d’Orsay\, cette exposition réunit pour la première fois ce corpus majeur des « scènes de la vie moderne » – tableaux à plusieurs figures représentant des sujets contemporains (distincts des portraits et des paysages) – réalisés par Renoir au cours des vingt premières années de sa carrière (1865-1885). Durant cette période\, il participe à l’invention collective d’une « Nouvelle peinture » aux côtés de Manet\, Monet\, Morisot\, Degas ou Caillebotte. Il se distingue toutefois de ses amis impressionnistes par son sens singulier de l’empathie et sa capacité d’émerveillement\, ne choisissant que des sujets heureux et en mettant toujours en valeur ses modèles. Ce regard « amoureux » se manifeste par un goût prononcé pour les liens – dans ses motifs (conversations\, repas\, danse…) comme dans sa manière de peindre\, attentive à tout ce qui peut contribuer à un sentiment d’unité (gestes des personnages\, lumière enveloppante\, équilibre des couleurs\, touches fluides et esquissées qui fondent les objets les uns dans les autres). \nL’exposition met aussi en évidence la prédilection de Renoir pour la représentation du jeune couple mais entend déconstruire une idée reçue qui voudrait que sa peinture soit « sentimentale ». Au contraire\, elle évite l’expression trop directe des émotions\, la narration romanesque\, tout autant que les mises en scène érotiques. Admirateur des peintres français du XVIIIe siècle (Watteau\, Boucher\, Fragonard)\, Renoir fait renaître une atmosphère de « fêtes galantes » et promeut une forme de liberté de mœurs et d’égalité entre les sexes dans le Paris de la fin du Second Empire et des débuts de la IIIe République. Ce choix doit être compris à la lumière de la biographie de l’artiste impressionniste\, qui mène alors une « vie de bohême » marquée par des relations considérées alors comme « illégitimes »\, et replacée dans le contexte du XIXe siècle marqué par le mariage et les normes bourgeoises\, la morale religieuse\, la place importante de la prostitution et de très fortes inégalités entre les hommes et les femmes. Dans ce cadre\, les grands formats de Renoir consacrés au couple heureux\, à la « camaraderie » (selon le mot de son ami Rivière) et à la convivialité\, apparaissent comme autant de manifestes contre la violence des rapports entre les sexes\, les antagonismes de classe et la solitude croissante de la vie urbaine. \nCoorganisée avec la National Gallery de Londres et le Museum of Fine Arts de Boston\, cette exposition offre un regard renouvelé sur des tableaux si célèbres qu’il est devenu difficile d’en percevoir aujourd’hui toute la nouveauté. Pour la première fois depuis 1985 – date de la dernière rétrospective Renoir organisée à Paris – une exposition rassemble un ensemble resserré mais significatif d’œuvres (environ cinquante peintures) de la première partie de la carrière de l’artiste\, parmi lesquelles ses plus grands chefs-d’œuvre : de La Grenouillère (1869\, Stockholm\, Nationalmuseum) aux Parapluies (1881-1885\, Londres\, The National Gallery)\, en passant par La Promenade (1870\, Los Angeles\, The J. Paul Getty Museum)\, la Danse à Bouvigal (1883\, Boston\, Museum of Fine Arts) et Le Déjeuner des canotiers (1880-1881) très exceptionnellement prêté par la Phillips Collection de Washington. \n\n\n\n\n\n\n\n\n\nCommissariat\n\nPaul Perrin\, conservateur en chef et directeur de la conservation et des collections\, musée d’Orsay ;\nChristopher Riopelle\, Neil Westreich Curator of Post 1800 Paintings\, National Gallery\, Londres ;\nChiara di Stefano\, Associate curator of Post 1800 Paintings at the National Gallery\, Londres ;\nKatie Hanson\, William and Ann Elfers Curator of Paintings\, Art of Europe\, Museum of Fine Arts\, Boston ;\nAvec la collaboration de\n\nLucie Lachenal-Tabellet\, chargée d’études documentaires au musée d’Orsay.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Renoir dessinateur
DESCRIPTION:Le dessin joua un rôle déterminant dans le développement de l’art de Renoir\, de ses premiers exercices d’étudiant dans les années 1850-1860 à ses dernières recherches les plus modernes des années 1910. Cette exposition\, dédiée à ses œuvres déssinées\, mettra en lumière l’importance des techniques graphiques dans l’évolution de son art. Elle dévoile aussi les liens intimes entre ses peintures et ses dessins\, particulièrement à partir des années 1880\, quand Renoir s’éloigne de l’impressionnisme.
