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SUMMARY:Djamel Tatah : Répéter-muter
DESCRIPTION:L’exposition s’appuie sur une ligne de force de l’œuvre de Djamel Tatah : la répétition. Comme au théâtre où les acteurs répètent encore et encore\, ici\, des figures humaines se présentent et se représentent\, surgissent indéfiniment dans de grands aplats colorés. Djamel Tatah réitère ce que l’humanité répète : la guerre\, l’exil\, la solitude. Il nous invite à réfléchir à la persistance des tragédies collectives et nous met face à la question : « Que devenons-nous ? ».
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Dijon\, Palais des Etats de Bourgogne - 1 Rue Rameau BP 1510\, Dijon\, Côte-d'Or\, 21000\, France
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SUMMARY:Amazones ! Cavalières et icônes de mode
DESCRIPTION:L’exposition « Amazones ! Cavalières et icônes de mode » ouvre ses portes au musée de la Mode et du Costume à Arles\, du 22 mai au 20 septembre 2026. \nAu cœur de son nouveau musée arlésien\, Fragonard révèle l’histoire des costumes équestres féminins en Europe et leur influence dans la mode\, de l’Antiquité jusqu’à nos jours. \nHistoriquement\, l’équitation a joué un rôle crucial dans le processus d’émancipation des femmes. Depuis la Renaissance\, on conçoit pour chaque pratique équestre des costumes spécifiques\, dont les conséquences dépassent les seules dimensions visuelles et symboliques. Aussi bien l’emprunt à la garde-robe masculine que la création de nouvelles formes vestimentaires\, incitent celles qui seront bientôt dénommées « amazones »\, à remettre en question leur position dans la société. Le public est invité à découvrir l’histoire de ces femmes\, dont la force et la beauté ont souvent été autant fantasmées que mécomprises. \nL’exposition rassemble des prêts provenant d’institutions nationales emblématiques. Parmi les structures parisiennes\, nous trouvons le Petit Palais\, la Bibliothèque nationale de France\, le musée Condé\, le musée d’Orsay\, le musée Carnavalet et le musée des Arts décoratifs\, auxquelles s’ajoutent le musée national de la Renaissance d’Écouen\, les châteaux de Compiègne et de Cadillac\, les musées des Beaux-Arts d’Orléans\, de Pau\, du Mans\, de Sceaux\, et de Libourne ou encore le Mucem et le Muséon Arlaten.  Plusieurs musées britanniques se joignent à la liste des prêteurs\, tels que le Fashion Museum of Bath\, le Royal Albert Mémorial Museum\, le Glove Collection Trust\, Herfordshire Museum et Norwich Museum. Les pratiques équestres ont en effet un rôle essentiel au sein de la culture du Royaume-Uni. Des pièces en provenance de musées suédois abritant des collections emblématiques complètent le parcours de l’exposition. Pour l’occasion\, chacun d’entre eux a accepté de décrocher quelques œuvres majeures de ses collections ou recherché des trésors\, enfouis parfois depuis des siècles dans ses réserves. \nLa selle du XVIIᵉ siècle de la Reine Christine de Suède\, appelée « l’Amazone du Nord » ou « l’Amazone Gothique »\, côtoie les portraits équestres des femmes illustres de la cour de Louis XIV\, réunis pour la première fois depuis presque 350 ans. Les portraits de la Grande Mademoiselle en amazone\, celui de Marie Leszczynska devant le Château de Fontainebleau\, ou encore\, au XIXᵉ siècle\, les dessins de Degas et de Constantin Guys\, font tous face aux vêtements des amazones de leur temps. Parmi ces portraits\, certains représentent l’une des amazones les plus célèbres de son époque : l’Impératrice des Français\, Eugénie ! \nL’ensemble des espaces d’exposition rassemble plus d’une centaine d’œuvres qui nous dévoilent leurs secrets de mode\, sur une période qui s’étend de la Renaissance à la Révolution\, de l’Empire aux podiums de la mode contemporaine. Cette exposition donne à voir l’évolution de la mode des amazones au fil des siècles et nous fait également découvrir comment leur histoire a permis aux cavalières\, aux chasseresses\, mais aussi aux femmes politiques\, promeneuses et écuyères professionnelles\, de s’engager et de contribuer à révolutionner leur identité\, allant jusqu’à devenir parfois une véritable raison d’être. Considéré dans un premier temps comme un défi aux conventions vestimentaires traditionnelles\, l’habit d’Amazone se transforme progressivement en un élément incontournable de la garde-robe de la femme élégante. À la recherche d’éclat et de confort\, ces Amazones ont puisé dans le vestiaire masculin les matières\, les agréments et le savoir-faire des tailleurs afin de créer des silhouettes emblématiques\, qui ont rapidement gagné une place iconique dans l’univers de la mode féminine\, bien au-delà des carrousels et des chasses à courre. \nC’est d’abord grâce au costume d’Arles\, que\, après la Seconde Guerre Mondiale\, à l’occasion des fêtes traditionnelles\, trois femmes vont s’imposer en amazone sur leur cheval\, seules au milieu des hommes. Puis\, c’est au tour de celles dont les grands-mères pratiquaient la monte en amazone pour déplacer les bêtes des manades ou se rendre en ville de les imiter ; Reines d’Arles en tête. Créée en 1512\, l’Antique Confrérie des Gardians de Camargue\, protège et rassemble les cavaliers de métier. En 2001\, un groupe de femmes et de filles de gardians s’associent et émerge au sein de cette institution masculine\, et commence à proposer des spectacles de dressage ou de travail du bétail en amazone. Le retour en force de cette pratique rendue visible grâce aux réseaux sociaux et à la diffusion des performances équestres\, suscite aujourd’hui chez les jeunes filles de Camargue un engouement sans précédent. À ce jour\, la démocratisation de cette monte est accomplie\, et elle est enseignée au sein de classes spécialisées dans les écoles d’équitation camarguaise dès l’âge de 7 ans. \nLe musée de la Mode et du Costume confie à Valerio Zanetti\, docteur en Histoire et spécialiste des pratiques équestres féminines du Grand Siècle\, le commissariat scientifique de l’exposition. Un travail de recherches de plus de 10 ans\, partagé avec un public de passionnés mais aussi de néophytes prêts à découvrir un chapitre extraordinaire de l’histoire occidentale.  Dans le catalogue qui accompagne cette exposition\, figurent les aimables contributions de spécialistes internationaux. Un colloque\, dont la programmation sera annoncée sur le site internet du musée\, se tiendra lors des journées d’ouverture. Rendez-vous à Arles dès le 22 mai 2026\, pour un voyage au grand galop au pays des Amazones !
