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SUMMARY:Carnets d’Henri Gaudin\, itinéraire sensible d'un architecte
DESCRIPTION:Architecte majeur et inclassable\, Henri Gaudin a consigné pendant plus de quarante ans dessins\, textes et intuitions dans des carnets foisonnants. Donnés en 2023 à la BnF\, ces carnets sont aujourd’hui exposés sur le site François-Mitterrand. Leur étude se révèle extrêmement précieuse pour la compréhension de son travail et\, plus largement\, pour saisir de manière sensible toute une époque.
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LOCATION:Bibliothèque nationale de France – site François-Mitterrand\, 11 quai François-Mauriac\, Paris\, Paris\, 75013\, France
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SUMMARY:La Teinte (avec l’association Pointe et Burin)
DESCRIPTION:Cette exposition est la seconde partie d’un projet autour de la main du graveur\, du XVIIIème siècle à aujourd’hui : l’entaille (la gravure par le trait – exposition 2025) et la teinte (la gravure par la surface – exposition 2026).  \nL’exposition La Teinte sera centrée sur une gravure qui s’exprime avant tout par surfaces\, couleurs ou demi-teinte. Elle mettra en avant ses différentes techniques de gravure : aquatinte et manière noire\, morsure directe\, au sucre\, carborandum\, taille d’épargne. \nFaire se rencontrer l’histoire et le présent\nFidèle à son habitude\, l’association Pointe & Burin explore la thématique de l’exposition à travers les âges. Avec le soutien de l’association de collectionneurs « Les Amateurs d’estampes »\, des gravures anciennes d’artistes des trois derniers siècles seront ainsi exposées notamment : Francisco de Goya (1746- 1828)\, John Dean (1750-1798)\, Katsushika Hokusai (1760-1849)\, Félicien Rops (1833-1898)\, Eugène Delâtre (1864-1938)\, Jacques Villon (1875 -1963)\, Marc Chagall (1887-1985)\, Stanley William Hayter (1901-1988)\, etc. Historiquement\, certains graveurs virtuoses ont été à la base d’inventions\, notamment pour retraduire en multiples les oeuvres de peintes et de dessinateurs\, estampes appelées gravure d’interprétation ou de reproduction. \n30 graveurs contemporains\nMikio Watanabé sera l’invité d’honneur avec ses gravures à la manière noire Modelés de nus\, ou paysages d’ombres et de lumière\, ces oeuvres illustrent parfaitement la thématique de l’exposition. Il réalisera l’une des deux gravures de souscription. La seconde sera réalisée à l’aquatinte par Lucio Mosner. Un hommage sera rendu à Véronique Laurent- Denieuil\, virtuose de la technique de l’aquatinte au sucre\, disparue trop tôt. Avec Yvonne Alexieff\, Roberto Ati\, Hélène Baumel\, Quentin Berton\, Caroline Bouyer\, Guy Braun\, Anaïs Charras\, Clémence Fernando\, Pablo Flaiszman\, Lise Follier\, Baptiste Fompeyrine\, Isabelle de Font-Réaulx\, Yves Guezet\, Nicole Guézou\, Florence Hinneburg\, Corinne Lepeytre\, Jean-Michel Mathieux-Marie\, Marie-Clémentine Marès\, Hélène Midol\, Dominique Moindraut\, Lucio Mosner\, Isabelle Panaud\, Toni Pecoraro\, Maxime Préaud\, Véronique Sustrac\, Hélène Varchavsky\, Christiane Vielle\, Raúl Villullas\, Kanako Watanabé\, Mikio Watanabé.
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SUMMARY:Prix GRAViX 2026
DESCRIPTION:La Fondation Taylor et le fonds de dotation GRAViX présentent le travail de gravure des 10 artistes sélectionnés pour le prix GRAViX 2026. Le prix GRAViX a pour objet d’encourager la gravure et l’estampe contemporaine\, d’en faire connaître les\ndifférentes techniques et de soutenir de jeunes artistes. Destiné à aider de jeunes graveurs résidant en France\, en particulier à les présenter dans des lieux d’exposition reconnus\, et à informer les publics intéressés sur les différentes techniques de la gravure (taille douce et taille d’épargne)\, GRAViX a été fondé en 1984. Son conseil d’administration\, présidé par Bernadette Boustany\, est comme son jury composé de conservateurs\, d’artistes\, d’universitaires\, de collectionneurs\, d’artisans\, taille-douciers\, pressiers et de membres d’association\, tous s’intéressant à l’estampe. La Fondation Taylor accueille depuis 2017 tous les deux ans l’exposition de Gravix.  \nDepuis 1989\, GRAVIX décerne un prix de 8 000 euros à l’un des dix artistes sélectionnés sur dossier et tous\ninvités à exposer dans l’Atelier de la Fondation Taylor. Le prix GRAVIX 2026 sera décerné le 7 mai\, jour de\nl’ouverture de l’exposition. \nLes finalistes de la sélection 2026 sont :\nCharles-Elie DELPRAT – Paul DIEMUNSCH – Mila GOMEZ – Léo PAUL – Jean-Baptiste PETIT – Lucile PIKETTY – Amélie ROYER – Marius TESSIER – Anthea G.M. Vecchia – Louis ZIÉGLÉ
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SUMMARY:Super Cabane ! Exposition du Concours Mini Maousse 10
DESCRIPTION:Depuis 2003\, le concours de microarchitecture Mini Maousse invite les étudiants en architecture\, design\, art\, paysage et ingénierie à explorer la petite échelle avec inventivité et poésie. La 10ème édition du concours Super Cabane ! propose de réinventer l’action de construire en plaçant le « care »\, l’attention et le partage au coeur de l’architecture. \nLes étudiants en art\, architecture et design ont été invités à participer à la dixième édition du concours Mini Maousse\, intitulée « Supercabane ! ». Ce concours leur propose d’imaginer une cabane réalisée à partir de matériaux recyclés\, destinée à être installée dans une cour d’école et à devenir un espace de jeu et de pédagogie. Trois productions étaient attendues : un conte\, un jeu et un projet de Supercabane. \nSupercabane ! invite à repenser nos manières d’habiter et de prendre soin du monde\, en accompagnant les milieux habités et en sensibilisant les plus jeunes\, ainsi que le grand public\, aux enjeux écologiques.  \nCette édition encourage un travail en lien avec les enfants afin de construire ensemble les villes soutenables de demain. Elle a été pensée pour et avec les enfants des écoles primaires pour participer à une fabrique écologique des futurs urbains\, et leur donner envie de construire ensemble de manière ludique. \nL’exposition présente les projets lauréats du concours\, ainsi qu’une sélection de 59 cabanes conçues par des architectes\, des dessins de Roland Shön\, et une version de Mini Maousse destinée aux écoles\, collèges et lycées.