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SUMMARY:Renaissance : De Vinci\, Raphaël\, Michel-Ange
DESCRIPTION:La Renaissance italienne comme vous ne l’avez jamais vue ! Dès le 13 mars\, l’Atelier des Lumières révolutionne l’expérience immersive avec Renaissance : De Vinci\, Raphaël\, Michel-Ange. Trois génies visionnaires\, trois univers complémentaires : la curiosité scientifique de Léonard\, l’harmonie parfaite de Raphaël\, la puissance sculpturale de Michel-Ange. Plongez au cœur de leurs chefs-d’œuvre grâce à des technologies de pointe et une scénographie entièrement repensée : modélisations 3D\, jumeaux numériques\, jeux de fumées et lasers. Une création inédite pour une immersion totale !
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LOCATION:La Halle – Atelier des Lumières\, 38 rue Saint-Maur\, Paris\, Paris\, 75011\, France
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SUMMARY:Clair-obscur
DESCRIPTION:À travers une sélection d’une centaine d’œuvres de la Collection Pinault\, et pour la première fois certaines modernes\, l’exposition « Clair-obscur » traverse\, de l’obscurité à la lumière\, l’héritage du chiaroscuro dans les enjeux du temps présent. La Bourse de Commerce se transforme en un paysage à la fois luministe et crépusculaire\, invitant le visiteur à une expérience sensible où se confrontent visible et invisible.
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LOCATION:Bourse de Commerce – Collection Pinault\, 2 Rue de Viarmes\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Robert Capa\, photographe de guerre
DESCRIPTION:Sur tous les fronts\, au milieu des soldats républicains en Espagne en 1937-1938\, parmi les troupes américaines débarquant le 6 juin 1944 en Normandie\, dans les fusillades de la Libération de Paris et jusqu’en Indochine où il meurt en 1954 dans l’explosion d’une mine\, l’appareil photo à la main\, Capa a tissé la légende du photographe de guerre. L’exposition raconte le parcours de cet immigré juif hongrois\, en s’intéressant à la fabrication de sa légende et de ses images\, de la prise de vue à la publication dans la presse.
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LOCATION:Musée de la Libération de Paris – Musée du Général Leclerc – Musée Jean Moulin\, 4 avenue du Colonel-Henri-Rol-Tanguy\, Paris\, Paris\, 75014\, France
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SUMMARY:Face au ciel\, Paul Huet en son temps
DESCRIPTION:Face au ciel\, Paul Huet en son temps présente l’œuvre de l’artiste Paul Huet (1803-1869) à travers le motif pictural du ciel. Peintre encore peu connu du grand public\, ce proche d’Ary Scheffer est souvent considéré comme l’un des précurseurs du paysage romantique en France. Inspiré par les grands maîtres anglais comme Constable et Turner\, il exprime dans ses œuvres les émotions et la puissance de la nature en rompant avec la tradition classique. \nQualifié de « pré-impressionniste »\, Paul Huet a marqué son temps et influencé de nombreux artistes paysagistes comme Camille Corot. Son œuvre et son expérience de la peinture de ciel sont mises en regard de celles de ses contemporains afin de mieux apprécier sa singularité et son rôle dans cette époque foisonnante. Grâce à de nombreux prêts issus des collections publiques françaises\, ses ciels sont ainsi présentés aux côtés de ceux de Paul Flandrin\, Eugène Delacroix\, Théodore Rousseau\, Georges Michel\, Eugène Isabey ou Eugène Boudin. \nCommissariat scientifique : \nGaëlle Rio\, conservatrice générale du patrimoine\, directrice du musée de la Vie romantique. \nDominique Lobstein\, historien de l’art.
