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SUMMARY:Henry de Monfreid - d'Ici et d'Aventures
DESCRIPTION: » D’ici et d’aventures\, Henry de Monfreid.”\nDes photographies et documents inédits… Plongez dans l’univers d’Henry de Monfreid à travers cette exposition réalisée par les Archives Départementales de l’Aude. \nHenry\, icône pop ? Aventurier écrivain ou écrivain aventurier ? Observateur engagé ? Passeur de mémoire? Toute la scénographie de l’exposition invite le visiteur à construire son propre parcours\, son propre récit et à s’engager sur les traces qu’ Henry a laissées\, d’ici et d’aventures !\nCette exposition se tiendra du 1er juillet au 31 août et proposera aux visiteurs de découvrir ou redécouvrir la vie fascinante d’Henry de Monfreid\, ses voyages\, ses écrits et l’esprit d’aventure qui a marqué son parcours. \nNous vous invitons à venir nombreux et à relayer cette information.\nAu plaisir de vous retrouver à cette occasion
URL:https://actu.art/event/henry-de-monfreid-dici-et-daventures/
LOCATION:Musée Henry de Monfreid\, 2 Rue Henry de Monfreid\, Ingrandes\, 36300
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SUMMARY:Exposition Lumière Sculptée - Émilie Lemardeley
DESCRIPTION:Le musée Mandet consacre son exposition 2026 à Émilie Lemardeley\, artiste et designer dont l’œuvre se situe à la frontière du visible et du vibratoire : dans cet espace\, la matière cesse d’être un simple support pour devenir souffle\, onde et présence.
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LOCATION:Musée Francisque Mandet\, 14\, rue de l'Hôtel de ville\, Riom\, Puy-de-Dôme\, 63200\, France
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SUMMARY:Portraits
DESCRIPTION:Exposition « Portraits » au Musée municipal Albert Marzelles du 13 juin au 5 septembre\, gratuite et accompagnée d’ateliers\, qui explore l’essor du portrait au XIXe siècle et sa démocratisation grâce aux nouvelles techniques comme la photographie\, reflétant l’évolution des classes sociales et de la représentation du pouvoir.
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LOCATION:Musée municipal Albert Marzelles\, 15 rue Abel Boyé\, Marmande\, Lot-et-Garonne\, 47200\, France
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SUMMARY:La photographie en toutes lettres
DESCRIPTION:Cette exposition collective réunit 34 artistes issu·es de la Collection d’entreprise Neuflize OBC et des collections de la MEP.
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LOCATION:Maison Européenne de la Photographie – MEP\, 5 rue de Fourcy\, Paris 4e\, Paris\, 75004
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Naime Merabet : La vie au seuil\, une traversée intime de Roubaix
DESCRIPTION:À travers une série de photographies sensibles\, Naime Merabet explore Roubaix\, la ville de son enfance\, en captant la poésie du quotidien depuis les seuils : portes\, fenêtres\, croisements. Entre mémoire algérienne et enracinement local\, il poursuit une quête identitaire mêlant errance urbaine\, rencontres imprévues et dialogues silencieux. Construite autour d’un triptyque\, la série aborde la convivialité discrète\, la présence touchante des personnes âgées et les marques persistantes de l’exclusion sociale. L’artiste révèle une ville fière\, pudique\, trop souvent stigmatisée\, mais profondément habitée. Inspiré par les études sociologiques\, les miroirs de Pistoletto et une citation de Cartier-Bresson – « un œil froid avec un cœur chaud » – il propose un regard humble\, attentif\, guidé par l’instinct et l’écoute. \nCommissariat\nAmandine Delcourt\, responsable de la documentation\, La Piscine-Musée d’art et d’industrie André Diligent. \nExposition gratuite\, visible dans le jardin Thérèse Constans. \nLégende : Naime Merabet\, Popeye et son chien\, juillet 2017
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LOCATION:La Piscine – Musée d’Art et d’Industrie André Diligent de Roubaix\, 23 rue de l'Espérance\, Roubaix\, Nord\, 59100\, France
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SUMMARY:Roubaix photo : Plus d’un siècle d’images\, d’usages et de regards à travers les collections de La Piscine
DESCRIPTION:Roubaix photo : Plus d’un siècle d’images\, d’usages et de regards à travers les collections de La Piscine
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LOCATION:La Piscine – Musée d’Art et d’Industrie André Diligent de Roubaix\, 23 rue de l'Espérance\, Roubaix\, Nord\, 59100\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Fujiko Nakaya : Cloud #07156
DESCRIPTION:À partir du 4 juin\, la Rotonde est investie par l’artiste japonaise Fujiko Nakaya et une de ses « sculptures de brouillard »\, intitulée « Cloud #07156 ».
