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SUMMARY:Fujiko Nakaya : Cloud #07156
DESCRIPTION:À partir du 4 juin\, la Rotonde est investie par l’artiste japonaise Fujiko Nakaya et une de ses « sculptures de brouillard »\, intitulée « Cloud #07156 ».
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SUMMARY:Nuits Balnéaires : Eboro
DESCRIPTION:La Fondation d’entreprise Hermès a désigné le photographe Nuits Balnéaires comme lauréat de la deuxième édition de Latitudes\, un programme international de soutien à la photographie contemporaine.  \nEBORO s’inscrit dans la continuité du travail artistique de Nuits Balnéaires. Empruntant au genre du conte\, ce corpus d’œuvres a été conçu dans le cadre de Latitudes\, un programme développé par la Fondation d’entreprise Hermès\, en partenariat avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et l’International Center of Photography (ICP) à New York. Eboro désigne la zone liminale\, la frontière et le passage intime de l’âme\, ainsi que le lieu d’origine de l’humanité dans les pensées métaphysiques des peuples N’zima et Agni-Bona\, installés entre la Côte d’Ivoire et le Ghana. Au terme de son existence terrestre\, le double immatériel de l’homme retourne à Eboro pour rejoindre ses ancêtres\, auxquels il doit rendre compte de sa vie sur terre.  \nPour ce corpus d’œuvres\, Nuits Balnéaires propose une lecture transgénérationnelle qui explore les liens entre héritage génétique\, spirituel et géographie culturelle. Il réunit une constellation de figures familiales et mythologiques dans une narration à la fois dense et contemplative\, traversée par une mélancolie lumineuse et une nostalgie vive. Une émotion proche du saudade\, où la mémoire se transforme en véritable espace de création. Le Golfe de Guinée en guise toile de fond\, Eboro a pris forme. Sa production s’est faite le long des côtes sénégalaises et ivoiriennes. Porté par une équipe de talents venant de différents horizons géographiques et culturels. l’œuvre affirme pleinement son ancrage et consolide un dialogue entre territoires\, communautés et mémoire collective. Eboro a pu naître grâce à la participation de Sabali Inc.\, ainsi que l’apport essentiel de la RAW Material Company à Dakar\, avec laquelle l’artiste a collaboré pour approfondir sa recherche.
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SUMMARY:Afroblue
DESCRIPTION:AFROBLUE : l’usage du bleu dans l’art contemporain d’Afrique. \nQue révèle le bleu dans la création contemporaine d’Afrique et de ses diasporas ?\nDu 9 avril au 19 septembre 2026\, Afroblue réunit 36 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire\, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante\, entre ciel et mer\, corps bleus\, gestes anciens et formes contemporaines\, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui.\nÀ l’étage\, carte blanche à l’artiste Wim Botha avec une installation inédite.\nAfroblue\, une exposition à découvrir cet été à la Gare de Bonnieux.
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LOCATION:Fondation Blachère\, 121\, chemin de coucourdon\, Bonnieux\, Vaucluse\, 84480
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SUMMARY:Le Liban de Serge Najjar
DESCRIPTION:Avec une acuité extraordinaire du regard\, Serge Najjar parvient à sublimer ses photographies prises sur les chantiers libanais en de véritables tableaux faisant écho aux grands maîtres de la peinture abstraite géométrique tels Piet Mondrian\, Kasimir Malévitch ou Vassily Kandinsky. Ce faisant\, il nous offre une vision atypique du Liban\, loin du pittoresque des vieilles pierres si souvent associé au patrimoine libanais. \nSerge Najjar\, né à Beyrouth en 1973\, à la veille de la guerre civile\, est un photographe dont la notoriété rapide et immense est le fruit des réseaux sociaux. Il se fera connaître sous le nom de « serjios » sur Instagram. Largement autodidacte\, il travaille d’abord avec son smartphone avant de se tourner vers la photographie argentique. En 2011\, il est nominé au prix Pictet pour une photographie prise à l’aide de son téléphone portable. Il remporte ensuite le prix Photomed et Apple choisit l’une de ses photographies pour la campagne publicitaire mondiale de l’iPad pro en 2017. \nLa prédilection de Serge Najjar pour le béton\, matériau mal aimé\, signe d’une urbanisation sauvage\, peut étonner. Pourtant\, seul le béton rend possible les tracés les plus audacieux\, les textures et les couleurs les plus variées.L’œil se perd dans des surfaces presque irréelles qui découpent l’espace avec une précision graphique. Est-ce une photographie ou un tableau ? On s’approche pour comprendre ce que l’on voit\, on hésite : angles\, lignes\, couleurs\, textures\, superpositions composent l’abstraction. C’est une photographie. \nFace à son objectif\, les murs dont il ne cache pas les irrégularités\, semblent porter en eux des toiles vivantes. On y lit les plus grands artistes abstraits et constructivistes du XXe siècle : Mondrian\, Kandinsky\, Rodtchenko\, Soulages\, etc. Mais