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LOCATION:Musée de la Mode et du Costume – Fragonard\, 16\, rue de la Calade\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
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SUMMARY:Les roches rouges\, éclosion artistique dans l’Estérel à l’Aube du XXe siècle
DESCRIPTION:Explorez le massif de l’Estérel en compagnie des peintres post-impressionnistes !\nL’exposition Les roches rouges revêt un caractère inédit\, en proposant d’explorer l’Estérel où\, au tournant du XXe siècle\, séjourne régulièrement une “colonie nombreuse et distinguée d’artistes”\, ainsi que le décrivent les guides touristiques de l’époque.\nLes peintres qui se sont attachés à l’interprétation du massif ont développé des démarches esthétiques et des sensibilités variées. À travers l’analyse de cette effervescence artistique\, l’exposition entend réévaluer la place de l’Estérel comme lieu d’incubation des expérimentations plastiques postimpressionnistes\, qu’il s’agisse du pointillisme\, du fauvisme ou du nabisme.
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SUMMARY:Soto : une traversée cinétique
DESCRIPTION:Une œuvre immersive de Jesús Rafael Soto à la Cité de l’architecture et du patrimoine \nExposition\nConstituée de milliers de tubes jaunes fins et souples\, suspendus\, cette structure monumentale vous invite à pénétrer dans une expérience unique\, convoquant tous vos sens. \nJesús Rafael Soto\, figure majeure de l’art abstrait et du cinétisme (1923-2005)
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LOCATION:Cité de l’Architecture et du Patrimoine\, 1 Place du Trocadéro et du 11 Novembre\, Paris 16\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Nuits Balnéaires : Eboro
DESCRIPTION:La Fondation d’entreprise Hermès a désigné le photographe Nuits Balnéaires comme lauréat de la deuxième édition de Latitudes\, un programme international de soutien à la photographie contemporaine.  \nEBORO s’inscrit dans la continuité du travail artistique de Nuits Balnéaires. Empruntant au genre du conte\, ce corpus d’œuvres a été conçu dans le cadre de Latitudes\, un programme développé par la Fondation d’entreprise Hermès\, en partenariat avec la Fondation Henri Cartier-Bresson à Paris et l’International Center of Photography (ICP) à New York. Eboro désigne la zone liminale\, la frontière et le passage intime de l’âme\, ainsi que le lieu d’origine de l’humanité dans les pensées métaphysiques des peuples N’zima et Agni-Bona\, installés entre la Côte d’Ivoire et le Ghana. Au terme de son existence terrestre\, le double immatériel de l’homme retourne à Eboro pour rejoindre ses ancêtres\, auxquels il doit rendre compte de sa vie sur terre.  \nPour ce corpus d’œuvres\, Nuits Balnéaires propose une lecture transgénérationnelle qui explore les liens entre héritage génétique\, spirituel et géographie culturelle. Il réunit une constellation de figures familiales et mythologiques dans une narration à la fois dense et contemplative\, traversée par une mélancolie lumineuse et une nostalgie vive. Une émotion proche du saudade\, où la mémoire se transforme en véritable espace de création. Le Golfe de Guinée en guise toile de fond\, Eboro a pris forme. Sa production s’est faite le long des côtes sénégalaises et ivoiriennes. Porté par une équipe de talents venant de différents horizons géographiques et culturels. l’œuvre affirme pleinement son ancrage et consolide un dialogue entre territoires\, communautés et mémoire collective. Eboro a pu naître grâce à la participation de Sabali Inc.\, ainsi que l’apport essentiel de la RAW Material Company à Dakar\, avec laquelle l’artiste a collaboré pour approfondir sa recherche.