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LOCATION:Bourse de Commerce – Collection Pinault\, 2 Rue de Viarmes\, Paris 01\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Prune Nourry : Défense de rien toucher
DESCRIPTION:Au fronton de son œuvre\, dès 1905\, Ferdinand Cheval inscrit cette formule aussi énigmatique que poétique : « Défense de rien toucher ». Une invitation paradoxale\, oscillant entre interdiction et permission\, à laquelle Prune Nourry répond aujourd’hui par une proposition résolument généreuse : une exposition entièrement pensée pour être touchée. \nAvec Défense de rien toucher\, l’artiste transforme le Palais idéal en un vaste terrain d’expérience sensorielle. Ici\, le regard ne suffit plus ; il s’efface au profit du contact\, du ressenti\, de la mémoire des formes saisies par la paume. Accessible à toutes et tous\, enfants\, adultes\, publics voyants ou déficients visuels\, l’exposition s’affranchit des conventions muséales pour réactiver une relation directe et physique à l’œuvre. \nCe parti pris trouve une résonance profonde avec le geste fondateur de Ferdinand Cheval. Facteur rural devenu bâtisseur autodidacte\, formé initialement comme boulanger\, il a littéralement « pétri » son Palais. Partout\, la trace de la main affleure : dans les reliefs\, les aspérités\, les accumulations patientes de matière. En invitant à toucher ses propres œuvres\, Prune Nourry rend hommage à cette dimension tactile et organique du Palais idéal. \nPrésentée avec un grand succès à la Fondation Bullukian à Lyon\, et avant le Musée Camille Claudel en 2027\, l’exposition trouve ici une étape singulière dans son itinérance Empreintes. Déployée dans ce lieu hors norme\, elle en épouse l’esprit et en prolonge les intuitions : un dialogue entre cultures\, entre temporalités\, entre imaginaires.
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LOCATION:Palais Idéal du Facteur Cheval\, rue du Palais\, Hauterives\, Drôme\, 26390\, France
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SUMMARY:Javier Carro Temboury : 2/4 Flea Market
DESCRIPTION:Né à Madrid en 1997\, Javier Carro Temboury est un sculpteur dont la pratique mêle objets trouvés\, artisanat et protocoles participatifs. Basé à Paris depuis 2015\, il est diplômé des Beaux-Arts de Paris en 2021 avec les félicitations du jury. Le projet 2/4 Flea Market prend la forme d’une installation composée de stands de brocante recréés à taille réelle. Une ligne dentelée traverse l’espace et le divise rigoureusement en quatre quarts\, interrompant tables et objets\, laissés volontairement incomplets. Cette frontière suggère une tension au sein de la pièce\, entre les deux quarts investis par une accumulation d’objets propre à ces commerces et deux autres laissés vides\, révélant une friction radicale entre l’espace muséal et le commercial.
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LOCATION:Centre Pompidou-Metz\, Grande nef\, 1 Parvis des Droits de l'Homme\, Metz\, Moselle\, 57000\, France
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SUMMARY:Soto : une traversée cinétique
DESCRIPTION:Une œuvre immersive de Jesús Rafael Soto à la Cité de l’architecture et du patrimoine \nExposition\nConstituée de milliers de tubes jaunes fins et souples\, suspendus\, cette structure monumentale vous invite à pénétrer dans une expérience unique\, convoquant tous vos sens. \nJesús Rafael Soto\, figure majeure de l’art abstrait et du cinétisme (1923-2005)
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LOCATION:Cité de l’Architecture et du Patrimoine\, 1 Place du Trocadéro et du 11 Novembre\, Paris 16\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Nuits Balnéaires : Eboro
DESCRIPTION:La Fondation d’entreprise Hermès a désigné le photographe Nuits Balnéaires comme lauréat de la deuxième édition de Latitudes\, un programme international de soutien à la photographie contemporaine.  \nEBORO s’inscrit dans la continuité du travail artistique de Nuits Balnéaires. Empruntant au genre du conte\, ce corpus d’œuvres a été conçu dans le cadre de Latitudes\, un programme développé par la Fondation d’entreprise Hermès\, en partenariat avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et l’International Center of Photography (ICP) à New York. Eboro désigne la zone liminale\, la frontière et le passage intime de l’âme\, ainsi que le lieu d’origine de l’humanité dans les pensées métaphysiques des peuples N’zima et Agni-Bona\, installés entre la Côte d’Ivoire et le Ghana. Au terme de son existence terrestre\, le double immatériel de l’homme retourne à Eboro pour rejoindre ses ancêtres\, auxquels il doit rendre compte de sa vie sur terre.  \nPour ce corpus d’œuvres\, Nuits Balnéaires propose une lecture transgénérationnelle qui explore les liens entre héritage génétique\, spirituel et géographie culturelle. Il réunit une constellation de figures familiales et mythologiques dans une narration à la fois dense et contemplative\, traversée par une mélancolie lumineuse et une nostalgie vive. Une émotion proche du saudade\, où la mémoire se transforme en véritable espace de création. Le Golfe de Guinée en guise toile de fond\, Eboro a pris forme. Sa production s’est faite le long des côtes sénégalaises et ivoiriennes. Porté par une équipe de talents venant de différents horizons géographiques et culturels. l’œuvre affirme pleinement son ancrage et consolide un dialogue entre territoires\, communautés et mémoire collective. Eboro a pu naître grâce à la participation de Sabali Inc.\, ainsi que l’apport essentiel de la RAW Material Company à Dakar\, avec laquelle l’artiste a collaboré pour approfondir sa recherche.