attention\, Najjar révèle sans jamais s’inspirer. La clairvoyance de son regard est d’autant plus frappante qu’il ne met jamais en scène ses sujets et qu’il ne retouche jamais ses prises de vue. Il ne fait que révéler ce que le regard pressé ne saurait voir\, ce qu’Henri Cartier Bresson\, qu’il admire\, appelait « l’instant décisif ». \nQuand un ouvrier passe dans le cadre\, il fera partie de la composition\, sans avoir à poser. La photographie\, par-delà sa vocation esthétique\, souligne ainsi également la condition ouvrière inséparable de la vie d’un chantier. Serge Najjar noue alors un dialogue et donne une place et une existence aux travailleurs étrangers\, souvent syriens ou égyptiens\, relativement occultés dans la société libanaise. Son regard nous permet de revisiter notre monde contemporain à l’échelle des hommes\, ici des ouvriers\, qui apparaissent et humanisent les architectures. \nSerge Najjar est dans la lignée des artistes photographes esthètes\, de Man Ray à Lucien Clergue\, qui impriment leurs marques attestant d’une intention artistique. De sorte que ses photographies ne sont jamais un calque de la réalité mais son exact inverse. \nDans un pays marqué par la guerre\, ces photographies prennent une dimension symbolique\, politique. Entre construction\, destruction et reconstruction\, le Liban n’a de cesse de se réinventer après chaque agression\, chaque blessure. Les immeubles de Najjar racontent aussi un pays qui continuellement se relève. Chaque photographie devient alors une suspension fragile entre deux états : la destruction et la promesse.
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LOCATION:Institut du Monde Arabe Tourcoing\, 9 Rue Gabriel Péri\, Tourcoing\, Nord\, 59200\, France
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SUMMARY:Juliana Dorso : 140 ans et un jour La Marquise de Sévigné & le Facteur Cheval
DESCRIPTION:À l’occasion du quadricentenaire de la naissance de Madame de Sévigné\, le Palais idéal du facteur Cheval présente une exposition inédite de l’artiste Juliana Dorso consacrée à la rencontre imaginaire entre deux grandes figures qui ont marqué le territoire de la Drôme et bien au-delà: la Marquise de Sévigné et Ferdinand Cheval.\nLe titre de l’exposition 140 ans et un jour : c’est ce qui sépare la mort de Madame de Sévigné\, le 18 avril 1696\, de la naissance de Ferdinand Cheval\, le 19 avril 1836. \nFruit d’un important travail de recherche\, le projet s’appuie sur une connaissance approfondie de l’œuvre et de la vie de Madame de Sévigné. Juliana Dorso a étudié l’ensemble de sa correspondance et parcouru\, avec son artistique van dénommée Alain.e\, les lieux qui ont marqué son existence afin de restituer la richesse d’une pensée\, d’une écriture et d’un univers qui comptent parmi les plus remarquables du XVIIe siècle. \nÀ travers quinze peintures dont certaines de très grands formats\, l’artiste construit un récit visuel qui fait dialoguer le Grand Siècle et l’univers singulier du Facteur Cheval. Les œuvres convoquent les paysages de Grignan\, les figures historiques\, les références littéraires\, les objets du quotidien\, les architectures rêvées et les traces laissées par l’écriture. Les mots y occupent une place essentielle : citations\, fragments de lettres et inscriptions s’intègrent directement à la peinture et participent pleinement à la composition des œuvres. \nLe parcours invite à redécouvrir Madame de Sévigné non seulement comme une figure historique\, mais comme une créatrice majeure dont l’œuvre continue de nourrir la littérature contemporaine. Face à elle\, Ferdinand Cheval apparaît lui aussi comme un artiste bâtisseur ayant consacré sa vie à l’élaboration d’une œuvre totale. De tableau en tableau\, correspondances\, échos et rapprochements révèlent des affinités inattendues entre l’art des mots et celui des pierres. \nNourrie par les grands modèles de la peinture d’histoire\, notamment ceux du XVIIe siècle\, l’exposition mêle érudition\, imagination et narration. Elle fait dialoguer les siècles\, les disciplines et les formes de création pour proposer une traversée sensible du monde de Madame de Sévigné et de celui du Facteur Cheval.
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LOCATION:Palais Idéal du Facteur Cheval\, rue du Palais\, Hauterives\, Drôme\, 26390\, France
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SUMMARY:Kirtika Kain
DESCRIPTION:Du 19 septembre au 19 décembre 2026\nau centre d’art contemporain de la fondation Bullukian à Lyon. \nExposition collective avec Chloé Azzopardi\, Rodrigo Braga\, Odonchimeg Davaadorj\, Lelia Demoisy\, Tamas Dezsö\, Sara Favriau\, Alice Gauthier\, Léa Habourdin\, Antinea Jimena\, Laurent Lafolie\, Fabien Mérelle\, Florian Mermin\, Gina Pane et le film La Nuit du Papillon. \nExposition développée à partir du film La Nuit du Papillon\, réalisé par Nadja Anane et produit par Déborah da Silva. \nCommissariat : Fanny Robin\, directrice artistique de la Fondation Bullukian.