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LOCATION:Cité de l’Architecture et du Patrimoine\, 1 Place du Trocadéro et du 11 Novembre\, Paris 16\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Clara Bryon : Matière du temps
DESCRIPTION:Pour la période estivale 2026\, entre le mois de mai et le mois de juillet\, le Nouvel Institut Franco-Chinois a le plaisir d’accueillir le travail de l’artiste Clara Bryon \n« Matière du temps »\n« Chez Clara Bryon\, portes\, murs et fenêtres\, ressemblent à des blessures. Il ne faut pas les refermer trop vite\, mais éprouver physiquement qu’à travers elles\, une guérison va surgir. Portes\, murs et fenêtres ressemblent à des visages qui depuis leur obscurité d’êtres humains\, laissent passer une lumière de petit matin.\nClara Bryon sait ce qui lui est essentiel dans la vie comme dans son art\, rétablir des circulations d’énergie et puiser à un souffle intérieur et… cosmique. Et cela même qu’elle est venue chercher en Chine relève d’un travail exigeant. Depuis un certain temps\, l’artiste se tenait sur le seuil de la Chine\, attendant le bon moment pour faire le grand saut dans un inconnu qui lui était malgré tout familier.
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LOCATION:Musée du Nouvel Institut Franco-Chinois\, 2\, rue Soeur Bouvier\, Lyon\, Rhône\, 69005
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SUMMARY:Kazuo Kitai : l'éloge du quotidien. Soixante ans à photographier le Japon
DESCRIPTION:Le photographe Kazuo Kitai est l’un des grands maîtres de la photographie japonaise\, pourtant encore peu connu en Europe. Depuis les années 1960\, il documente la société japonaise « de l’intérieur » : mouvements étudiants\, luttes paysannes\, villages voués à disparaître\, banlieues en plein essor\, instants ordinaires… Cette rétrospective permet ainsi de saisir l’évolution d’un regard profondément humaniste\, attentif aux transformations du Japon et à la mémoire de ceux qui l’habitent. À travers près de 130 tirages\, elle offre une traversée complète de son œuvre\, depuis les séries militantes des années 1960-1970 jusqu’à ses travaux les plus récents réalisés chez lui.  \nL’exposition s’articule autour de quatre sections : la première Se révolter / Sanrizuka\, Résistance\, Barricades\, revient sur les débuts de Kitai notamment au travers de ses séries sur les luttes étudiantes. Puis avec La vie à la campagne / Paysages vaguement familiers\, Vers les villages\, le visiteur est immergé dans la mélancolie de la campagne japonaise des années 1970. La troisième section intitulée Vivre en milieu urbain / Funabashi Story\, Histoires de Shinsekai donne à appréhender le quotidien de la classe moyenne dans les villes-dortoirs de la banlieue de Tokyo dans les années 1980\, ainsi que le quartier populaire de Shinsekai à Osaka. L’exposition se clôture par une section dédiée à un travail plus intimiste du photographe (Promenades avec mon Leica) et sur l’une de ses dernières séries\, IROHA\, qui témoigne de sa capacité intacte à se renouveler à 80 ans. \nCommissariat : Satomi Fujimura (Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture\, Arts Council Tokyo)
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LOCATION:Maison de la culture du Japon\, 101 bis quai Branly\, Paris 15\, Paris\, 75015\, France
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SUMMARY:Racines :  exposition des résidents de la Fondation suisse
DESCRIPTION:À la Cité internationale universitaire de Paris\, une question revient souvent lors des premières rencontres : « D’où viens-tu ? ».\nDerrière cette simple question se cachent des histoires\, des parcours\, des cultures multiples. On échange\, on découvre\, on se rapproche… et l’on réalise qu’au sein d’un même pays\, les différences sont riches et nombreuses. \nCette exposition est une invitation à plonger au cœur de cette diversité : qui sont ces étudiant.es venu.es d’ici et d’ailleurs ? Comment se tissent les liens entre eux\, au quotidien\, dans ce lieu unique de vie et de partage ?
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LOCATION:Fondation Suisse – Pavillon Le Corbusier\, 7\, boulevard Jourdan  - Cité universitaire\, Paris\, Paris\, 75014
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SUMMARY:Shin Sung-Hy : Coller\, couturer\, nouer
DESCRIPTION:Dans le cadre de la célébration du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée\, le musée Cernuschi vous propose de découvrir\, à l’occasion d’une exposition monographique\, une trentaine d’oeuvres de l’artiste coréen Shin Sung Hy (1948-2009).