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SUMMARY:Silla : l'or et le sacré
DESCRIPTION:Grâce à une collaboration exceptionnelle avec le musée national de Gyeongju et d’autres institutions muséales sud-coréennes et françaises\, le musée Guimet présente\, pour la première fois en Europe\, une exposition sur le royaume du Silla (57 av J.-C- 935 après J.-C)\, l’une des civilisations les plus brillantes de l’Asie de l’Est. \nInformations pratiques\n20 mai 2026 – 31 août 2026 \nExposition à venir \nRévélés par les chroniques historiques puis par les fouilles archéologiques\, les arts du Silla apparaissent aujourd’hui comme un héritage vivant\, au cœur de la mémoire culturelle de la péninsule coréenne. Cette présentation inédite met en lumière un royaume où\, durant près d’un millénaire\, art\, spiritualité et pouvoir se sont conjugués pour façonner une culture d’une remarquable richesse. \nDes origines mythiques du Silla\, racontées par les chroniques coréennes médiévales\, à la chute du royaume\, l’exposition se déploie en cinq sections thématiques qui retracent l’histoire\, les expressions artistiques et la mémoire d’un État à la fois puissant et profondément ancré dans des traditions spirituelles. Elle offre une lecture renouvelée de cette civilisation\, révélant la manière dont les dynamiques politiques\, religieuses et esthétiques se sont entremêlées pour produire un héritage qui est parvenu jusqu’à nous. \nCouronne en or\, pendentif\, diadème en or ⓒ Gyeongju National Museum \nTransportés aux origines de la ville-paysage Gyeongju\, au sud-est de la Corée\, les visiteurs découvriront les traces d’une civilisation dont les montagnes\, les immenses « tombes-montagnes »\, les temples et la vie moderne portent encore l’empreinte. Une ville dont les habitants sont pleinement investis dans la protection de leur patrimoine. \nDu 4e au début du 6e siècle\, la période dite maripgan marque une étape décisive dans l’affirmation de l’identité du Silla avec l’essor du clan des Kim. L’or devient la signature éclatante du royaume\, symbole d’un pouvoir consolidé. Les trésors exhumés des tombeaux royaux (couronnes d’or\, parures de jade\, bijoux ouvragés\, grès figuratifs) témoignent d’un savoir-faire exceptionnel et d’un royaume présent sur les routes d’échanges reliant le Japon\, la Chine\, la steppe\, l’Asie centrale et jusqu’aux mondes méditerranéens. Prestige politique et splendeur artistique s’y confondent\, donnant naissance à un langage visuel d’une exceptionnelle inventivité.   \nCeinture et pendentifs en or ⓒ Gyeongju National Museum \nAu cours du Silla unifié (676–935)\, le royaume s’impose comme puissance méridionale dominante\, avec le bouddhisme comme force spirituelle et protectrice du territoire. Les matériaux précieux autrefois réservés aux tombes royales trouvent désormais leur place dans les monastères\, les pagodes\, les reliquaires et les images sacrées. Les trésors de fer\, d’or\, d’argent\, de verre et de pierre du Silla constituent un héritage vivant\, encore perceptible dans le paysage de Gyeongju comme dans la mémoire collective.  \nL’exposition réunit un ensemble exceptionnel de pièces emblématiques\, parmi lesquelles figurent de nombreux trésors nationaux présentés pour la première fois hors de Corée du Sud. Nichée entre montagnes boisées et plaines ondoyantes\, la ville de Gyeongju\, capitale du Silla\, offre encore aujourd’hui l’un des paysages les plus singuliers de Corée du Sud. Pagodes\, tumulus royaux et vestiges monumentaux y dialoguent avec les lignes d’une cité contemporaine attentive à la préservation de son patrimoine. Le visiteur y marche littéralement au cœur de l’histoire\, dans un espace où le passé demeure visible\, habité\, transmis. \nCommissariat : \nArnaud Bertrand\, conservateur des collections Corée – Chine ancienne au musée Guimet \nYim Jaewan\, conservateur senior au musée national de Gyeongju \nYun Seogyeong\, assistante conservatrice au musée national de Gyeongju \nExposition organisée par Guimet – musée national des arts asiatiques et le musée national de Gyeongju (Corée) avec le soutien du Centre Culturel Coréen.