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LOCATION:Fondation Bullukian\, Place Bellecour 26\, Lyon\, Rhône\, 69002\, France
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SUMMARY:Des faits comme défis
DESCRIPTION:Du 19 septembre au 19 décembre 2026\nau centre d’art contemporain de la fondation Bullukian à Lyon. \nExposition collective avec Chloé Azzopardi\, Rodrigo Braga\, Odonchimeg Davaadorj\, Lelia Demoisy\, Tamas Dezsö\, Sara Favriau\, Alice Gauthier\, Léa Habourdin\, Antinea Jimena\, Laurent Lafolie\, Fabien Mérelle\, Florian Mermin\, Gina Pane et le film La Nuit du Papillon. \nExposition développée à partir du film La Nuit du Papillon\, réalisé par Nadja Anane et produit par Déborah da Silva. \nCommissariat : Fanny Robin\, directrice artistique de la Fondation Bullukian.
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SUMMARY:Albert Lebourg (1849-1928) : Un impressionniste oublié
DESCRIPTION:L’exposition met en avant le parcours artistique d’Albert Lebourg\, en exposant une soixantaine d’œuvres\, sélectionnées rigoureusement au sein de la très riche production de l’artiste. Elle bénéficie du commissariat scientifique de M. François Lespinasse\, chercheur et spécialiste de l’École de Rouen\, très fin connaisseur du travail d’Albert Lebourg ; ainsi que des prêts de nombreux particuliers\, descendants de l’artiste\, exposés pour la plupart pour la première fois. Ainsi l’exposition mettra notamment en avant de très belles œuvres d’arts graphiques\, où se révèlent la maîtrise de l’art délicat du fusain de l’artiste. \nDans une première partie\, l’exposition aborde la formation d’Albert Lebourg\, ses premières œuvres\, son talent pour le dessin et le portrait à travers des scènes intimistes et familiales.
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LOCATION:Musée d’Art et d’Histoire de Meudon\, Maison d'Armande Béjart - 11\, rue des Pierres\, Meudon\, Hauts-de-Seine\, 92190\, France
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SUMMARY:À tire-d’aile : Anna Sommer en dialogue avec les collection
DESCRIPTION:Avec « À tire-d’aile. Anna Sommer en dialogue avec les collections »\, le Musée Tomi Ungerer consacre à Anna Sommer sa première exposition individuelle dans une institution française. Elle est lauréate en 2024 du prix Max et Moritz\, qui récompense la meilleure autrice de bande dessinée germanophone. \nL’artiste suisse Anna Sommer (née en 1968 à Staffelbach) a développé au fil des dernières décennies une manière très personnelle de raconter en images. De ses portraits en collage aux courtes histoires illustrées\, en passant par ses bandes dessinées et ses gravures humoristiques\, ses œuvres présentent toujours une incision\, qui ouvre la porte à l’humour\, au malaise ou à un autre niveau de sens. \nAnna Sommer dissèque les relations humaines\, les conflits amoureux\, ainsi que nos désirs\, nos rôles et nos identités avec la même précision que celle avec laquelle elle découpe le papier au cutter pour en composer de vastes assemblages colorés. Dans le cadre de cette carte blanche\, l’artiste s’est penchée sur la collection et les œuvres de Tomi Ungerer\, qu’elle fait dialoguer avec ses propres travaux. Anna Sommer a également choisi plusieurs dessins d’autres artistes entretenant des liens narratifs\, formels ou poétiques avec son travail : il s’agit d’œuvres de Tomi Ungerer et Borislav Sajtinac issues de la collection du Musée Tomi Ungerer\, de Marcelle Cahn et Käthe Kollwitz de la collection du Musée d’Art moderne et contemporain\, ainsi que de Toshusaï Sharaku et Kitagawa Utamaro du Cabinet des Estampes et des Dessins. Par le biais de ce regard artistique résolument subjectif\, l’exposition met en lumière les multiples échos qui relient les œuvres au-delà des genres\, des styles et des époques. \nAnna Sommer est publiée en France depuis ses débuts\, notamment par L’Association\, Les Cahiers dessinés et Actes Sud. Elle participe également à de nombreux festivals et expositions\, comme « La bande dessinée au Musée » et « Bande dessinée 1964 – 2024 » au Centre Pompidou en 2024. Dans le cadre du projet Illustrer le Grand Paris\, elle réalise en 2025 la contribution artistique de la gare du Blanc-Mesnil. Cette exposition est également l’occasion de faire entrer dans les collections du Musée Tomi Ungerer des œuvres de Anna Sommer (don de l’artiste et achat du musée ). \nCommissariat : Anna Sailer\, conservatrice responsable du Musée Tomi Ungerer – Centre international de l’Illustration \nAvec le soutien du Consulat général de Suisse
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LOCATION:Musée Tomi Ungerer – Centre International de l’Illustration\, 2 avenue de la Marseillaise\, Strasbourg\, Bas-Rhin\, 67000\, France
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SUMMARY:Kerry James Marshall\, The Histories
DESCRIPTION:L’œuvre de Kerry James Marshall puise son inspiration aussi bien dans le canon établi par l’histoire de l’art occidental que dans d’autres formes d’expression visuelle issues de la culture populaire\, notamment la peinture française du XIXe siècle\, la culture contemporaine\, l’afrofuturisme\, la bande dessinée et la science-fiction. L’artiste travaille par séries et par cycles\, comme en témoigne l’organisation chrono-thématique de l’exposition\, qui présente onze groupes d’œuvres réalisées entre 1980 et aujourd’hui.