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LOCATION:Musée Cernuschi\, Hôtel particulier - 7 avenue Vélasquez\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Thierry Lefort présenté par Yoyo Maeght
DESCRIPTION:Du 15 avril au 19 juillet (mercredi\, samedi et dimanche de 13h à 18h) découvrez le travail de l’artiste Thierry Lefort à la Maison de Fer \nPour faire suite à la réalisation de sa fresque monumentale\, située sur le pôle gare (financée par GPSEO dans le cadre du projet Un mur\, une œuvre) la ville de Poissy invite Thierry Lefort et la Galeriste Yoyo Maeght à investir la salle d’exposition du premier étage de la Maison de Fer pour un exposition temporaire.\nL’artiste y présentera les coulisses de la réalisation de son film « The Stetson »\, tourné à Los Angeles autour de la piscine du célèbre Georgian Hotel de Santa Monica (Californie).\nLe film y sera présenté en avant-première ainsi qu’une trentaine d’œuvres préparatoires (dessins\, toiles\, photos…).\nLe public pourra également découvrir les esquisses et dessins originaux de la fresque de Poissy.\nUne plongée inédite dans le travail de cet artiste peintre singulier racontée par lui au moyen d’un dispositif d’audioguide immersif. \nThierry Lefort  \nThierry Lefort s’est emparé de la peinture dès l’âge de douze ans dans un élan instinctif\, vierge de tout apprentissage théorique. Cette première rencontre avec les crayons et les pastels fut une révélation immédiate\, lui permettant de forger sa propre manière d’appréhender la lumière\, les couleurs et la beauté du monde. Ce parcours autodidacte s’est enrichi plus tard par la pratique de la calligraphie chinoise dans la province du Henan\, une expérience déterminante qui a conféré à son travail une netteté du trait et une discipline du geste devenues aujourd’hui sa signature. L’œuvre de Thierry Lefort incarne une véritable « Renaissance de la Figuration »\, marquée par une quête de simplicité\, d’élégance et de spiritualité. S’inscrivant dans la lignée de Paul Cézanne\, qu’il admire profondément\, l’artiste ne cherche pas la copie servile de la nature mais la réalisation de ses propres sensations. Pour lui\, l’acte de peindre exige une obéissance telle qu’il confine à l’hypnose\, arrachant le peintre à sa propre personne jusqu’à faire disparaître le temps et le monde environnant. À travers ses toiles\, il invite ainsi le spectateur à atteindre ses propres ressentis profonds. \nLa force de sa démarche réside dans sa capacité à transcender le monde industriel et urbain. Peignant « sur le motif »\, Thierry Lefort explore des lieux souvent délaissés par le regard artistique\, tels que des gares\, des usines\, des ponts ou de simples parkings. S’il choisit de ne pas représenter l’humain\, sa présence y est toujours soupçonnée. L’artiste ne livre pas une image fidèle du décor ; le sujet n’est pour lui qu’un alibi\, le point de départ d’une composition complexe où les masses et les couleurs sont contraintes à un équilibre parfait\, offrant un regard résolument enthousiaste et optimiste sur notre quotidien. \nSa carrière a pris une dimension internationale majeure sous l’impulsion de sa collaboration avec Yoyo Maeght\, débutée à Paris en septembre 2021. Ce partenariat a rapidement donné lieu à des éditions d’estampes très recherchées\, avant de s’étendre à la scène américaine en 2022. Invitée par la ville de Burbank\, capitale mondiale des médias au cœur du comté de Los Angeles\, Thierry Lefort y a réalisé une œuvre monumentale de plus de 150 m². Durant ce séjour californien\, il a également exploré le contraste des échelles en créant la série Hualapaï dans le Grand Canyon\, peignant l’immensité sur des formats minuscules alors qu’il achevait son mur géant\, un processus créatif intégralement filmé pour un futur documentaire. L’actualité récente de l’artiste témoigne d’une effervescence continue\, marquée par l’inauguration de son nouvel atelier en juin 2023 lors de journées de rencontre privilégiées avec son public. L’année 2024 s’ouvre sous le signe d’une consécration parisienne avec une nouvelle exposition organisée par Yoyo Maeght. Présentant un ensemble de peintures\, d’œuvres sur papier et d’estampes\, cet événement bénéficie de l’éclairage littéraire de l’écrivain Jean-Christophe Grangé\, dont le texte accompagne cette présentation et souligne la profondeur intellectuelle de l’univers de Thierry Lefort.\nhttps://www.thierrylefort.com/ \nYoyo Maeght \nHéritière d’une lignée qui a façonné l’histoire de l’art du XXe siècle\,Yoyo Maeght a grandi dans l’intimité des plus grands créateurs\, de Miró à Giacometti en passant par Chagall et Prévert. De cette enfance passée dans l’effervescence des vernissages entre Paris\, Saint-Paul-de-Vence et New York\, elle a puisé une sensibilité artistique unique et une expertise rare. Petite-fi lle d’Aimé Maeght\, le visionnaire fondateur de la Fondation Maeght\, elle a hérité de son audace et de sa détermination\, occupant successivement les fonctions d’administratrice de la Fondation Marguerite et Aimé Maeght\, de la Galerie Maeght et de PDG de Maeght Éditeur. \nAujourd’hui figure incontournable du monde de l’art\, elle déploie une activité polymorphe en tant que galeriste\, éditrice et commissaire d’expositions. Son influence dépasse largement les frontières françaises : pionnière\, elle fut la première à organiser des expositions de maîtres tels que Braque ou Calder en Tchécoslovaquie avant la chute du Mur de Berlin\, et à introduire Miró en Turquie. Avec plus de cinquante expositions internationales à son actif\, elle collabore avec les institutions les plus prestigieuses\, du Centre Pompidou à la Royal Academy de Londres\, jusqu’aux grands musées de Pékin et Shanghai. Son talent pour la mise en scène et la communication a notamment permis à l’exposition « Giacometti & Maeght » de devenir le plus grand succès historique de la Fondation Maeght. \nAu-delà de l’organisation d’événements\, Yoyo Maeght est une passeuse de savoir engagée. Auteure de plusieurs ouvrages\, dont le best-seller La Saga Maeght où elle retrace avec émotion et lucidité l’épopée de sa famille\, elle est également co-auteure d’un documentaire de référence diffusé sur Arte. Très présente sur les réseaux sociaux\, elle partage sa passion avec une vaste communauté d’internautes\, tout en transmettant son expertise au sein d’écoles renommées comme l’IESA\, l’ICART ou la Sorbonne. Cette femme d’action a mené en parallèle une carrière de magistrate consulaire au Tribunal de Commerce de Paris\, une fonction qu’elle a exercé avec une spécialisation dans le traitement des difficultés des entreprises et la médiation. Son parcours d’exception\, à la croisée du mécénat privé et du service public\, a été salué par de nombreuses distinctions\, dont le titre de Chevalière de l’ordre national du Mérite et celui de l’ordre des Arts et des Lettres\, la médaille de la Ville de Paris ainsi que le Prix Montblanc de la Culture.\nhttps://yoyomaeght.com/ \n 
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SUMMARY:La poudre et l’encre : une conversation avec Patrick Boucheron
DESCRIPTION:La bibliothèque de l’Arsenal expose une sélection exceptionnelle de pièces issues de ses collections\, choisies par l’historien Patrick Boucheron pour nourrir un dialogue avec les conservateurs de la bibliothèque sur le thème des livres et de la violence.
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LOCATION:Bibliothèque de l’Arsenal\, 1\, rue de Sully\, Paris\, Paris\, 75004
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SUMMARY:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
DESCRIPTION:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
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LOCATION:MUSÉE CAMILLE CLAUDEL\, 10\, rue Gustave Flaubert\, Nogent-sur-Seine\, Aube\, 10400
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SUMMARY:Peter Doig
DESCRIPTION:À partir du 10 avril\, la Fondation Le Corbusier présentera à la Maison La Roche une exposition de Peter Doig\, figure majeure de la peinture contemporaine\, dont les œuvres sont conservées dans de grandes institutions telles que la Tate\, le Museum of Modern Art ou le Centre Pompidou. \nSa peinture s’appuie sur des images issues de souvenirs\, de photographies ou de films\, pour créer des espaces où le réel glisse vers l’onirique. Ses paysages — forêts\, étendues d’eau ou architectures isolées — deviennent des territoires sensibles\, atmosphériques\, à la frontière de la figuration et de l’abstraction. \nDans les années 1990\, un séjour à l’Unité d’Habitation de Briey\, conçue par Le Corbusier\, marque son rapport à l’architecture et au paysage habité. Sans s’y référer directement\, l’exposition présentée à la Maison La Roche prolonge cette attention aux lieux et à leur pouvoir d’imaginaire. \nL’exposition réunit une quinzaine d’œuvres\, dont plusieurs peintures récentes et inédites\, parmi lesquelles des formats monumentaux spécialement présentés pour cette occasion. Cet ensemble met en lumière l’évolution la plus actuelle de son travail\, où la matière picturale\, la couleur et la composition gagnent en liberté et en intensité\, dans une approche désormais marquée par un dialogue avec la musique.