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LOCATION:Musée des Arts Asiatiques Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Youssef Nabil : De rêver encore
DESCRIPTION:Depuis les années 1990\, le photographe-vidéaste franco-égyptien Youssef Nabil\, né en 1972\, construit une œuvre à l’identité visuelle très forte\, à laquelle le musée d’Orsay a contribué de manière déterminante. Sa première visite en France et la découverte des collections du musée en 1992\, demeurent une source d’inspiration qui imprègne son travail depuis plus de trente ans\, comme en témoigne l’autoportrait The Dream (2021)\, en filiation avec Le Rêve de Puvis de Chavannes. Avec cette exposition\, Youssef Nabil est le premier artiste contemporain à investir les salles orientalistes et offre l’occasion de mettre en perspective ses œuvres avec celles qui l’ont marqué\, lesquelles constituent\, avec le symbolisme\, le cœur de ce rapprochement esthétique.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Sorolla. Maître de la Lumière
DESCRIPTION:La Collection Bemberg présente une exposition mettant à l’honneur l’un des plus célèbres peintres espagnols : Joaquín Sorolla !
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LOCATION:Fondation Bemberg\, Hôtel d’Assézat - Place d’Assézat\, Toulouse\, Haute-Garonne\, 31000\, France
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SUMMARY:Kàroly Ferenczy\, Modernité hongroise
DESCRIPTION:Károly Ferenczy (1862-1917) est une figure majeure de la modernité en Europe centrale. Son œuvre l’impose comme l’un des grands peintres du tournant des XIXe et XXe siècles. Par cette première rétrospective française\, le Petit Palais entend mettre en lumière son originalité fondamentale. Membre fondateur d’une colonie d’artistes installée au coeur de la nature hongroise\, Ferenczy fait de la peinture de plein air l’une de ses pratiques les plus emblématiques.
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Hiroshi Sugimoto : Reprendre la mélodie
DESCRIPTION:Le musée Soulages expose l’un des photographes majeurs de notre époque\, Hiroshi Sugimoto\, né en 1948 à Tokyo. Son œuvre photographique\, débutée dans les années 1970 aux Etats-Unis où il s’installe\, est baignée d’une approche philosophique au temps immémorial et millénaire\, une quête des origines qui nourrit également la création de Pierre Soulages. Au-delà de cette conception commune\, Soulages et Sugimoto partagent une même préoccupation pour la lumière et les ombres\, un intérêt formel pour la ligne d’horizon\, l’espace et le déploiement de l’œuvre\, ainsi qu’un lien fort à l’architecture. Bien que les deux artistes ne se soient pas connus\, ces rapprochements conceptuels et formels sont donnés à voir au sein des huit séries d’Hiroshi Sugimoto présentées qui couvrent cinq décennies de création de la fin des années 1970 au début des années 2020. La puissance qui se dégage de l’œuvre d’Hiroshi Sugimoto repose sur une technique virtuose du médium photographique\, que le musée est heureux de célébrer à l’occasion du bicentenaire de la photographie. Ses liens fondamentaux avec la peinture sont tout particulièrement mis à l’honneur au sein de l’exposition\, pensée en résonance avec les collections du musée. L’œuvre de Sugimoto a été exposée dans les musées les plus prestigieux de par le monde : Hayward Gallery de Londres en 2023 ; Château de Versailles\, Tel Aviv Museum of Art\, Musées royaux des Beaux-Arts de Belgique en 2018 ; The Phillips Collection à Washington en 2015 ; au Getty Center de Los Angeles en 2014 ; au Fine Arts Museum of San Francisco ou au National Museum of Art d’Osaka en 2007. \nToute au long de l’exposition l’équipe du musée proposera une riche programmation culturelle (conférences\, événements musicaux\, ateliers de création\, …) ainsi que de nombreuses visites guidées.
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LOCATION:Musée Soulages\, Jardin du Foirail\, 24 Avenue Victor Hugo\, Rodez\, Aveyron\, 12000\, France
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SUMMARY:Cling ! La bande dessinée parle cash
DESCRIPTION:Picsou plonge dans son coffre-fort. Les Dalton braquent une banque. Tintin court après un trésor qui n’existe peut-être pas. Largo Winch hérite d’un empire. Gaston Lagaffe déclare la guerre aux parcmètres. Depuis toujours\, la bande dessinée raconte l’argent à travers ses personnages les plus iconiques. La Monnaie de Paris consacre une grande exposition à cette relation passionnante\, drôle et parfois explosive et plonge le visiteur dans une traversée visuelle : planches originales\, éditions rares\, objets\, extraits de films et créations contemporaines.
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LOCATION:Musée du 11 Conti – Monnaie de Paris\, 11\, quai de Conti\, Paris\, Paris\, 75006\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Afroblue
DESCRIPTION:AFROBLUE : l’usage du bleu dans l’art contemporain d’Afrique. \nQue révèle le bleu dans la création contemporaine d’Afrique et de ses diasporas ?\nDu 9 avril au 19 septembre 2026\, Afroblue réunit 36 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire\, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante\, entre ciel et mer\, corps bleus\, gestes anciens et formes contemporaines\, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui.\nÀ l’étage\, carte blanche à l’artiste Wim Botha avec une installation inédite.\nAfroblue\, une exposition à découvrir cet été à la Gare de Bonnieux.