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SUMMARY:Auguste fait des chefs-d’oeuvre : Vacquerie et la photographie
DESCRIPTION:À l’occasion du Bicentenaire de la Photographie 2026-2027\, le musée met en lumière des collections photographiques à ne pas manquer. Découvrez les archives de l’Atelier Hugo-Vacquerie de Jersey qui renferment un ensemble remarquable de portraits signés par des photographes professionnels\, parmi lesquels Auguste Vacquerie et ses collaborateurs. Ces archives sont notamment issues de la collection Lefèvre-Vacquerie et s’enrichissent d’une série du fonds Vacquerie\, une précieuse collection privée retrouvée dans le grenier lors de la mise en vente de la maison familiale.
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LOCATION:Musée Victor Hugo – Maison Vacquerie\, Quai Victor Hugo\, Rives-en-Seine\, Seine-Maritime\, 76490
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SUMMARY:Basile Richon : Réminiscences d'une Mer
DESCRIPTION:lasticien et compositeur basé entre Bruxelles (BE) et Sion (CH)\, Basile Richon (1990\, CH/BE) développe une recherche autour des flux\, du son et du paysage dans lesquels ces éléments coexistent. À travers des dispositifs sculpturaux\, il orchestre de multiples tentatives de mesure\, d’inscription ou de résonance avec les variations de milieux en mutation\, altérés directement ou indirectement par les pressions anthropiques. Expérimentant une pratique résolument transversale – à mi-chemin entre les arts plastiques\, la musique contemporaine et les sciences environnementales – Basile Richon opère une réflexion sur les instruments par lesquels nous appréhendons le monde qui nous entoure\, les détournant pour en extraire une lecture sensible\, narrative et parfois spéculative\, où ces fluctuations deviennent chants. \nÀ la suite d’une résidence artistique de six mois à la Fondation suisse\, Basile Richon présentera une nouvelle installation produite dans ce contexte. Travaillant depuis plusieurs années sur et avec le territoire du Zwin — espace littoral situé à la frontière de la Belgique et des Pays-Bas\, fragile et en constante transformation sous l’effet des dynamiques marines et anthropiques —\, Basile Richon proposera une lecture poétique du lieu\, composée d’archives hypothétiques d’un paysage effacé. \nExposition dans le cadre du programme de résidence artistique de l’Etat du Valais
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LOCATION:Fondation Suisse – Pavillon Le Corbusier\, 7\, boulevard Jourdan  - Cité universitaire\, Paris\, Paris\, 75014
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SUMMARY:Le savoir en trompe l'œil\, Corée 18e - 20e siècle
DESCRIPTION:À quoi peut servir une bibliothèque lorsque le temps manque pour lireš? À l’heure où le savoir circule sur les écrans\, s’évader par la lecture devient parfois un luxe et la bibliothèque est alors souvent plus regardée que pratiquée. \nCe dilemme n’est pas nouveau. Dans la Corée de la fin du 18e siècle\, le roi Jeongjo (r. 1776-1800) y est déjà confronté. Pris par les a‹ffaires de l’État\, n’ayant que peu le temps de lire\, il passe commande aux artistes officiels de l’Académie royale de peinture de réaliser un paravent reprenant sa bibliothèque en trompe-l’oeil\, pour rester proche de ses livres. Il trouve ainsi dans la contemplation de cette peinture un moyen de demeurer symboliquement entouré de ses livres : un trompe-l’œil prolongeant l’esprit du cabinet d’étude\, stimulant la vertu\, la curiosité et la conversation savante. \nLes ambassades coréennes à Pékin jouent alors un rôle déterminant. Les envoyés de Joseon y découvrent les cabinets de trésors chinois\, ainsi que l’art jésuite de la perspective\, diffusé à la cour des Qing et dans les églises de la capitale impériale par les artistes européens. L’alliance entre l’accumulation érudite chinoise et le savoir-faire européen en matière de trompe-l’œil nourrit l’inventivité des peintres coréens\, qui développent un usage singulier de la perspective\, le chaekgeori.