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LOCATION:Fondation Le Corbusier – Maison La Roche\, 10 square du Docteur Blanche\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Tania Mouraud : Glissando
DESCRIPTION:Le musée des Beaux-Arts a le grand plaisir d’accueillir la grande artiste française Tania Mouraud. Née à Paris en 1942\, l’artiste développe depuis la fin des années 1960 une œuvre engagée et protéiforme\, à la croisée de la peinture\, de l’installation\, de la photographie\, de la vidéo\, du son et de la performance. Les 5 œuvres présentées dans Glissando\, pensées autour des proverbes yiddish\, se répondent pour écrire la partition d’un chant de révolte. Face aux violences qui marquent actuellement le monde\, Tania Mouraud nous rappelle que nous pouvons toujours tirer des leçons du passé et qu’il nous appartient d’écrire les prochains chapitres de notre Histoire commune. \nComme une lente transition musicale\, l’exposition relie l’intime au collectif et nous appelle à briser le silence\, jusqu’à faire retentir si nécessaire un vacarme à réveiller les mort.e.s.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Nancy\, 3\, place Stanislas\, Nancy\, Meurthe-et-Moselle\, 54000\, France
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SUMMARY:Marilyn Monroe
DESCRIPTION:« Je peux être intelligente quand c’est important\, mais la plupart des hommes n’aiment pas ça. » La célèbre réplique des Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953) pourrait\, dans un sens\, bien résumer les choses : Marilyn Monroe affronte l’impitoyable système des studios pendant sa courte carrière d’actrice à Hollywood (1946-1962) et reste aujourd’hui autant déconsidérée\, comme interprète\, qu’adulée en tant que star. Du fait de ses possibilités scénographiques\, l’exposition est particulièrement appropriée à l’opulence visuelle que Monroe cristallise dans les années 50. Sa trajectoire à l’heure du Technicolor et de l’écran large s’illustre par le matériel publicitaire glamour\, la garde-robe sexy\, les portraits d’artistes de renom (Eve Arnold\, Richard Avedon\, Andy Warhol…) mais aussi les actualités analysant chaque décision de la célébrité. Ou commentant sa disparition qui ouvre\, à l’âge de 36 ans\, le spectaculaire chapitre de « sa vie » post mortem. Cet héritage est célébré dans une installation inspirée de la culture ballroom que Madonna – incarnation de la pop culture dans sa capacité à s’approprier les tendances pour les faire rayonner – popularise bien avant Drag Race. \nSéparer la star de l’actrice ?\nMonroe est d’abord connue en tant que phénomène culturel\, dont on se souvient à travers ses photographies davantage que ses films. Elle est plus rarement appréhendée comme une actrice qui incarne et compose des rôles à l’écran. L’un des enjeux de l’exposition est de remettre ses performances cinématographiques au centre et de proposer aux visiteurs de les regarder autrement. Car à ce jour\, c’est comme si ses rôles étaient le simple reflet d’états émotionnels\, éprouvés sur des tournages chaotiques\, et plus proches de la névrose que de la mystérieuse profondeur psychologique des autres comédiens passés par l’Actors Studio. \nLa célébration de son centenaire repose sur un deuxième constat : Monroe est traversée par toutes sortes de légendes\, et sa foisonnante exégèse biographique converge vers l’irrésoluble question : quelle est la « vraie femme » derrière le sex-symbol ? Or\, ce que l’on sait de Monroe est pour beaucoup documenté par des témoignages contradictoires\, et ces lectures semblent elles-mêmes s’adosser à certaines préconceptions\, à la fois des icônes hollywoodiennes\, mais aussi des femmes en général. L’exposition propose ainsi de regarder non pas seulement l’actrice\, mais aussi les croyances qui ont participé à l’émergence de la star au sein des studios\, et l’ont accompagnée tout au long de sa carrière. \nL’interprétation à l’écran\nAu mieux\, on concède que Monroe était une bonne actrice de comédies\, mais l’idée la plus courante est qu’elle ne jouait que son propre rôle. Les observations de ses proches et collaborateurs ne relèvent pas\, à l’époque\, d’une malveillance particulière\, mais le recul du temps montre à quel point elles contribuent à la disqualifier : « Elle savait exactement quel effet elle avait sur les hommes. Et c’est tout » (Fritz Lang)\, « Elle ne jouait pas » (John Huston)\, « Dans tout ce qu’elle fait\, elle est « elle-même » » (Arthur Miller). En abolissant le rapport entre être et incarner\, ces commentaires masquent le fait que Monroe pensait ses rôles\, les préparait et au-delà\, l’interprétation comme création. \nOr\, l’actrice ne joue pas les « blondes idiotes »\, vamps et autres séductrices invariablement\, quel que soit le metteur en scène\, ou les conventions associées aux genres cinématographiques. Comme le démontre Acting in the Cinema (1988) de James Naremore – contributeur du catalogue –\, observer minutieusement les expressions du visage\, s’attarder sur les gestes dans un cadre et les rapports aux partenaires de jeu permet de montrer un travail de composition\, un style\, un talent. Chez Monroe\, ceci s’illustre déjà dans sa palette d’émotions plus vaste que celle des autres acteurs de Quand la ville dort de Huston (1950) et ce\, malgré la brièveté de ses apparitions. Sa formation au jeu ou les écarts subtils qu’elle crée\, à l’écran\, avec l’image attendue de la star\, sont d’autres moyens de saisir ses stratégies d’actrice dans un système esthétiquement et économiquement contraignant. \nDécris-moi ta Marilyn et je te dirai qui tu es\nAu-delà de nos habitudes de cinéphiles aimant décrypter les films au prisme des réalisateurs-auteurs\, on peine à appréhender Monroe comme comédienne à cause de la naïveté qui lui est associée. Et pour comprendre pourquoi nous tendons à la voir seulement « prendre la pose »\, telle une mannequin\, et pourquoi l’innocence est au cœur de son identité\, il faut revenir au fonctionnement du star-system. Difficile de passer à côté des travaux de Richard Dyer (également dans le catalogue) qui propose en 1986 l’idée suivante : Monroe cristallise les contradictions des années 50\, à la fois puritaines et obsédées par la sexualité\, par sa supposée spontanéité\, provenant de son image de pin-up. \nEn 1945\, devenir modèle permet à Monroe de divorcer et d’échapper à sa condition d’ouvrière. Elle se propulse en moins d’un an en couverture de nombreux magazines. La Twentieth Century Fox reprend cet idéal de femme enjouée\, érotisée sans jamais être vulgaire\, dès ses premiers films. Mais aussi dans toutes ses apparitions publiques et tout le matériel promotionnel\, élaboré par les départements de publicité du studio à renfort de fictions sur la jeune recrue. Les critères promotionnels de la Mmm Girl seront repris par ses premiers biographes\, dont