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LOCATION:Musée de la Vie Romantique\, 16 rue Chaptal\, Paris\, Paris\, 75009\, France
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SUMMARY:Un soir avec les Impressionnistes - Paris 1874
DESCRIPTION:Paris\, 15 avril 1874\, huit heures du soir. \nEn rupture avec les conventions artistiques de leur époque\, Claude Monet\, Auguste Renoir ou encore Edgar Degas s’apprêtent à exposer pour la première fois en dehors du Salon officiel. Un événement qui marquera le coup d’envoi d’un nouveau mouvement : l’impressionnisme.\nCette expédition immersive vous propose de revivre cet instant mémorable en présence des peintres eux-mêmes\, de découvrir les liens d’amitié ou d’inanité qui les unissaient\, et de voyager dans le temps dans le Paris des années 1870. \nCe voyage vous emmènera au-delà de l’exposition vers des lieux emblématiques des débuts du mouvement impressionniste. \nVous vous retrouverez notamment sur l’île de la Grenouillère\, en compagnie de Monet et Renoir peignant ensemble\, au Havre\, où Monet a réalisé son célèbre tableau « Impression\, soleil levant ». Vivre la quête artistique de ces peintres comme si vous étiez à leurs côtés : telle est la promesse de ce voyage empreint d’émotion et d’émerveillement visuel
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LOCATION:Eclipso Paris\, 45 Rue des Pirogues de Bercy\,\, Paris 12\, 75012
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SUMMARY:Zoo Art Show Paris
DESCRIPTION:Entrez dans la jungle urbaine ! \nSur près de 4 000 mètres carrés\, ce musée éphémère vous plonge dans l’univers du street art\, où quelque 500 artistes ont transformé un immeuble de bureaux du quartier d’affaires. \n\n\n\nUne immersion inédite dans la culture urbaine. Après avoir conquis Lyon depuis 2018 avec plus de 200 000 visiteurs à travers plusieurs cycles d’expositions\, le Zoo Art Show débarque dans le plus grand quartier d’affaires d’Europe avec son musée XXL dédié à l’art de rue. \n\n\nEn attendant une importante rénovation à venir\, l’immeuble Maison de La Défense délaisse peu à peu ses bureaux pour se consacrer au street art en accueillant le Zoo Art Show. Bordant la place de La Défense\, ce bâtiment du début des années 80\, situé face au Westfield Les 4 Temps\, se trouve à quelques mètres à peine de la sortie de la gare. Difficile de le manquer ! \n« Après Lyon\, nous avions très envie de venir à Paris. Nous avons visité une douzaine d’immeubles en Île-de-France. La Défense nous a séduits car c’est un haut lieu historique du graffiti. Et le bâtiment est idéalement situé »\, confie Antoine Roblot\, fondateur de Zoo Art Show.
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LOCATION:Maison de La Défense\, 4 place de la Défense\, Puteaux\, 92800
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SUMMARY:The World of Banksy
DESCRIPTION:Une expérience immersive dans le monde du street-art : un voyage dans l’univers des oeuvres de l’artiste.\n\n\nAmbiances urbaines et découvertes d’oeuvres murales sans frontières. Graffeurs\, amoureux des pochoirs\, passionnés d’art urbain et curieux en tous genres. \nBonus : visitez The Walled off hotel\nThe Walled Off Hotel Paris vous invite à plonger dans le monde du Street Art et à découvrir une des réalisations les plus surprenantes de Banksy. Véritable prolongation et complément à l’exposition voisine The World of Banksy\, cette reproduction du Walled Off Hotel de Bethléem en plein Paris vous fera voyager\, elle vous étonnera par les œuvres qu’elle rassemble et vous surprendra par son originalité et sa décoration.
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LOCATION:Musée Banksy\, 44 Rue du Faubourg Montmartre\,\, Paris\, Paris\, 75009\, France
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