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LOCATION:Musée des Arts Asiatiques Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Eva Gonzalès (1847-1883)
DESCRIPTION:L’ambition de cette exposition est de faire découvrir au public une artiste trop souvent perçue comme une figure de second plan dans l’histoire de l’art\, en résonance avec les trois personnalités qui ont contribué à affermir son talent et à faire vivre son œuvre : Jeanne Gonzalès\, sa sœur\, Henri Guérard\, son mari\, et surtout Édouard Manet\, dont elle fut l’unique élève.
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Auguste Bartholdi\, La Liberté éclairant le monde
DESCRIPTION:Du 15 septembre 2026 au 31 janvier 2027 le musée d’Orsay consacre une exposition ainsi qu’une expérience immersive en réalité virtuelle à Auguste Bartholdi\, figure majeure de la sculpture française du XIXe siècle et auteur d’œuvres emblématiques\, ainsi qu’à son chef d’œuvre « La Liberté éclairant le monde ». Conçue comme un cadeau de la France aux États-Unis et destinée initialement à commémorer le centenaire de l’indépendance américaine en 1876\, la statue est finalement inaugurée dix ans plus tard\, en 1886. Entre-temps\, Bartholdi et ses soutiens ont dû faire preuve d’imagination\, d’audace et de ténacité pour concevoir\, promouvoir et construire ce qui était alors la plus grande statue du monde (46 m de haut\, 93 m avec son piédestal).\n\n\n\n\n\n\nOrganisée en partenariat avec le musée Bartholdi de la ville de Colmar\, l’exposition retrace le parcours d’Auguste Bartholdi\, sculpteur alsacien au tempérament visionnaire\, dont l’ambition monumentale s’affirme dès ses premiers projets et se nourrit profondément des bouleversements politiques de son époque. Elle explore la naissance de la Statue de la Liberté\, dérivée d’un projet à l’origine pour le canal de Suez\, puis transformée en une figure allégorique célébrant l’indépendance américaine. L’idée\, portée par l’Union franco-américaine\, prend forme à travers les voyages de Bartholdi aux États-Unis et la mobilisation exceptionnelle pour réunir les fonds nécessaires. L’image de la statue se diffuse largement avant même son achèvement\, grâce à de nombreux articles publiés dans la presse illustrée et à la présentation d’éléments à grandeur réelle durant les expositions universelles de 1876 et 1878. \nLes étapes de construction illustrent l’union de l’art et de l’ingénierie\, depuis les choix techniques imaginés par Viollet-le-Duc puis concrétisés par Gustave Eiffel\, jusqu’au martelage du cuivre dans les ateliers parisiens et au montage complet de la statue. Le parcours se conclut avec le transport vers New York\, l’achèvement du piédestal et l’inauguration le 28 octobre 1886\, qui impose immédiatement La Liberté éclairant le monde comme symbole majeur et universel. \nEmblématique des idéaux de son époque\, la Statue de la Liberté témoigne d’une indéfectible foi dans le progrès\, aussi bien humain que technique\, et dans des valeurs universelles auxquelles l’art peut donner une forme intelligible. L’exposition se donne comme objectif de faire comprendre aux visiteurs les choix artistiques\, idéologiques\, économiques et technologiques qui ont permis la réalisation de ce projet hors du commun.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Ni Tanjung : La pauvre reine de Bali
DESCRIPTION:Ni Tanjung (1930-2020) était une artiste balinaise autodidacte qui réunissait en elle l’art classique local et l’art contemporain international. on oeuvre\, développée sur pre s de vingt ans\, est devenue et connue mondialement grâce au regard averti de Georges Breguet\, un anthropologue suisse qui a su\, de s leur premie re rencontre\, qu’il se trouvait face a  un talent hors du commun.\nNi Tanjung constituait un phénome ne d’une rare singularité\, car rien chez elle n’était conventionnel : ni sa personnalité ni ses créations. \nEn 2004\, en se baladant\, Georges Breguet est tombé sur une vieille balinaise qui chantait et dansait devant un mur de pierres souriantes et organisées en hauteur. Elle se comportait comme si elle était en face d’un temple\, en pleine cérémonie votive. \nEn 2006\, année de son apogée\, l’installation a réuni plusieurs centaines de pierres. Plus tard\, elle a été démembrée. Sa destruction matérielle est\, paradoxalement\, a  l’origine de son entrée dans le monde de l’art indonésien et international. \nDans sa chambre\, entourée de ses assemblages\, ses dessins et ses poupées\, elle célébrait son pouvoir. Au total plus de 1 000 assemblages en moins de 10 ans ! \nBon plan:  Accès gratuit au musée d’Art Brut avec la City Card de l’Office de Tourisme ! \nFermeture les lundis\, mardis et jours fériés.