les données sont encore recyclées aujourd’hui. En bref\, comme le résume Sarah Churchwell dans son historiographie critique des biographies existantes sur Monroe : les croyances précèdent souvent les faits et elles en disent plus sur nous que sur la star. \nExposer Marilyn\nDans Sept ans de réflexion (1955)\, Billy Wilder et Monroe proposent la version la plus parodique et exhibitionniste de la pin-up. Cette même année\, l’ambition de l’actrice qui cherche à accéder à des rôles plus complexes – en premier lieu Bus Stop de Joshua Logan (1956) – correspond à la dégradation de son image publique\, désormais teintée d’échec\, comme si ses prétentions artistiques avaient été sanctionnées. Ses aspirations personnelles auront\, de fait\, du mal à aboutir\, tant son symbole de « blonde idiote » a la vie dure. Cette tension entre les deux est la source des innombrables légendes\, décuplées par sa mort brutale et l’éparpillement de ses biens. Exposer Marilyn Monroe\, c’est ainsi d’abord se confronter à un certain type de discours (teinté d’une fascination pour la mort d’une belle jeune femme) et à un accès relativement difficile aux archives qui nourrissent\, main dans la main\, le mythe. \n« Sois raisonnable\, chérie\, on ne met pas de muscles dans un compte en banque »\, conseille le personnage incarné par Monroe à son amie Dorothy\, irrépressiblement attirée par les silhouettes athlétiques dans Les hommes préfèrent les blondes. La star\, tout juste promue sex-symbol international\, est déjà elle-même un capital fructueux dont on pourrait commodément dire que l’essentiel est aujourd’hui détenu par une poignée de milliardaires : qu’il s’agisse de ses effets personnels – entre les mains de collectionneurs privés – ou de ses droits et revenus\, exploités par une holding financière. Le mythe est là pour perdurer. \nFlorence Tissot\, commissaire de l’exposition
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LOCATION:La Cinémathèque Française\, Rue de Bercy 51\, Paris\, Département de Paris\, 75012\, France
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SUMMARY:Mains précieuses
DESCRIPTION:Dans un écrin de verdure les pierres rousses jaillissent de terre\, façonnées\, taillées et assemblées jadis par des centaines de mains courageuses et précieuses.\nLa transmission d’un savoir faire\, l’héritage d’un artisanat sont primordiaux afin que naisse un équilibre fécond entre nature et architecture .\nUne beauté certaine surgit\, vivifiante\, porteuse de récits où l’homme et la matière dialoguent.\nEnvoutés par cette relation magique\, conscients de perpétuer ce dialogue\, Mélanie\, Elie\, Karen et Corentin transmettent et racontent leurs propres histoires dans un théâtre de formes et de lumières.\nAujourd’hui ces mains courageuses et précieuses modèlent\, cousent\, tressent à leur façon ; elles sont l’outil essentiel du rapport physique à la matière et à l’origine de leurs œuvres.\nDepuis l’argile et l’eau\, les feuilles\, le plâtre\, de l’osier et le bois\, l’empreinte apparait comme la trace d’un souvenir\, l’image d’un rêve à partager\, celui d’un art au présent\, sensoriel.\nDepuis quelques années les expositions proposées au printemps à Ratilly mettent en valeur ce lien étroit entre l’art et l’artisanat.\nIl est nécessaire que les œuvres fassent écho avec le lieu singulier\, par son histoire et son environnement naturel préservé\, au sein duquel elles sont présentées. \nMathias Pierlot \nMars 2026
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LOCATION:Château de Ratilly\, Château de Ratilly\, Treigny\, Yonne\, 89520
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SUMMARY:Fidji 1838 : Face à face
DESCRIPTION:Du 4 avril au 2 août 2026\, le musée des Beaux-Arts propose une exposition exceptionnelle consacrée aux îles Fidji. \nReconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture\, cette exposition valorise le patrimoine culturel océanien\, à travers notamment les dessins d’Ernest Goupil (1814-1840)\, artiste embarqué sur la Zélée\, dont ceux d’un fonds inédit conservé au musée des Beaux-Arts de Chartres. \nUne exposition réalisée en collaboration avec le musée du Quai Branly – Jacques Chirac
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Chartres\, 29 Cloître Notre-Dame\, Chartres\, Eure-et-Loir\, 28000\, France
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SUMMARY:L'Histoire d'une prairie
DESCRIPTION:L’horizon d’une prairie vous invite à vivre une expérience inédite\, à la croisée de l’art\, de l’écologie et du partage. À l’occasion d’aménagements intérieurs rendant temporairement inaccessibles les espaces d’exposition\, le musée déploie un projet hors normes en investissant ses espaces de vie – hall d’accueil\, auditorium\, bibliothèque et prairie – pour interroger notre relation au vivant et aux enjeux contemporains. \nAu cœur de cette proposition\, l’artiste Emmanuel Louisgrand transforme le musée en un terrain d’expérimentation sensible. Avec Parcelle 64\, Jardin laboratoire\, il métamorphose le hall en un jardin participatif où chacun est invité à prendre part à la fabrication du potager. Dans la prairie\, une plantation de tulipes\, Una linea di tulipani\, accompagne le cycle des saisons et prolonge cette réflexion sur le vivant. Héritier d’influences telles que Joseph Beuys ou l’Arte povera\, l’artiste développe une pratique ancrée dans le temps long\, mêlant art\, nature et sociabilité. \nSur le parvis\, le musée réactive The House of Dust\, œuvre emblématique d’Alison Knowles\, conçue en 1967 avec le compositeur James Tenney dans le contexte du courant Fluxus. Cette sculpture habitable\, reconstruite en collaboration avec l’École nationale supérieure d’architecture de Saint-Étienne et l’Institute for Lightweight Structures and Conceptual Design (Université de Stuttgart)\, devient un espace d’expérimentation\, de rencontres et d’activations pour toutes et tous. \nL’auditorium propose également un programme de films issus de la Cinémathèque de Saint-Étienne\, retraçant\, de 1947 à 2006\, les liens profonds entre culture ouvrière et pratiques jardinières\, entre nécessité\, plaisir et poésie. \nEn écho à ces propositions\, la bibliothèque Jean Laude présente Échos végétaux\, un parcours visuel et éditorial consacré aux formes du vivant. À travers livres et publications d’artistes\, cette exposition explore la manière dont la nature – arbres\, fleurs\, paysages – devient à la fois sujet\, matériau et source d’inspiration. Du Land Art aux pratiques contemporaines\, elle invite à repenser notre manière d’habiter le monde et à renouveler notre regard sur les écosystèmes. \nGratuite et ouverte à toutes et tous\, L’horizon d’une prairie transforme le musée en un espace vivant\, collectif et évolutif\, où l’art devient un outil pour imaginer de nouvelles relations entre humains et environnement.