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LOCATION:Fondation Henri Cartier-Bresson\, 79 Rue des Archives\, Paris 03\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Patrimoines en résistance : De Tombouctou à Odessa
DESCRIPTION:L’exposition réunit un ensemble exceptionnel de documents graphiques\, d’oeuvres d’art contemporaines et de répliques numériques des sites perdus. À la manière d’un grand reportage\, l’ensemble tisse un récit documenté\, visuel et sensible\, où se croisent les regards des acteurs et témoins\, des architectes et des artistes.\nDe Tombouctou à Odessa\, de Bâmiyân à Gaza\, les conflits armés font du patrimoine une cible privilégiée. Face à ces destructions\, l’exposition Patrimoines en résistance interroge les gestes d’effacement\, mais aussi les formes de résistance et de réparation qui permettent de penser l’avenir à partir des ruines. \nEn 2012\, la destruction des mausolées de Tombouctou\, inscrits au patrimoine mondial de l’UNESCO\, marque un tournant historique : pour la première fois\, l’anéantissement volontaire de monuments culturels est qualifié de crime de guerre par la Cour pénale internationale. Une mobilisation internationale sans précédent s’engage alors pour reconstruire les sites détruits\, en s’appuyant sur les fouilles archéologiques et la mémoire des artisans maliens. \nSi la guerre a toujours entraîné des destructions\, le début du XXIᵉ siècle révèle une intensification et une systématisation des atteintes portées au patrimoine culturel et naturel. L’exposition met en lumière cette réalité contemporaine et pose une question essentielle : comment la guerre révèle-t-elle ce qui est irrémédiablement perdu\, tout en faisant émerger les gestes de résistance qui rendent possible une réparation future ? \nÀ travers un ensemble remarquable de cartes\, textes\, maquettes\, photographies\, vidéos\, œuvres contemporaines et répliques numériques réalisées par Iconem\, l’exposition propose un parcours en trois séquences. Conçue comme un grand reportage\, elle tisse un récit documenté\, visuel et sensible\, croisant les regards d’architectes\, d’artistes\, de chercheurs\, d’acteurs de terrain et de témoins. \nL’exposition\, en mettant à distance le tumulte du monde\, offre au visiteur un temps de réflexion indispensable face au flot d’informations en continu.
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SUMMARY:Mossi Traoré : La mode aussi
DESCRIPTION:Après le succès de l’exposition « Fashion Folklore » présentée en 2023\, le Mucem consacre une exposition à Mossi Traoré\, créateur atypique de la scène française pour qui la couture est à la fois terrain d’expérimentation\, outil de transmission et langage collectif. \nFormé autant dans la rue qu’auprès des maîtres de la couture\, Mossi Traoré développe une esthétique épurée et engagée. Sa démarche\, incarnée notamment par son école les Ateliers Alix\, nommée en hommage à la créatrice de haute-couture Madame Grès\, prône une mode accessible et exigeante\, ouverte à tous. \nPensée en étroite collaboration avec le styliste\, « Mossi Traoré\, la mode aussi » propose une immersion dans un univers où la mode dialogue autant avec les cultures populaires qu’avec les arts urbains et les savoir-faire traditionnels. Silhouettes sculpturales\, vidéos\, textiles en interaction avec les collections du musée et gestes artisanaux jalonnent un parcours en partie immersif\, invitant le visiteur à se projeter dans la reconstitution de l’atelier de Mossi Traoré et dans les réserves du Mucem\, en l’incitant à toucher les matières\, écouter et ressentir.
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LOCATION:Mucem – Musée des civilisations de l’Europe et de la Méditerranée\, 7 promenade Robert Laffont (esplanade du J4)\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Daido Moriyama : Lettres d’amour à la photographie
DESCRIPTION:Pour Daido Moriyama\, la photographie est vivante\, bien vivante. Depuis le début des années 1960\, c’est-à-dire depuis qu’il a commencé à entretenir avec cette forme sensible d’enregistrement du monde une relation quotidienne quasi-existentielle\, il ne cesse de s’adresser à elle sous la forme de projets\, d’images ou de textes qui ont\, à chaque fois\, valeur de déclarations. En 1972\, son livre Shasin yo sayonara [Adieu photographie] déconstruit les règles admises des bonnes pratiques photographiques. À la même époque\, il publie régulièrement dans la presse spécialisée japonaise (Asahi Camera\, Provoke\, Shashin Jidai \, etc.) des essais photographiques qui sont autant de manifestes. Il multiplie également les pèlerinages photographiques dans les pas du tout premier photographe\, le français Nicéphore Niépce. Nombre de ses images\, prises au jour le jour\, constituent par ailleurs des formes de mises en abyme du médium. Elles lui tendent un miroir. L’exposition de la Fondation Henri Cartier-Bresson n’est pas une rétrospective traditionnelle avec son enchaînement de chefs-d’œuvre organisés chronologiquement. Elle repose sur un parti pris curatorial marqué\, en proposant de suivre le fil rouge de l’obsession de Moriyama pour la photographie elle-même. \nCommissaire de l’exposition \nClément Chéroux \nDirecteur\, Fondation Henri Cartier-Bresson
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LOCATION:Fondation Henri Cartier-Bresson\, 79 Rue des Archives\, Paris 03\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Silla : l'or et le sacré