URL:https://actu.art/event/ni-tanjung-la-pauvre-reine-de-bali/
LOCATION:Musée d’Arts Brut\, Singulier & Autres\, 1\, rue Beau Séjour\, Montpellier\, Hérault\, 34000
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Delacroix\, chevaux et autres animaux
DESCRIPTION:Eugène Delacroix écrit dans son journal\, le 15 avril 1823 : « Il faut absolument se mettre à faire des chevaux. ». Il va réaliser une trentaine de peintures et de nombreux dessins. C’est dans son atelier qu’il met en scène le cheval dans ses œuvres pour faire de ses études et croquis des œuvres dignes d’être exposées. Ainsi\, le cheval devient dans les tableaux ou dans les lithographies une noble monture accompagnant les voyages et les combats des hommes. Il peut aussi être une proie pour les fauves.
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LOCATION:Musée National Eugène Delacroix\, 6\, rue de Furstenberg\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Le triptyque de Moulins : L’éclat retrouvé d’un chef-d’œuvre de la Renaissance
DESCRIPTION:Après une présentation au musée du Louvre\, le Triptyque de la Vierge en gloire de Jean Hey fait étape au monastère royal de Brou. Peint vers 1498 pour la cathédrale de Moulins\, ce tableau monumental – 1\,57 m de hauteur sur 2\,83 m de largeur volets déployés – est l’un des sommets de la peinture française de la Renaissance. Après plus de trois ans d’étude et de restauration\, le triptyque commandé à l’artiste par Anne de France et Pierre II de Bourbon retrouve l’éclat de ses couleurs d’origine. Un film documentaire retrace les étapes de cette opération exceptionnelle\, à découvrir au fil du parcours.
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LOCATION:Musée de Brou\, Monastère royal de Brou - 63 boulevard de Brou\, Bourg-en-Bresse\, Ain\, 01000\, France
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SUMMARY:Camille Claudel et Bernhard Hoetger
DESCRIPTION:Présentée au musée Paula Modersohn-Becker de Brême et à l’Alte Nationalgalerie de Berlin en 2025\, cette exposition est à découvrir en France au musée Camille Claudel à partir de septembre 2026. \nElle rassemble les œuvres de deux artistes dont les chemins se sont croisés à plusieurs reprises à Paris au tournant du XXᵉ siècle : Camille Claudel et Bernhard Hoetger. Tous deux se rejoignent dans leur quête de reconnaissance et dans leur volonté de s’émanciper de l’influence du maître de la sculpture\, Auguste Rodin. En 1905\, les œuvres de la sculptrice française sont exposées dans la galerie du marchand Eugène Blot\, aux côtés de celles de l’artiste allemand\, de dix ans son cadet. Au milieu de l’avant-garde\, chacun développe une vivacité artistique singulière\, dont le rayonnement dépasse les frontières. Plus de 120 ans plus tard\, ces deux figures majeures de la sculpture sont à nouveau réunies.
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LOCATION:Musée Camille Claudel\, 10 Rue Gustave Flaubert\, Nogent-sur-Seine\, Aube\, 10400\, France
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SUMMARY:Musée sentimental
DESCRIPTION:Exposition coorganisée par le Musée des Beaux-Arts de Lyon et le Centre Pompidou. \nLe Pôle des musées d’art de Lyon\, Musée des Beaux-Arts/Musée d’art contemporain et le Centre Pompidou présentent l’exposition Musée sentimental. Elle explore un aspect fondateur de l’histoire de l’art du 20e siècle : la pratique de la collection chez les artistes et son intégration à leur processus de création. \nLa mise en scène d’objets issus de champs les plus divers\, par assemblage\, accumulation\, prolifération\, présentation dans des dispositifs de vitrines\, de boîtes ou encore de sachets… leur confère une dimension nouvelle qui renvoie à la mémoire et à l’émotion. Il s’agit de dévoiler au visiteur l’attachement sentimental que peuvent susciter ces objets\, même les plus communs et les plus dérisoires. \nCette exposition\, présentée au Musée des Beaux-Arts de Lyon\, réunit de manière exceptionnelle des œuvres modernes et contemporaines des trois institutions publiques partenaires et propose un parcours à travers différentes approches\, parfois très singulières\, de la pratique de la collection d’une soixantaine d’artistes et collectifs des 20e et 21e siècles.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Lyon\, 20 place des Terreaux\, Lyon\, Rhône\, 69001\, France
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SUMMARY:Paris > Kyoto > Paris : Quatre designers de retour du Japon
DESCRIPTION:À l’occasion de la Paris Design Week\, le musée des Arts décoratifs met à l’honneur quatre designers ayant séjourné au Japon\, à la Villa Kujoyama — Nina Fradet\, Tony Jouanneau\, Felipe Ribon et Marion Vidal — dans un parcours inédit déployé au sein de ses galeries permanentes.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107\, rue de Rivoli\, Paris\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:TRACES 1999–2026. Artistes de la Fondation Culturelle de Hesse à Paris
DESCRIPTION:L’exposition « TRACES 1999-2026. Artistes de la Fondation Culturelle de Hesse à Paris » invite d’anciennes lauréates du programme « Fondation culturelle de Hesse x Cité internationale des arts » à présenter leurs œuvres au Goethe-Institut de Paris.