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LOCATION:Fondation Blachère\, 121\, chemin de coucourdon\, Bonnieux\, Vaucluse\, 84480
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SUMMARY:Les métamorphoses de Guernica
DESCRIPTION:A partir du 8 avril et jusqu’au 6 septembre 2026\, le Musée national Picasso-Paris présentera une expérience en réalité virtuelle inédite consacrée au chef d’œuvre Guernica. \nLes métamorphoses de Guernica\, offre une plongée inédite au cœur de l’un des chefs-d’œuvre majeurs du XXᵉ siècle. Cette expérience en réalité virtuelle retrace l’histoire du tableau monumental de Pablo Picasso\, depuis sa commande pour l’Exposition internationale de Paris en 1937 jusqu’à son statut d’icône\, symbole de la paix. \nL’expérience invite le spectateur à traverser une succession de moments et de lieux marquants : le Pavillon républicain espagnol\, où l’œuvre est révélée pour la première fois au public ; les ruines de la ville basque de Gernika après le bombardement qui inspira le tableau ; l’atelier parisien des Grands-Augustins\, lieu de création de l’œuvre ; enfin les différentes itinérances de la toile\, avant son installation définitive au musée Reina Sofía de Madrid. \nLe récit est porté par les voix de deux témoins privilégiés : celle de l’écrivain Juan Larrea\, membre de la délégation républicaine espagnole\, et celle de Dora Maar\, artiste surréaliste et compagne de l’artiste\, dont l’engagement antifasciste fut déterminant dans la naissance de cette œuvre politique et qui documenta la genèse de l’œuvre à travers une série de photographies.
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LOCATION:Musée Picasso\, Hôtel Salé - 5\, rue Thorigny\, Paris\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Kwame Akoto : Almighty God Art Works
DESCRIPTION:L’exposition revient sur le parcours de Kwame Akoto\, figure majeure de la scène artistique ghanéenne\, dont l’œuvre singulière conjugue peinture populaire et engagement spirituel. \nArtiste et pasteur ghanéen\, Kwame Akoto se distingue par son parcours singulier. En 1972\, il ouvre son atelier à Kumasi\, où il débute comme peintre d’enseignes\, mais il s’affranchit rapidement des commandes commerciales pour développer un univers personnel mêlant foi\, critique sociale et humour. Ancrée dans la vie locale\, son oeuvre est aussi marquée par une vision engagée sur le monde. \nSous le nom d’Almighty God\, il est un prédicateur et une figure respectée de son quartier. Dans son atelier Almighty God Art Works\, il conçoit des images percutantes\, où le texte tient un rôle essentiel. Ses oeuvres mêlent slogans moralisateurs\, messages spirituels et scènes du quotidien\, dans un style direct et sans détour. Le peintre se met aussi fréquemment en scène dans des autoportraits interrogeant le statut du créateur. \nL’exposition rend hommage à cette figure majeure de la scène artistique ouest-africaine contemporaine. Elle explore ses thématiques de prédilection et met en lumière les influences\, les rencontres – notamment avec l’artiste Hervé Di Rosa – et les convictions qui ont façonné sa démarche artistique unique. \nL’exposition bénéficie du soutien de l’Ambassade de France et l’Institut Français au Ghana\, dans le cadre du programme « Création Africa ».
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Les années 80 dans la Collection Lambert
DESCRIPTION:David Armstrong\, Miquel Barceló\, Jean-Michel Basquiat\, Jean-Charles Blais\, Christian Boltanski\, Sarah Charlesworth\, Francesco Clemente\, Robert Combas\, Nan Goldin\, Jenny Holzer\, Barbara Kruger\, Louise Lawler\, Christian Marclay\, Duane Michals\, Bruce Nauman\, Cady Noland\, Kay Rosen\, Julian Schnabel\, Andres Serrano\, Jana Sterbak  \nAfin de renouveler le regard sur les œuvres permanentes conservées à Avignon\, la Collection Lambert ouvre les espaces de l’hôtel de Caumont sans interruption. Les salles accueillent désormais des présentations monographiques d’artistes ou mettent en avant des périodes phares de la collection et de l’histoire de l’art contemporain selon une rotation effectuée tout au long de l’année. \nL’actualité de l’art en France et à l’étranger ou les rencontres avec des artistes issus de toutes les disciplines\, sont autant de prétextes qui alimentent les changements de salles fréquents. Chacune de ces occasions répétées met en lumière toute la richesse de ce fonds avignonnais unique en Europe et insuffle un souffle de vie particulier\, nourrissant une curiosité sans cesse renouvelée pour la Collection Lambert et ses chefs d’œuvres\, à re-visiter en permanence. \nLe titre est emprunté au texte que la célèbre galeriste Paula Cooper écrivait dans le catalogue Rendez-vous\, publié à l’occasion de l’inauguration de la Collection Lambert en 2000 « Recollections : Nous avons donc la plus grande chance qu’Yvon ait rendu sa