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne\, Rue Fernand Léger\, Saint-Priest-en-Jarez\, Loire\, 42270\, France
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SUMMARY:Lee Miller
DESCRIPTION:Figure essentielle de l’avant-garde internationale\, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin\, artiste surréaliste\, portraitiste\, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes\, dont plusieurs inédits\, et propose un nouveau regard sur son œuvre.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Réalités estoniennes
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris présente pour la première fois dans un musée français une exposition consacrée à trois artistes estoniennes dont l’œuvre s’étend du milieu du XX siècle jusqu’à nos jours : Olga Terri (1916 – 2011)\, Anu Põder (1947 – 2013) et Kris Lemsalu (née en 1985). \nL’exposition met en valeur la richesse et la vitalité de la scène artistique estonienne à travers le regard de ces trois artistes de générations différentes. Chacune à leur manière\, elles reflètent un moment de la création de ce pays à l’histoire aussi passionnante que tourmentée.\nMarquée par sa mise sous tension entre les sphères d’influence européenne et russe\, l’Estonie a su conserver une culture originale\, foisonnante et dynamique\, dont découlent les œuvres présentées. \nLe traitement du corps humain agit comme un fil conducteur entre l’œuvre des trois artistes créatrices : un corps tantôt abandonné\, morcelé\, augmenté\, transformé\, exubérant ou combatif.  \nAnu Põder\, artiste centrale de l’exposition (1947 – 2013)\nAnu Põder fait partie des grandes redécouvertes de l’histoire de l’art de ces dernières années. À travers une quinzaine d’œuvres\, l’exposition déploie l’univers singulier de cette artiste dont la pratique s’est développée à l’écart des carcans académiques de son époque. Les matériaux utilisés par Anu Põder traduisent la précarité de sa condition sous l’ère soviétique\, autant qu’ils révèlent les bouleversements de la société estonienne à l’indépendance du pays (toile de jute\, plastique\, savon\, papier d’aluminium…). Le corps de l’artiste est souvent présent en creux dans ses sculptures vulnérables\, fragiles\, qui refusent de se cantonner aux modes traditionnels de figuration. \nOlga Terri\, la peinture de l’après-guerre (1916 – 2011)\nUne salle réunit une série de portraits réalisés entre 1945 et 1950 par Olga Terri. Elle témoigne des affres personnels et collectifs subis pendant cette période d’immédiat après-guerre\, alors que l’occupation nazie fait place à l’occupation soviétique. Un sentiment mélancolique se dégage de ses personnages mutiques peints dans des couleurs sourdes\, leurs positions lâches exprimant un vacillement imminent. \nKris Lemsalu\, une vision contemporaine (née en 1985)\nL’exposition s’achève par la présentation d’une installation monumentale et de nouvelles productions de la plasticienne et performeuse contemporaine Kris Lemsalu\, conçues pour l’exposition. L’artiste imagine un univers extravagant et burlesque peuplé d’êtres hybrides entre humain et non-humain\, incarnant une lecture contemporaine du panthéisme estonien autant qu’une vision satirique de la société actuelle. \nCette exposition est organisée en partenariat avec la Fondation du Musée d’Art d’Estonie (AME) et l’ambassade d’Estonie en France.\nElle bénéficie notamment de prêts du Musée d’Art d’Estonie\, du Musée d’Art de Tartu\, de l’Estate Anu Põder et du Centre Pompidou. \nUn catalogue est édité par le Musée d’Art d’Estonie avec des textes de Jean-Baptiste Delorme\, Eda Tuulberg\, et Alicia Knock.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:La Station : 30 ans. Too Old to Die Young
DESCRIPTION:Que reste-t’il quand on ne meurt pas jeune ?\nLa mythification d’une jeunesse fauchée dans son âge d’or est pleinement inscrite dans notre société. Que Kurt soit parti trop tôt\, nous sommes bien d’accord. On aurait aimé voir ce que donne sa voix éraillée à l’aube de ses soixante ans\, chantant Something on the way dans un monde déséquilibré sur quasiment tous les plans. Too Old to Die Young.\nImmédiatement\, la phrase renverse et une tension générationnelle apparaît\, un slogan underground qui surfe sur l’esthétique post-jeunesse. Dans une culture de la survivance plutôt que de l’héroïsme\, à la façon d’un Camus où l’absurde de vouloir rester à tout prix dans cette vie devient un acte militant\, l’idée du collectif et de ce qu’est La Station\, continue\, utilisant l’humour et le cynisme en remparts\, adoptant une attitude mi-hallucinée\, mi-désabusée pour avancer\, malgré tout.\nUne culture de la marginalité raisonnable\, acceptable finalement\, s’attachant à trouver de la beauté dans tout ce qui reste ou tout ce qui s’achète. Too Old to Die Young devient une poétique de l’après\, du résidu\, de ce qui continue. La phrase peut également apparaître comme une déclaration : vous avez devant vous des artistes qui ont dépassé le mythe de la précocité\, et qui font face à leurs œuvres\, refusant le survol ou le spectaculaire facile.\nLa Station\, lieu mythique de la création contemporaine dans le paysage azuréen\, est un espace inédit créé en 1996\, un artist run space inventif\, essentiel\, humain\, célébrant une pratique artistique joyeusement ambiguë\, à mi-chemin entre l’ego et le commun. La Citadelle – Centre d’art & Musée – est heureuse d’inviter quatorze artistes à fêter les trente ans de La Station à l’occasion de cette exposition.