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LOCATION:Goethe Institut\, 17 avenue d’Iéna\, Paris\, 75116
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SUMMARY:Talisman : Carte blanche à Ali Banisadr
DESCRIPTION:En l’honneur du bicentenaire de la naissance de Gustave Moreau (1826-1898)\, le musée national (Paris 9e) invite Ali Banisadr à investir ses espaces à l’occasion d’une « carte blanche ». Une exposition en collaboration avec la Galerie Thaddaeus Ropac dans le Marais à Paris\, pensée comme un dialogue subtil entre les réflexions de l’artiste et celles du maître symboliste Gustave Moreau.\nL’artiste américain d’origine iranienne a créé un ensemble de peintures\, sculptures en bronze et de pastels\, auxquels s’ajoutent des œuvres antérieures. Un événement inédit à la croisée des mythes\, de la mémoire\, de l’histoire et de l’imaginaire à découvrir au musée Gustave Moreau du 9 septembre au 7 décembre 2026.
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LOCATION:Musée National Gustave Moreau\, 14\, rue de la Rochefoucault\, Paris\, Paris\, 75009\, France
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SUMMARY:Hashigakari : Works by Takesada Matsutani
DESCRIPTION:A l’occasion de l’anniversaire des soixante ans de l’installation en France de l’artiste Matsutani Takesada\, le musée Cernuschi reçoit trois de ses œuvres en donation et organise un accrochage en salle Peinture consacré à cet artiste majeur de l’art contemporain japonais.
URL:https://actu.art/event/hashigakari-works-by-takesada-matsutani/
LOCATION:Musée Cernuschi\, Hôtel particulier - 7 avenue Vélasquez\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:La Société des Amis du musée Eugène-Boudin : 70 ans d’engagement et de soutien
DESCRIPTION:À l’occasion de l’exposition célébrant les 70 ans de la SAMEB (Société des Amis du Musée Eugène-Boudin)\, découvrez une programmation spécialement conçue pour accompagner cet événement. \nL’inauguration de l’exposition aura lieu le 28 août à 16h. \nLa SAMEB prend la parole tous les samedis à 16h30 afin de présenter l’exposition\, à l’exception des 29 août\, 26 décembre et 2 janvier 2027.
URL:https://actu.art/event/la-societe-des-amis-du-musee-eugene-boudin-70-ans-dengagement-et-de-soutien/
LOCATION:MUSÉE EUGÈNE BOUDIN\, rue de l'Homme de Bois - Place Erik Satie\, Honfleur\, Calvados\, 14002
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Daniel Dezeuze
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris entretient\, par son histoire\, un lien privilégié avec le groupe Supports/Surfaces\, qu’il présenta pour la première fois sous cette appellation à l’ARC en 1970. Parmi ses fondateurs\, Daniel Dezeuze (né en 1942) occupe une place déterminante.  \nFils du peintre Georges Dezeuze (1905-2004)\, il suit librement les cours des Beaux-Arts de Montpellier\, où il rencontre Arnal\, Bioulès\, Grand\, Rouan et Viallat. Son séjour au Mexique en 1964‑65 marque profondément sa peinture\, nourrie des cultures préhispaniques. En Amérique du Nord il découvre ensuite l’école de New York\, de Pollock à Rothko. \nInstallé à Paris en 1967\, il élabore avec Saytour et Viallat les bases de Supports/Surfaces\, menant une réflexion radicale sur l’avenir de la peinture. Cette remise en question de la structure traditionnelle du tableau l’amène à concentrer son travail sur le support lui‑même. Il entreprend alors une véritable « déconstruction » de la toile envisagée comme objet\, affirmant le matérialisme des œuvres et la primauté du processus de création.  \nDezeuze quitte le groupe en 1972 et poursuit une recherche personnelle centrée sur la construction du tableau\, la fragilité des matériaux\, l’économie des moyens et une expérimentation continue. \nVingt œuvres récentes rejoignent aujourd’hui les collections du Musée d’Art moderne\, une acquisition exceptionnelle qui permet de retraçer son parcours depuis 1982. Elles témoignent de son goût pour le remploi (portes\, panneaux\, skis)\, l’assemblage\, la couleur génératrice de formes et l’importance du vide. Les références à l’histoire de l’art (Mondrian)\, au Moyen Âge\, aux cultures mésoaméricaines ou à la calligraphie traversent et nourrissent l’ensemble de son travail des quarante dernières années.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Stéphane Bordarier