collection personnelle disponible au public afin que tous puissent la voir\, l’étudier\, y réfléchir et la re-visiter. » \nDans cette décennie des années 1980 qui débute ici en 1977 pour finir en 1994\, se jouent dans la société comme dans l’art de nombreux bouleversements qui ne sont pas sans rappeler nos vies contemporaines. Comme s’il s’agissait de déployer dans les salles du musée les prémices du spectacle qui se déroule aujourd’hui. L’image est là partout : infiltrée dans les moindres recoins de l’intimité de nos vies comme du politique et exerçant sur nos esprits et nos corps un pouvoir sans limite. \nLors de l’exposition de groupe New York/New Wave\, organisée par Diego Cortes au PS1 (New York) en 1981\, Jean-Michel Basquiat se voit offrir un mur entier sur lequel il présente une quinzaine d’œuvres qui le feront remarquer par le monde de l’art new-yorkais. La galeriste Aninna Nosei s’intéresse particulièrement à lui et lui fait savoir. L’idée d’une collaboration entre elle et l’artiste naît très rapidement. Jean-Michel Basquiat impose sa présence dans l’exposition de groupe qu’Annina Nosei prépare dans sa galerie — Public Address — en septembre 1981. L’exposition présente alors des artistes aux langages formels très divers mais réunis par un attachement particulier aux enjeux sociopolitiques de l’époque. On y trouve Bill Beckley\, Mike Glier\, Keith Haring\, Jenny Holzer\, Barbara Kruger ou Peter Nadin. \nAu début des années 1980\, on a souvent associé la trajectoire de la galerie d’Yvon Lambert au retour de la peinture sur la scène et le marché de l’art contemporain\, à travers la présence d’artistes tels que Jean- Michel Basquiat notamment\, Jean-Charles Blais\, Miquel Barcelo\, Robert Combas ou Julian Schnabel. Mais la collection d’œuvres acquises par le marchand-collectionneur raconte une histoire plus complexe de l’art des années 1980\, plus proche du premier état des lieux que dresse l’exposition de la galerie d’Annina Nosei citée précédemment. S’il est vrai qu’une certaine peinture — figurative et expressive — s’implante dans les galeries et institutions avec une vitalité hors norme\, d’autres gestes s’inventent sur les cendres des nouvelles avant-gardes américaines et européennes\, dans un bouillonnement créatif inouï\, en forte résonance avec les bouleversements sociétaux de l’époque.
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LOCATION:Collection Lambert Avignon\, 5 rue Violette\, Avignon\, Vaucluse\, 84000\, France
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SUMMARY:Bonnes mères
DESCRIPTION:Depuis quatre millénaires\, la maternité est au cœur de récits\, de rites et d’images qui façonnent les sociétés. \nL’exposition « Bonnes Mères » consacre ainsi la maternité méditerranéenne comme objet de construction sociale\, enjeu politique et sujet artistique dans un parcours immersif et diachronique retraçant son histoire de l’Antiquité à nos jours\, dans un va-et-vient permanent entre les époques et les œuvres. Des déesses-mères antiques à la Bonne Mère marseillaise\, des mères patriotiques aux artistes contemporaines\, elle interroge les représentations d’une maternité souvent porteuse d’injonctions et dévoile la pluralité des vécus maternels. \nLa scénographie est immersive et solaire ; elle accompagne le visiteur dans un cheminement sensible déroulant un plan en trois sections. « Bonnes Mères » s’ouvre sur les imaginaires liés aux figures traditionnelles de la mère\, souvent idéalisés et fantasmés. Elle s’intéresse ensuite à ses réalités complexes et singulières\, parfois invisibles\, dévoilant des expériences intimes souvent passées sous silence – comme le deuil périnatal ou les interruptions de grossesse. \nL’exposition s’achève par un focus sur la transmission et les liens mère-enfant\, décryptant codes et mimétismes.
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LOCATION:Mucem – Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée\, 7 promenade Robert Laffont (esplanade du J4)\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Louise Nevelson : Mrs. N’s Palace
DESCRIPTION:Icône au style inimitable\, Louise Nevelson est aujourd’hui reconnue comme l’une des sculptrices majeures du XXème siècle. Son art est généralement évoqué à l’aune du cubisme\, du constructivisme\, de Schwitters\, son grand-père imaginaire comme l’avance Arp dans le poème qu’il consacre à l’artiste dans la revue XXème siècle (1960)\, du ready-made ou des pratiques du collage des mouvements dada et surréalistes. Mais ses sources d’inspiration sont bien plus vastes et son œuvre invite à évoluer dans une histoire des arts où la danse et la performance – autour desquels l’exposition s’articule – jouent un rôle de premier plan. Trente ans après sa mort\, son héritage continue de résonner auprès de la jeune scène contemporaine\, jusque dans le monde de la mode.