DESCRIPTION:Grâce à une collaboration exceptionnelle avec le musée national de Gyeongju et d’autres institutions muséales sud-coréennes et françaises\, le musée Guimet présente\, pour la première fois en Europe\, une exposition sur le royaume du Silla (57 av J.-C- 935 après J.-C)\, l’une des civilisations les plus brillantes de l’Asie de l’Est. \nInformations pratiques\n20 mai 2026 – 31 août 2026 \nExposition à venir \nRévélés par les chroniques historiques puis par les fouilles archéologiques\, les arts du Silla apparaissent aujourd’hui comme un héritage vivant\, au cœur de la mémoire culturelle de la péninsule coréenne. Cette présentation inédite met en lumière un royaume où\, durant près d’un millénaire\, art\, spiritualité et pouvoir se sont conjugués pour façonner une culture d’une remarquable richesse. \nDes origines mythiques du Silla\, racontées par les chroniques coréennes médiévales\, à la chute du royaume\, l’exposition se déploie en cinq sections thématiques qui retracent l’histoire\, les expressions artistiques et la mémoire d’un État à la fois puissant et profondément ancré dans des traditions spirituelles. Elle offre une lecture renouvelée de cette civilisation\, révélant la manière dont les dynamiques politiques\, religieuses et esthétiques se sont entremêlées pour produire un héritage qui est parvenu jusqu’à nous. \nCouronne en or\, pendentif\, diadème en or ⓒ Gyeongju National Museum \nTransportés aux origines de la ville-paysage Gyeongju\, au sud-est de la Corée\, les visiteurs découvriront les traces d’une civilisation dont les montagnes\, les immenses « tombes-montagnes »\, les temples et la vie moderne portent encore l’empreinte. Une ville dont les habitants sont pleinement investis dans la protection de leur patrimoine. \nDu 4e au début du 6e siècle\, la période dite maripgan marque une étape décisive dans l’affirmation de l’identité du Silla avec l’essor du clan des Kim. L’or devient la signature éclatante du royaume\, symbole d’un pouvoir consolidé. Les trésors exhumés des tombeaux royaux (couronnes d’or\, parures de jade\, bijoux ouvragés\, grès figuratifs) témoignent d’un savoir-faire exceptionnel et d’un royaume présent sur les routes d’échanges reliant le Japon\, la Chine\, la steppe\, l’Asie centrale et jusqu’aux mondes méditerranéens. Prestige politique et splendeur artistique s’y confondent\, donnant naissance à un langage visuel d’une exceptionnelle inventivité.   \nCeinture et pendentifs en or ⓒ Gyeongju National Museum \nAu cours du Silla unifié (676–935)\, le royaume s’impose comme puissance méridionale dominante\, avec le bouddhisme comme force spirituelle et protectrice du territoire. Les matériaux précieux autrefois réservés aux tombes royales trouvent désormais leur place dans les monastères\, les pagodes\, les reliquaires et les images sacrées. Les trésors de fer\, d’or\, d’argent\, de verre et de pierre du Silla constituent un héritage vivant\, encore perceptible dans le paysage de Gyeongju comme dans la mémoire collective.  \nL’exposition réunit un ensemble exceptionnel de pièces emblématiques\, parmi lesquelles figurent de nombreux trésors nationaux présentés pour la première fois hors de Corée du Sud. Nichée entre montagnes boisées et plaines ondoyantes\, la ville de Gyeongju\, capitale du Silla\, offre encore aujourd’hui l’un des paysages les plus singuliers de Corée du Sud. Pagodes\, tumulus royaux et vestiges monumentaux y dialoguent avec les lignes d’une cité contemporaine attentive à la préservation de son patrimoine. Le visiteur y marche littéralement au cœur de l’histoire\, dans un espace où le passé demeure visible\, habité\, transmis. \nCommissariat : \nArnaud Bertrand\, conservateur des collections Corée – Chine ancienne au musée Guimet \nYim Jaewan\, conservateur senior au musée national de Gyeongju \nYun Seogyeong\, assistante conservatrice au musée national de Gyeongju \nExposition organisée par Guimet – musée national des arts asiatiques et le musée national de Gyeongju (Corée) avec le soutien du Centre Culturel Coréen.
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LOCATION:Musée des Arts Asiatiques Guimet\, 6\, place d'Iéna\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Jiang Qiong Er : Le souffle du temps
DESCRIPTION:Jiang Qiong Er\, est une artiste et designeuse franco-chinoise qui fusionne tradition orientale et création contemporaine\, explorant le dialogue entre passé et modernité. Artiste invitée au musée Guimet entre avril 2024 et février 2025\, elle investit de mai à décembre 2026 les collections permanentes du musée Narbo Via.
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LOCATION:Musée Narbo Via\, 50 avenue de Gruissan\, Narbonne\, Aude\, 11100
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Youssef Nabil : De rêver encore
DESCRIPTION:Depuis les années 1990\, le photographe-vidéaste franco-égyptien Youssef Nabil\, né en 1972\, construit une œuvre à l’identité visuelle très forte\, à laquelle le musée d’Orsay a contribué de manière déterminante. Sa première visite en France et la découverte des collections du musée en 1992\, demeurent une source d’inspiration qui imprègne son travail depuis plus de trente ans\, comme en témoigne l’autoportrait The Dream (2021)\, en filiation avec Le Rêve de Puvis de Chavannes. Avec cette exposition\, Youssef Nabil est le premier artiste contemporain à investir les salles orientalistes et offre l’occasion de mettre en perspective ses œuvres avec celles qui l’ont marqué\, lesquelles constituent\, avec le symbolisme\, le cœur de ce rapprochement esthétique.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Méditerranée : Odyssées contemporaines