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LOCATION:Citadelle de Villefranche sur mer\, Place Emmanuel Philibert\, Villefranche-sur-Mer\, 6230\, Belgique
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SUMMARY:Terres cordaises
DESCRIPTION:Terres cordaises\nCéramiques contemporaines\ndu 2 avril au 18 mai 2026\nFrançoise Berthelot\, Pierre David\, De Drôles d’oiseaux\, Chris Dupuy Joly\, Thierry Dupuy\, Yvan Malaussena\, Françoise Marc Villeneuve\, Françoise Nugier\, Adrien Raybaud.\nC’est avec des céramistes cordais\, dont certains œuvrent depuis plusieurs décennies\, que nous débutons la saison. Tous ont trouvé dans cette terre cordaise un lieu d’inspiration pour leurs créations. La céramique est une technique ancestrale qui utilise des procédés divers. Certains utiliseront le Raku\, d’autres la terre émaillée\, une chimie dont chacun testera\, malaxera\, modèlera la terre et l’ornera avec son style propre. Pour ces architectes de la terre\, l’argile n’a pas toujours été leur pratique principale. Pour la plupart\, ils ont aussi travaillé la sculpture\, le dessin\, l’assemblage\, mais ce besoin de toucher la matière est réapparu. Un besoin charnel. Sculptures ou objets utilitaires\, les céramistes jouent avec cette chimie et développent leurs propres techniques qu’ils expérimentent au fil des années et des envies – faïence en couleurs\, engobes colorés aux oxydes métalliques\, ocres naturel\, agate pour le polissage\, cuisson à très haute température – ils nous font découvrir leurs créations insolites sans cesse en mouvement.\nVernissage de l’exposition en présence des artistes vendredi 3 avril à partir de 18h \nCette exposition sera complétée par les céramiques de la collection du musée : œuvres de René Bonetti\, Elia Pagliarino\, Marie Costes\, Pascal Geoffroy\, Jean-Pierre Cholet\, Monica Stocker…
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain – Cordes-sur-Ciel\, 39 grand rue Raimond VII\, Maison du Grand Fauconnier ...\, Cordes-sur-Ciel\, Tarn\, 81170\, France
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SUMMARY:Brion Gysin
DESCRIPTION:Né en Grande-Bretagne en 1916\, Brion Gysin est un artiste protéiforme\, peintre\, poète\, performer\, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. L’exposition\, constituée de plus de 140 œuvres de l’artiste\, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris\, d’une richesse unique au monde\, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées\, en France et à l’étranger.
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LOCATION:Musée d’Art moderne\, 11 avenue du Président Wilson\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Marc Gaillet : Jusqu'au bout de l'humanité
DESCRIPTION:Du mercredi 1er avril au dimanche 21 juin 2026\, Marc Gaillet\, plasticien et photographe\, investit la Maison des Consuls avec l’exposition « Jusqu’au bout de l’humanité ». \nPensé comme un véritable voyage visuel\, le parcours vous emmène de l’Antiquité à aujourd’hui et se prolonge jusqu’à l’exposition permanente. À travers ses œuvres sensibles et accessibles\, l’artiste offre une expérience immersive qui mêle histoire et regard contemporain\, et invite chacun à prendre le temps d’observer et de réfléchir au monde qui nous entoure.
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LOCATION:Maison des Consuls\, Rue des Consuls\, Les Matelles\, Hérault\, 34270\, France
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SUMMARY:Georg Jensen à Paris : Le refuge d’un maître artisan
DESCRIPTION:La Maison du Danemark présente une exposition exceptionnelle consacrée à l’orfèvre danois Georg Jensen\, figure majeure du design nordique. Paris occupe une place déterminante dans la carrière de l’artiste : après plusieurs séjours en France\, il choisit de s’y installer en 1924. Il y dirige alors un petit atelier de quelques artisans\, renouant ainsi avec l’essence même de son métier\, loin de la grande manufacture de Copenhague qui comptait déjà plusieurs centaines d’employés. \nCe retour aux fondements de l’artisanat s’avère particulièrement fécond. À l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925\, Jensen remporte un immense succès et reçoit le Grand Prix. Les œuvres créées durant cette période parisienne (1924–1926) sont aujourd’hui considérées parmi les plus abouties de son œuvre. \nConçue en étroite collaboration avec la Société Georg Jensen\, réunissant notamment des membres de la famille de l’artiste\, l’exposition révèle un chapitre intime et déterminant de son parcours\, où Paris devient un véritable refuge créatif. \n‍ \nExposition à la Maison du Danemark\, 2ème étage\, Espace Culturel \nOuvert du mardi au dimanche de 12h – 18h\, fermé le lundi \nDu 1er avril au 31 mai 2026 \nEntrée libre
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LOCATION:LE BICOLORE – MAISON DU DANEMARK\, 142\, avenue des Champs-Élysées\, Paris\, Paris\, 75008
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SUMMARY:Nora Herman : Traces laissées par le mouvement du corps\, de l’âme et de la vie
DESCRIPTION:L’exposition personnelle de Nora Herman sera composée d’un ensemble récent de peintures\, dessins et sculptures\, explorant les traces laissées par le corps en mouvement\, par les mouvements de l’âme et de la vie\, et par des rêveries poétiques. \nCette exposition\, qui s’inscrit dans la démarche de l’artiste\, s’attelle à créer un refuge\, un espace d’apaisement\, un lieu de contemplation pour les êtres qu’elle accueillera. \nEn partenariat avec l’Artothèque.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts d’Angoulême\, 1\, rue de  Friedland\, Angoulême\, Charente\, 16000\, France
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SUMMARY:Africa Fashion
DESCRIPTION:Après avoir conquis Londres\, New York\, Portland\, Chicago\, Melbourne et Montréal\, l’exposition « Africa Fashion »\, conçue par le Victoria and Albert Museum de Londres\, arrive à Paris et propose un dialogue entre les plus grands créateurs de mode de la scène contemporaine africaine et les riches collections historiques du musée du quai Branly – Jacques Chirac. \nLe parcours de cette exposition célèbre l’essor fulgurant de la scène africaine\, portée par une nouvelle génération de créateurs. Entre inspiration et innovation stylistique\, leurs créations célèbrent une scène artistique dynamique aussi variée que le continent lui-même. \nAfrica Fashion présente la mode africaine comme une forme d’art qui se définit elle-même et qui révèle la richesse et la diversité des histoires et des cultures africaines. Pour l’occasion\, le musée met en lumière sa riche collection de textiles\, accessoires et bijoux africains\, ainsi qu’une sélection de photographies issues de ses archives et collectées auprès du public. \nExposition itinérante internationale créée par le Victoria and Albert Museum\, qui s’est tenue pour la première fois à Londres\, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023\, puis en tournée dans le monde entier.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Esclaves en Méditerranée\, XVIIe–XVIIIe siècle