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LOCATION:Centre Pompidou-Metz\, Grande nef\, 1 Parvis des Droits de l'Homme\, Metz\, Moselle\, 57000\, France
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SUMMARY:La Société des Amis du musée Eugène-Boudin : 70 ans d’engagement et de soutien
DESCRIPTION:À l’occasion de l’exposition célébrant les 70 ans de la SAMEB (Société des Amis du Musée Eugène-Boudin)\, découvrez une programmation spécialement conçue pour accompagner cet événement. \nL’inauguration de l’exposition aura lieu le 28 août à 16h. \nLa SAMEB prend la parole tous les samedis à 16h30 afin de présenter l’exposition\, à l’exception des 29 août\, 26 décembre et 2 janvier 2027.
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LOCATION:MUSÉE EUGÈNE BOUDIN\, rue de l'Homme de Bois - Place Erik Satie\, Honfleur\, Calvados\, 14002
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SUMMARY:Daniel Dezeuze
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris entretient\, par son histoire\, un lien privilégié avec le groupe Supports/Surfaces\, qu’il présenta pour la première fois sous cette appellation à l’ARC en 1970. Parmi ses fondateurs\, Daniel Dezeuze (né en 1942) occupe une place déterminante.  \nFils du peintre Georges Dezeuze (1905-2004)\, il suit librement les cours des Beaux-Arts de Montpellier\, où il rencontre Arnal\, Bioulès\, Grand\, Rouan et Viallat. Son séjour au Mexique en 1964‑65 marque profondément sa peinture\, nourrie des cultures préhispaniques. En Amérique du Nord il découvre ensuite l’école de New York\, de Pollock à Rothko. \nInstallé à Paris en 1967\, il élabore avec Saytour et Viallat les bases de Supports/Surfaces\, menant une réflexion radicale sur l’avenir de la peinture. Cette remise en question de la structure traditionnelle du tableau l’amène à concentrer son travail sur le support lui‑même. Il entreprend alors une véritable « déconstruction » de la toile envisagée comme objet\, affirmant le matérialisme des œuvres et la primauté du processus de création.  \nDezeuze quitte le groupe en 1972 et poursuit une recherche personnelle centrée sur la construction du tableau\, la fragilité des matériaux\, l’économie des moyens et une expérimentation continue. \nVingt œuvres récentes rejoignent aujourd’hui les collections du Musée d’Art moderne\, une acquisition exceptionnelle qui permet de retraçer son parcours depuis 1982. Elles témoignent de son goût pour le remploi (portes\, panneaux\, skis)\, l’assemblage\, la couleur génératrice de formes et l’importance du vide. Les références à l’histoire de l’art (Mondrian)\, au Moyen Âge\, aux cultures mésoaméricaines ou à la calligraphie traversent et nourrissent l’ensemble de son travail des quarante dernières années.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Stéphane Bordarier
DESCRIPTION:Depuis le milieu des années 1980\, Stéphane Bordarier (né en 1953) développe une œuvre s’inscrivant dans cette mouvance historique qui voit la peinture devenir son propre sujet. Singulière dans le paysage de l’art contemporain\, sa pratique\, attentive à ce qu’il nomme la « qualité de surface »\, repose sur un équilibre entre contraintes imposées et liberté du geste. \nRéduisant progressivement son langage pictural à l’essentiel — une couleur\, une forme — Stéphane Bordarier explore les potentialités d’une peinture à la fois rigoureuse et profondément sensible. Ses œuvres naissent d’un processus immuable : sur une toile tendue sur châssis et enduite de colle de peau tiède\, il applique le pigment pendant le temps de prise de la colle. L’artiste se dit alors « chassé » de la toile par la matière qui se fixe\, déterminant l’achèvement du tableau : couleur et forme s’accordent dans une résolution propre à chaque œuvre. Généralement réduite à une seule tonalité\, la surface de la toile acquiert\, par l’imprégnation du pigment mêlé à la colle\, un aspect mat et une intensité particulière. Le tableau se construit ainsi dans une relation étroite au temps.  \nDans la série des Noires\, la couleur\, issue d’un mélange de deux tons à même la toile\, n’apparaît jamais comme une valeur fixe ou absolue mais révèle une profondeur chromatique subtile. Ces œuvres\, traversées de nuances changeantes\, sensibles à la lumière et au déplacement du regard\, laissent percevoir leur processus de réalisation. \nPendant près de trente ans\, la Galerie Jean Fournier à Paris a accompagné et présenté le travail de Stéphane Bordarier. Il est aujourd’hui représenté par la Galerie Dina Vierny. \nGrâce à une acquisition récente complétée par un don de l’artiste\, cinq œuvres de Stéphane Bordarier ont intégré les collections du musée en 2026. Elles sont présentées ici aux côtés de plusieurs prêts provenant de l’atelier\, offrant un aperçu significatif de son parcours et de ses recherches picturales.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Mariella Simoni