DESCRIPTION:Cette année\, avec notre nouvelle exposition Méditerranée\, Odyssées Contemporaines\, je vous invite à plonger dans l’âme de cette mer mythique en compagnie de 74 artistes originaires de 20 pays. \nCarrefour de civilisations\, la Méditerranée est depuis toujours un espace où cohabitent passé et présent\, traditions et modernité. Aujourd’hui plus que jamais\, elle cristallise les enjeux contemporains : changements climatiques\, insécurité alimentaire\, combats écologiques mais aussi bouleversements sociaux. \nDans cette exposition\, les artistes dialoguent avec l’histoire et les civilisations\, nous invitent à explorer la richesse des traditions méditerranéennes\, la réalité de nos racines communes et la diversité de nos cultures. \nElles et ils rendent hommage à la Méditerranée comme espace d’échanges\, de circulation et de passage\, évoquent la précarité\, la fragilité des migrations climatiques et la douleur de l’exil\, et questionnent les mécanismes d’exclusion et d’oubli collectif. \nLeurs œuvres\, qu’elles soient engagées\, poétiques ou empreintes d’humour\, parlent aussi de la transmission des savoirs\, des langues\, des chants\, des objets et des gestes du quotidien ou des pratiques ancestrales. \nEnfin\, ce voyage artistique vous invite à penser la Méditerranée comme territoire et mémoire partagés où nos cultures s’entrecroisent et s’enrichissent dans un monde en perpétuelle évolution. \nA la fin de votre visite\, promenez-vous dans notre jardin méditerranéen et n’oubliez pas de laisser un message sur l’arbre à vœux. \nDanièle Marcovici\, Fondatrice et Présidente de la Fondation Villa Datris
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LOCATION:Villa Datris – Fondation pour la Sculpture Contemporaine\, 7 avenue des Quatre Otages\, L'Isle-sur-la-Sorgue\, Vaucluse\, 84800\, France
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SUMMARY:Louisa Babari : Africa
DESCRIPTION:Du 15 mai 2026 au 3 janvier 2027\, le [mac] musée d’art contemporain consacre une exposition à l’artiste française\, algérienne et russe Louisa Babari. Intitulée AFRICA\, cette proposition immersive explore les strates antiques et mythologiques de l’Afrique du Nord à travers un corpus d’œuvres photographiques\, plastiques et sonores\, où se croisent histoire\, fiction et mémoire. L’exposition est accompagnée d’une création sonore réalisée avec les étudiants du Conservatoire Pierre Barbizet. \nExposition en partenariat avec le Centre d’art contemporain Passages de Troyes. \nExposition labellisée Saison Méditerranée – Institut français\nExposition labellisée au programme Grand Arles Express des Rencontres d’Arles 2026\nExposition labellisée Bicentenaire de la photographie
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain de Marseille [mac]\, 69 avenue d'Haïfa\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13008\, France
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SUMMARY:Peter Knapp : Le temps Courrèges
DESCRIPTION:De mai à novembre 2026\, la Fondation Maeght présente une première exposition dossier mêlant art et mode\, une carte blanche au photographe Peter Knapp. Fidèle ami d’André Courrèges et de la famille Maeght\, il a vécu ces années de modernité qu’il a photographiées en studio\, dans la rue et même à la Fondation. \nEn 1965\, André Courrèges présente sa collection haute couture printemps-été. Il développe une nouvelle idée de la mode\, en oubliant volontairement les conventions pour garder seulement la ligne\, l’architecture : minijupe\, blanc\, formes structurées… Dans cette collection\, il construit la silhouette de la femme selon des\nrègles qui appartiennent autant à l’architecture qu’à la mode. La femme moderne est née\, c’est l’explosion du\nstyle Courrèges\, « un style qui n’est pas une simple vision esthétique mais qui correspond à une philosophie\nprofonde définissant un style de vie ». \nQualifiée de « bombe Courrèges » par la presse\, cette collection est une révolution dans l’univers de la mode. Peter Knapp était là pour la photographier\, très librement ! Dans le numéro 1002 du ELLE\, en mars 1965\, le photographe présente cette nouvelle femme Courrèges à travers une série elliptique\, faisant voler ses modèles\, suspendues dans l’espace. Cette série constitue le coeur de l’exposition en quatre grands tirages complétés par d’autres séries\, des archives et des tenues photographiées par Knapp en 1965\, et généreusement prêtées par la maison Courrèges. \nL’amitié est centrale pour la Fondation Marguerite et Aimé Maeght. En effet\, à sa création\, le couple l’imagine comme un lieu de partage entre artistes de toutes disciplines. Première fondation en France pour l’art moderne et contemporain\, inspirée par les grandes fondations américaines – Barnes\, Guggenheim\, Phillips – elle est immédiatement reconnue d’utilité publique. Ce projet visionnaire marque un véritable tournant pour le monde de l’art : un acteur privé pour la culture et un bâtiment moderne pour un art moderne !