DESCRIPTION:Depuis le milieu des années 1980\, Stéphane Bordarier (né en 1953) développe une œuvre s’inscrivant dans cette mouvance historique qui voit la peinture devenir son propre sujet. Singulière dans le paysage de l’art contemporain\, sa pratique\, attentive à ce qu’il nomme la « qualité de surface »\, repose sur un équilibre entre contraintes imposées et liberté du geste. \nRéduisant progressivement son langage pictural à l’essentiel — une couleur\, une forme — Stéphane Bordarier explore les potentialités d’une peinture à la fois rigoureuse et profondément sensible. Ses œuvres naissent d’un processus immuable : sur une toile tendue sur châssis et enduite de colle de peau tiède\, il applique le pigment pendant le temps de prise de la colle. L’artiste se dit alors « chassé » de la toile par la matière qui se fixe\, déterminant l’achèvement du tableau : couleur et forme s’accordent dans une résolution propre à chaque œuvre. Généralement réduite à une seule tonalité\, la surface de la toile acquiert\, par l’imprégnation du pigment mêlé à la colle\, un aspect mat et une intensité particulière. Le tableau se construit ainsi dans une relation étroite au temps.  \nDans la série des Noires\, la couleur\, issue d’un mélange de deux tons à même la toile\, n’apparaît jamais comme une valeur fixe ou absolue mais révèle une profondeur chromatique subtile. Ces œuvres\, traversées de nuances changeantes\, sensibles à la lumière et au déplacement du regard\, laissent percevoir leur processus de réalisation. \nPendant près de trente ans\, la Galerie Jean Fournier à Paris a accompagné et présenté le travail de Stéphane Bordarier. Il est aujourd’hui représenté par la Galerie Dina Vierny. \nGrâce à une acquisition récente complétée par un don de l’artiste\, cinq œuvres de Stéphane Bordarier ont intégré les collections du musée en 2026. Elles sont présentées ici aux côtés de plusieurs prêts provenant de l’atelier\, offrant un aperçu significatif de son parcours et de ses recherches picturales.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Mariella Simoni
DESCRIPTION:La trajectoire artistique singulière de Mariella Simoni (née en 1948) revisite les articulations entre art conceptuel et abstraction\, entre poésie et matière. Originaire de la région du lac de Garde en Italie\, l’artiste étudie l’histoire de l’art à Parme\, ainsi que la philosophie et la psychanalyse. Ses premières œuvres\, au milieu des années 1970\, affirment d’emblée son intérêt pour les développements organiques et le mouvement du vivant\, en recourant à l’usage d’objets en déséquilibre\, ou de plantes envahissant les espaces d’expositions.  \nSon passage à la peinture en 1982 peut être perçu comme le prolongement dans l’espace pictural de ces questionnements. La matière conserve dans ses tableaux cette même vivacité. La trace des gestes de l’artiste\, la sédimentation des couches de peinture\, témoignent de la temporalité parfois longue de leur conception. Elle s’installe à Vienne à cette époque et se lie avec plusieurs artistes qui partagent ses préoccupations\, comme Herbert Brandl\, Otto Zitko\, proches des Junge Wilde\, ou Franz West. Elle participe à plusieurs expositions organisées dans la galerie de Peter Pakesch\, puis est invitée à exposer à la Documenta IX\, manifestation internationale d’art contemporain\, à Kassel\, en 1992. \nArtiste en mouvement\, l’œuvre de Mariella Simoni évolue au fil des villes où elle séjourne : Athènes\, Paris\, Gand\, New York… Elle se tourne occasionnellement vers la sculpture ou l’installation. Les variations de formats\, de supports\, de dominantes de couleurs\, de contrastes\, viennent constamment remettre en jeu sa pratique\, comme le montrent ses récentes productions\, qui manifestent une plus grande économie dans l’usage des matières\, et un autre rapport au relief. La présentation de cet ensemble d’œuvres nouvellement acquises auprès de l’artiste et de Peter Pakesch témoigne de l’intensité de cette recherche artistique.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Triboulet : The Xtreme Show
DESCRIPTION:Du 18 juillet au 13 décembre\, la Fondation du doute présente la première exposition d’ampleur consacrée à l’artiste Clément Courgeon. Prenant la forme d’un environnement à la fois joyeux et forain traversé par l’absurde et le grotesque\, elle se déploiera sur plus de 200 m² où s’enchevêtrent pratiques performatives et plastiques (installations\, vidéos\, dessins\, collages\, sculptures\, costumes…).
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LOCATION:Fondation du Doute\, 14 Rue de la Paix\, Blois\, Loir-et-Cher\, 41000\, France
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SUMMARY:Invitation à Daniel Buren. Plantations\, travaux in situ
DESCRIPTION:Daniel Buren utilise ici son fameux outil visuel – des bandes verticales alternativement blanches et colorées de 8\,7 cm –\, qui lui permet de révéler et de souligner le lieu et tout son contexte dans des travaux in situ. Là où Monet et Caillebotte peignaient les frémissements de l’eau\, des paysages ou du ciel\, l’artiste inscrit ses formes et couleurs dans l’espace même où le public se déplace\, faisant de la perception un phénomène mouvant et toujours renouvelé. Au sein des galeries\, l’exposition fait en outre cohabiter les chefs-d’œuvre de la collection du musée – allant de l’impressionnisme à la création contemporaine – et le travail de Daniel Buren\, dans une invitation placée sous le signe de la couleur.
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LOCATION:Musée des Impressionnismes – Giverny\, 99\, rue Claude-Monet\, Giverny\, Eure\, 27620\, France
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