DESCRIPTION:La trajectoire artistique singulière de Mariella Simoni (née en 1948) revisite les articulations entre art conceptuel et abstraction\, entre poésie et matière. Originaire de la région du lac de Garde en Italie\, l’artiste étudie l’histoire de l’art à Parme\, ainsi que la philosophie et la psychanalyse. Ses premières œuvres\, au milieu des années 1970\, affirment d’emblée son intérêt pour les développements organiques et le mouvement du vivant\, en recourant à l’usage d’objets en déséquilibre\, ou de plantes envahissant les espaces d’expositions.  \nSon passage à la peinture en 1982 peut être perçu comme le prolongement dans l’espace pictural de ces questionnements. La matière conserve dans ses tableaux cette même vivacité. La trace des gestes de l’artiste\, la sédimentation des couches de peinture\, témoignent de la temporalité parfois longue de leur conception. Elle s’installe à Vienne à cette époque et se lie avec plusieurs artistes qui partagent ses préoccupations\, comme Herbert Brandl\, Otto Zitko\, proches des Junge Wilde\, ou Franz West. Elle participe à plusieurs expositions organisées dans la galerie de Peter Pakesch\, puis est invitée à exposer à la Documenta IX\, manifestation internationale d’art contemporain\, à Kassel\, en 1992. \nArtiste en mouvement\, l’œuvre de Mariella Simoni évolue au fil des villes où elle séjourne : Athènes\, Paris\, Gand\, New York… Elle se tourne occasionnellement vers la sculpture ou l’installation. Les variations de formats\, de supports\, de dominantes de couleurs\, de contrastes\, viennent constamment remettre en jeu sa pratique\, comme le montrent ses récentes productions\, qui manifestent une plus grande économie dans l’usage des matières\, et un autre rapport au relief. La présentation de cet ensemble d’œuvres nouvellement acquises auprès de l’artiste et de Peter Pakesch témoigne de l’intensité de cette recherche artistique.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Triboulet : The Xtreme Show
DESCRIPTION:Du 18 juillet au 13 décembre\, la Fondation du doute présente la première exposition d’ampleur consacrée à l’artiste Clément Courgeon. Prenant la forme d’un environnement à la fois joyeux et forain traversé par l’absurde et le grotesque\, elle se déploiera sur plus de 200 m² où s’enchevêtrent pratiques performatives et plastiques (installations\, vidéos\, dessins\, collages\, sculptures\, costumes…).
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LOCATION:Fondation du Doute\, 14 Rue de la Paix\, Blois\, Loir-et-Cher\, 41000\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Invitation à Daniel Buren. Plantations\, travaux in situ
DESCRIPTION:Daniel Buren utilise ici son fameux outil visuel – des bandes verticales alternativement blanches et colorées de 8\,7 cm –\, qui lui permet de révéler et de souligner le lieu et tout son contexte dans des travaux in situ. Là où Monet et Caillebotte peignaient les frémissements de l’eau\, des paysages ou du ciel\, l’artiste inscrit ses formes et couleurs dans l’espace même où le public se déplace\, faisant de la perception un phénomène mouvant et toujours renouvelé. Au sein des galeries\, l’exposition fait en outre cohabiter les chefs-d’œuvre de la collection du musée – allant de l’impressionnisme à la création contemporaine – et le travail de Daniel Buren\, dans une invitation placée sous le signe de la couleur.
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LOCATION:Musée des Impressionnismes – Giverny\, 99\, rue Claude-Monet\, Giverny\, Eure\, 27620\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Calder : Équilibre en couleurs
DESCRIPTION:Figure emblématique du XXe siècle\, Alexander Calder (1898-1976) est connu pour ses célèbres mobiles et stabiles\, sculptures mouvantes où les couleurs semblent flotter\, suspendues dans l’air. Son travail s’impose comme un nouveau langage artistique dans lequel la notion d’équilibre occupe une place essentielle. \nÀ côté de ses sculptures\, Alexander Calder développe une importante pratique du dessin et de la peinture sur papier. Parmi ses techniques de prédilection\, la gouache tient une place essentielle\, avec une palette souvent associée aux couleurs primaires. Plus tard\, l’utilisation de la lithographie devient le prolongement logique de son travail graphique. Cette technique sera mise en avant grâce à son amitié avec Aimé et Marguerite Maeght\, couple emblématique de la scène artistique d’avant-garde et grands diffuseurs d’art. \nCette exposition\, réalisée en partenariat avec la Fondation Maeght\, met en lumière le travail essentiel d’Alexandre Calder ainsi que sa relation avec le couple Maeght\, dont le soutien a largement contribué au rayonnement de son œuvre. \nÀ travers une sélection de 69 œuvres issues de la collection\, cette exposition dévoile gouaches\, lithographies\, bronzes\, encres et mobiles\, révélant toute la diversité d’un artiste précurseur qui a su faire du mouvement une œuvre et de l’équilibre\, un art.
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LOCATION:La Banque – Musée des Cultures et du Paysage\, 14 avenue Joseph Clotis\, Hyères\, Var\, 83400\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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