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LOCATION:Fondation Maeght\, 623 chemin des Gardettes\, Saint-Paul de Vence\, Alpes-Maritimes\, 06570\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:La mode en majesté\, haute couture et tradition à la cour de Thaïlande
DESCRIPTION:Le musée des Arts décoratifs présente une exposition inédite sur l’évolution du vêtement à la cour thaïlandaise\, avec des pièces issues de la collection royale. \nRéunissant plus d’une centaine de tenues et d’accessoires exceptionnels\, l’exposition présente les garde-robes royales\, mettant en avant les huit formats de costumes traditionnels thaïlandais conçus par Sa Majesté la Reine Sirikit en collaboration avec une équipe d’historiens et de créateurs locaux thaïlandais. De plus\, l’exposition met en lumière l’histoire unique du dialogue culturel et artistique\, marquée par plus de trente années de collaboration entre Sa Majesté la Reine Sirikit et le créateur de mode Pierre Balmain\, puis poursuivie avec les maisons Balmain et Lesage. \nCette exposition est organisée en collaboration avec le Queen Sirikit Museum of Textiles (QSMT) en Thaïlande et The Sustainable Arts and Crafts Institute of Thailand (SACIT). L’exposition s’inscrit dans le cadre des célébrations du 340e anniversaire de la première relation diplomatique et du 170e anniversaire de l’établissement des relations diplomatiques entre la France et la Thaïlande.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107\, rue de Rivoli\, Paris\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Nicolas Bouvier : Voyages au Levant
DESCRIPTION:Nicolas Bouvier (1929-1998)\, auteur du chef-d’œuvre « L’usage du monde »\, utilisait la photographie comme un calepin visuel de ses pérégrinations. Ses photos\, principalement prises lors de ses voyages au Japon entre 1955 et 1970\, sont mises en lien avec celles de photographes majeurs.\nCette exposition-événement révèle une centaine de tirages argentiques rares et tirages couleur\, d’époque\, pour la plupart jamais exposés\, immortalisant le Japon de l’après-guerre à travers trois séjours marquants\, au fil d’une déambulation rythmée par les textes de Nicolas Bouvier. \nL’expérience se veut immersive avec des salles sonorisées diffusant les enregistrements musicaux collectés par Bouvier lors de ses voyages.\nLa scénographie\, conçue par Nicolas Crispini\, photographe plasticien et ami de l’artiste\, s’appuie sur les écrits de Bouvier et des citations d’auteurs qui l’ont inspiré. \nCette rétrospective s’inscrit en partenariat avec le Festival Présence(s) Photographie (22 mai – 7 juin) qui interroge 14 photographes suisses contemporains sur la question « quel usage du monde ? ». \nAccueil groupes et scolaires sur rendez-vous : visite.musees@montelimar.fr
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain Saint-Martin\, 1\, avenue Saint-Martin\, Montélimar\, Drôme\, 26200\, France
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SUMMARY:Plumes de paradis : Voyages d’un oiseau extraordinaire de Nouvelle-Guinée
DESCRIPTION:Des forêts de Nouvelle-Guinée aux tableaux des grands maîtres de l’école du Nord\, une traversée fascinante sur les traces des oiseaux de paradis\, créatures flamboyantes qui captivent le monde depuis cinq siècles. \nCette exposition retrace la circulation des plumes et des représentations des oiseaux de paradis\, oiseaux- artistes faiseurs d’enchantement originaires des forêts luxuriantes de Nouvelle-Guinée. Objet de convoitise\, de contemplation et d’inspiration\, ces êtres spectaculaires ont traversé les époques et les continents. \nRéunissant près de 190 œuvres – parures\, peintures\, spécimens naturalisés\, pièces et accessoires de mode\, objets d’art et ouvrages illustrés\, le parcours croise les regards de l’histoire naturelle\, de l’art\, de l’ethnologie\, de la mode et de l’écologie. Il éclaire la manière dont ces oiseaux ont été collectés\, représentés\, admirés ou transformés au fil du temps\, en Océanie\, en Asie et en Europe. \nConçue en collaboration avec des scientifiques\, universitaires et artistes de Nouvelle-Guinée\, l’exposition propose des lectures locales contemporaines. Elle invite à repenser nos liens avec le vivant et les savoirs en tenant compte des enjeux impérieux de ce siècle\, et à découvrir ces plumes éclatantes sous un regard renouvelé.
URL:https://actu.art/event/plumes-de-paradis-voyages-dun-oiseau-extraordinaire-de-nouvelle-guinee/
LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Carnets d’Henri Gaudin\, itinéraire sensible d'un architecte
DESCRIPTION:Architecte majeur et inclassable\, Henri Gaudin a consigné pendant plus de quarante ans dessins\, textes et intuitions dans des carnets foisonnants. Donnés en 2023 à la BnF\, ces carnets sont aujourd’hui exposés sur le site François-Mitterrand. Leur étude se révèle extrêmement précieuse pour la compréhension de son travail et\, plus largement\, pour saisir de manière sensible toute une époque.
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LOCATION:Bibliothèque nationale de France – site François-Mitterrand\, 11 quai François-Mauriac\, Paris\, Paris\, 75013\, France
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SUMMARY:Dominique Renson : Artiste et modèles
DESCRIPTION:Dominique Renson est née en 1956. Elle vit et travaille à Paris et à Béziers. L’exposition présentée à la Maison Caillebotte réunit des œuvres de plusieurs séries fortes de l’artiste\, où autoportraits et modèles se répondent. \nDominique Renson a étudié à l’école Duperré et à l’École des Beaux-Arts de Paris à la fin des années 1970\, une période qui laissait peu de place à la figuration. Dominique Renson s’éloigne alors de la peinture. \nPeindre les visages \nUn voyage en Australie en 1989 marque un tournant. Après avoir côtoyé\, le temps d’un été\, des aborigènes dans un bar\, elle décide de peindre ces visages. Elle ne cessera ensuite de représenter des personnages dans la peau de qui elle aimerait se glisser. \nÀ rebours des modes\, elle s’exprime principalement à travers le portrait\, ou plutôt le « visage » :\n« Je préfère le mot visage parce que c’est dans le visage que j’essaye de capter l’énergie que dégage une personne. Et aussi parce que je trouve qu’il n’y a rien de plus beau qu’un visage. » \nElle réalise de nombreuses séries qui commencent toujours par un autoportrait\, une manière de tester la justesse du projet et surtout de se livrer. En se dévoilant\, l’artiste crée un espace de rencontre authentique avec ses modèles\, un dialogue sensible où force et vulnérabilité se répondent. \nDes œuvres de plusieurs séries fortes \nL’exposition présentée à la Maison Caillebotte réunit des œuvres de plusieurs séries fortes de l’artiste : L’Autoportrait à Santorin\, fondateur de son travail\, l’autoportrait de la série Têtes de pierre\, l’autoportrait des Gisants\, rappelant Le Christ mort d’Holbein à Bâle\, côtoient les modèles de Joie\, Le Cri\, Las de vivre\, et d’autres encore. \nSur des fonds neutres ou monochromes\, Dominique Renson laisse ses personnages aux poses frontales\, tels des icônes « sortir de la toile ». Après une séance de photos durant laquelle elle capte différentes postures\, elle se sert de ces clichés pour élaborer en peinture\, en digne héritière de la tradition artistique expressionniste d’Europe du Nord\, un portrait à la chair palpitante. \nMalgré les chairs bleuies\, les vaisseaux et les tendons à fleur de peau\, les visages portant la marque du temps\, toutes les imperfections\, Dominique Renson traite ses modèles avec beaucoup d’empathie et ne recherche que la vérité.