DESCRIPTION:Voici la première exposition à explorer une histoire méconnue : celle des musulmans et des chrétiens réduits en esclavage des deux côtés de la Méditerranée\, pendant plus de trois siècles. Découvrez l’impact de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe à travers un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées. \nL’exposition Esclaves en Méditerranée. XVIIe-XVIIIe siècle s’intéresse en particulier à la présence et aux témoignages souvent oubliés des Nord-Africains et de certains Africains de l’Ouest asservis en Europe. Centrée sur les ports de France\, d’Italie et de l’île de Malte du XVIIe siècle aux années 1830\, elle met en lumière les expériences et les représentations de ces êtres humains contraints de travailler comme galériens\, serviteurs\, traducteurs\, musiciens et assistants d’artistes.\nElle révèle l’impact profond de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe en présentant un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées : un dessin d’après nature d’un esclave musulman réalisé par le peintre en chef de Louis XIV\, Charles Lebrun ; des œuvres d’art représentant ou inspirées du monument emblématique de Pietro Tacca connu sous le nom de « Quattro Mori » ; des peintures représentant la répression d’une révolte d’esclaves à Malte en 1749 ; un album de dessins exceptionnels de Fabroni représentant des galériens au travail et au repos ; et d’autres objets remarquables tels que des armes maritimes\, des sculptures de navires\, des talismans et des lettres écrites par des captifs musulmans et chrétiens\, qui seront lues à haute voix.\nEnfin\, une œuvre d’art contemporaine\, inédite\, Suspended inTime\, de l’artiste Kevork Mourad\, ouvrira des perspectives sur ce qu’est devenue cette longue histoire : de son oubli après la prise d’Alger par les troupes françaises en 1830 aux débats contemporains sur les œuvres d’art qui ont représenté l’esclavage\, y compris les Quattro Mori.
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LOCATION:Institut du Monde Arabe\, 1 rue des Fossés-Saint-Bernard\, Paris\, Paris\, 75005\, France
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SUMMARY:André Cervera : Carambolages
DESCRIPTION:André Cervera a développé un art singulier autour d’une esthétique du carambolage où se percutent la multiplicité des références culturelles et artistiques\, où l’hybridation est érigée en principe plastique\, où la révérence aux grandes œuvres de l’Histoire de l’art le dispute à la remise en cause de toute hiérarchie artistique . La fragmentation et l’hétérogénéité aussi bien des techniques que des références plastiques et mémorielles trouvent leur résolution dans l’art du montage visuel\, où la composition picturale adopte la logique d’un plan cinématographique . La peinture constitue pour lui une expérience existentielle à part entière . La mort est ainsi omniprésente dans son œuvre\, mais l’appétit de vivre l’irrigue tout autant . Une énergie ambivalente met ainsi ses œuvres en tension\, vient lutter contre l’effacement et l’oubli. Le grotesque et l’expressionnisme sont autant de tentatives d’amadouer l’angoisse que recèlent ses œuvres. L’autofiction échappe à toute logique narcissique et fait crisser les forces sociales\, la mémoire collective et les souvenirs personnels . Enfin\, peintre du « quotidien extraordinaire »\, André Cervera nous propose une traversée entre réel et imaginaire\, entre visible et invisible . Ses peintures sont nourries autant par son expérience vécue que par ses projections imaginaires. Les masques mettent en évidence comment les archétypes sociaux\, les forces pulsionnelles viennent troubler l’identité ou viennent la révéler dans sa vérité complexe et mutable . La fascination de l’artiste pour le chamanisme ou la magie tend à faire de la peinture un rituel dont on ne sait pas s’il cherche l’intercession\, la conjuration ou la conciliation des forces qui nous dépassent\, s’il peut réparer la morsure du temps
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LOCATION:Musée Paul Valéry\, Rue François Desnoyer\, Sète\, Hérault\, 34200\, France
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SUMMARY:Peek ! Peek ! Peek ! - Avec l’ARC Scénographique du Pavillon Bosio\, Monaco
DESCRIPTION:La Collection Lambert accueille les étudiants de l’ARC scénographie du Pavillon Bosio\, Monaco pour un projet de scénographie au sein des collections permanentes inventé à partir d’une sélection d’œuvres issues du fonds avignonnais.\nNée de l’observation de la micro-école Inspire à la Collection Lambert\, l’exposition PEEK ! Peek ! PEEK !\, interroge le playground comme un espace partagé entre enfants et adultes à partir d’œuvres de la collection. Que signifie aujourd’hui un lieu dédié à l’enfance lorsqu’il est traversé par le regard adulte ?
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LOCATION:Collection Lambert Avignon\, 5 rue Violette\, Avignon\, Vaucluse\, 84000\, France
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SUMMARY:Alice Riehl : Herbarium Interior. La nature est là où nous vivons
DESCRIPTION:Au Musée de la Toile de Jouy à Jouy-en-Josas\, Alice Riehl dévoilera une exposition personnelle Herbarium Interior. La nature est là où nous vivons du 27 mars au 24 mai 2026. \nLe Musée de la Toile de Jouy a le plaisir d’annoncer que l’artiste française contemporaine Alice Riehl\, reconnue pour ses sculptures murales monumentales en porcelaine\, présentera au printemps 2026 ses premières expositions muséales à travers deux projets concomitants en France\, au Musée de la Toile de Jouy et à New York. Ensemble\, ces expositions retracent l’évolution poétique de sa pratique artistique. \nInspirée par les motifs pastoraux et floraux\, ainsi que les récits mythologiques issus des collections historiques de textiles du musée\, l’exposition propose une relecture contemporaine du langage visuel de la Toile de Jouy déployée dans une installation en porcelaine. Une œuvre murale monumentale\, conçue spécifiquement pour l’exposition\, transforme les motifs décoratifs traditionnels en un tableau vivant où figures humaines et végétales fusionnent. Les figures représentées s’inspirent des récits d’interlocuteurs rencontrés et interviewés par l’artiste à New York lors de sa résidence à la Villa Albertine entre avril et juin 2025
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LOCATION:Musée de la Toile de Jouy\, 54 rue Charles-de-Gaulle\, Jouy-en-Josas\, Yvelines\, 78350\, France
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