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LOCATION:LA MAISON CAILLEBOTTE\, 10\, rue de Concy\, Yerres\, Essonne\, 91330
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SUMMARY:Nicolas Floc’h : Hidroscape
DESCRIPTION:Pour sa saison estivale 2026\, la Fondation François Schneider offre une carte blanche à l’artiste Nicolas Floc’h\, figure majeure de la scène contemporaine. Son travail\, situé à la confluence de l’investigation scientifique et de la création plastique\, redéfinit notre perception du vivant en révélant l’invisible. L’exposition Hydroscape lève le voile sur les travaux au long cours de Nicolas Floc’h. Loin de la simple documentation\, il appréhende l’élément eau comme un milieu à part entière\, doté de sa propre architecture\, de ses forêts\, de ses prairies et de nuances chromatiques révélatrices de la santé des océans et des fleuves. \nAu fil d’un parcours pluridisciplinaire\, la photographie dialogue avec la sculpture\, l’installation et la vidéo\, autour de trois axes : \nLes paysages productifs : la puissance des grands formats photographiques en noir et blanc de l’artiste nous immerge dans les forêts de laminaires et les étendues d’algues vertigineuses des côtes bretonnes et normandes. En s’affranchissant du pittoresque\, Nicolas Floc’h dresse une typologie rigoureuse de paysages sous-marins dont la réalité biologique est aujourd’hui en pleine transformation. Grâce à un jeu d’échelles entre plans larges et détails\, il nous incite à observer le fond des mers avec la même rigueur géographique que nos paysages terrestres. \nLes structures productives : au cœur du parcours\, l’artiste dévoile les fruits d’une étude menée entre 2010 et 2019 autour des récifs artificiels immergés au Japon\, au Portugal\, en France et en Espagne. Fasciné par ces « villes sous-marines » implantées pour soutenir la biodiversité\, Nicolas Floc’h en a entrepris un inventaire exhaustif à travers la photographie. Telles des ruines inversées dévolues au repeuplement des fonds\, ces structures prennent vie sous l’eau. Représentés par l’artiste sous forme de sculptures à l’échelle un dixième\, ces modules permettent de découvrir également la diversité de leurs formes. \nLa couleur de l’eau : l’exposition culmine avec l’exploration de la Couleur de l’eau\, cycle initié en 2016 où la teinte des masses d’eau devient un indicateur biogéochimique de premier ordre. La couleur devient alors un paysage à lire\, une archive visuelle qui témoigne des activités géologiques\, biologiques et anthropiques d’un territoire. Une section inédite\, issue d’une résidence sur le Rhin menée en 2026\, ancre cette recherche dans le contexte local. À travers un protocole rigoureux — colonne de couleur\, ligne de surface et grille chromatique — l’artiste traduit la qualité du fleuve en véritables monochromes picturaux. \nEntre démarche scientifique et création plastique\, Hydroscape transforme notre regard sur ces habitats invisibles. L’eau n’y est plus un simple miroir\, mais une topographie habitée où chaque structure et chaque nuance de couleur deviennent les instruments de lecture d’un écosystème en pleine mutation. \nCommissariat : Sarah Guilain\, responsable des projets artistiques et de la collection
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LOCATION:Centre d’Art Contemporain de la Fondation François Schneider\, 27 rue de la Première Armée\, Wattwiller\, Haut-Rhin\, 68700\, France
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SUMMARY:Art nouveau – Art déco : Marseille au cœur des styles
DESCRIPTION:Le Château Borély consacre pour la première fois une exposition à une période majeure des arts décoratifs et industriels marseillais. \nPrès de 180 œuvres\, issues de prêts d’institutions prestigieuses telles que le musée d’Orsay\, le musée du Mobilier National\, le musée des Beaux-Arts ou le musée des Textiles de Lyon\, ainsi que de collections marseillaises rarement montrées\, investissent le premier étage et révèlent un patrimoine méconnu. \nVernissage jeudi 7 mai à 18h30
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LOCATION:Château Borély – Musée des arts décoratifs\, de la faïence et de la mode de la Ville de Marseille\, 134\, avenue Clot Bey\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13008
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Dan Flavin : Des simples tubes fluorescents
DESCRIPTION:Dan Flavin (1933 – 1996) produit une première œuvre à base de tubes fluorescents\, en l’occurrence d’un tube\, en 1963. Intitulée the diagonal of May 25\, 1963 (to Constantin Brancusi)\, celle-ci annonce tous ses travaux à venir et pose les bases d’un cahier des charges auquel il restera fidèle tout au long de sa trajectoire. L’artiste se refuse en effet à partir de cette date à toute intervention « manuelle » en n’ayant désormais recours qu’à de « simples » – le terme est fréquemment utilisé par ses commentateurs – matériaux disponibles dans le commerce. \nLes formes\, épurées et géométriques\, sont minimalistes et propices à d’innombrables variations à travers lesquelles Flavin alterne les tailles des appliques et des tubes\, l’ordre de leur agencement\, leur nombre\, progression\, configuration et orientation. Selon les cas\, elles sont symétriques ou non. Posées à même le sol ou élevées. Elles peuvent adhérer à un ou plusieurs murs mais aussi s’articuler autour d’angles que l’artiste aime épouser afin de signifier que les supports sur lesquels les travaux s’appuient ne sont pas des entités neutres. \nA ces questions d’ordre formel se greffe bien entendu une donnée chromatique permettant à Flavin de déployer un large spectre de tonalités qui inscrivent sa pratique\, qu’on le veuille ou non\, dans une longue tradition picturale. Ses monuments à Tatlin\, tout comme son hommage à Brancusi\, disent par ailleurs sa dette envers un héritage européen que peu d’artistes minimalistes états-uniens de sa génération ont bien voulu reconnaitre. Les œuvres retenues pour cette exposition traduisent la diversité de son propos et témoignent\, compte tenu de l’immatérialité du médium qu’il a fait sien\, de la difficulté à les circonscrire. Un matériau qui dessine un espace flottant avec lequel nous spectateurs et spectatrices formons un ensemble aux contours indéterminés. \n— Erik Verhagen\, Historien de l’art\, Critique d’art
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LOCATION:Venet Foundation\, Chemin du Moulin des Serres\, Le Muy \, Var\, 83490\, France
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SUMMARY:Bernard Buffet : Une Amitié d’Artiste
DESCRIPTION:C’est en 1947 que leurs chemins se croisent pour la première fois lors du jury de l’Ecole des Beaux-Arts\, puis en 1948 au Salon d’Automne où Bernard Buffet est admis comme sociétaire. Mais leur véritable amitié naît bien plus tard\, en 1974\, lorsque Brayer s’engage activement pour le faire élire à l’Académie des Beaux-Arts. C’est chose faite le 22 janvier 1975. \nYves Brayer et Bernard Buffet partagent bien plus que leur passion pour la peinture : un même amour profond pour l’art\, qu’il soit antique ou flamand\, romantique ou moderne. Ils admirent Gros\, Delacroix\, Géricault\, Goya et Francis Gruber — un ami proche de Brayer. Tous deux sont de farouches défenseurs de la Figuration\, refusant obstinément l’Abstraction. Ce sont aussi deux travailleurs infatigables : l’un peint le jour\, l’autre préfère la nuit. \nUne sélection d’œuvres de 1947 à 1998 permet d’appréhender la grande variété de l’œuvre de Bernard Buffet. Cette exposition\, Une Amitié d’Artistes\, rend hommage à cette relation rare\, faite d’amitié profonde et d’admiration mutuelle. Pour la célébrer\, des oeuvres d’Yves Brayer répondent à celles de Bernard Buffet\, dans un dialogue sensible et silencieux\, comme celles de Bernard Buffet revisitent les collections permanentes.
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LOCATION:Musée Yves Brayer – Hôtel de Porcelet\, Place François de Hérain\, Les Baux-de-Provence\, Bouches-du-Rhône\, 13520\, France
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SUMMARY:Léa Barbazanges : Toute la beauté du monde
DESCRIPTION:Avec « Toute la beauté du monde »\, la Fondation d’entreprise Hermès poursuit son soutien à la création contemporaine. L’artiste strasbourgeoise Léa Barbazanges présente dans l’espace d’exposition de La Grande Place\, musée Saint-Louis\, une quinzaine d’œuvres récentes confectionnées à partir de matières et de textures végétales\, minérales et animales. \nPensée comme une expérience à la fois visuelle et sensorielle\, cette exposition sous le commissariat d’Estelle Pietrzyk\, conservatrice en chef du Patrimoine au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS)\, s’adresse autant à l’œil qu’au désir de toucher. Polymorphe\, elle se lit comme un instantané du travail de Léa Barbazanges\, où s’entrelacent les différents règnes du vivant.  \nJouant des variations entre le vide et le plein\, le visible et l’imperceptible\, l’artiste compose des œuvres qui invitent à ralentir le regard et à prêter attention à ce qui échappe habituellement à la perception. Les matériaux qu’elle choisit – algues\, soies d’araignée\, membranes organiques\, minéraux – sont discrets\, souvent peu visibles. C’est par le regard attentif et le travail patient de la main qu’ils sont transformés et magnifiés\, révélant une beauté insoupçonnée. Certaines œuvres évoquent des tentures délicates\, d’autres font surgir des motifs issus de mues animales ou de microstructures naturelles\, donnant naissance à un monde fragile et poétique.\nPour la première fois\, l’artiste présente un ensemble de pièces consacrées aux diatomées\, microalgues invisibles à l’œil nu mais essentielles à l’équilibre de la planète. À travers une forme monumentale mise en mouvement\, elle en révèle l’architecture dentelée et la complexité. Le parcours est ponctué d’une ligne de mica\, un minéral naturellement irisé\, déployée sur plusieurs mètres. Sa surface vibrante aux couleurs changeantes célèbre une beauté instable et insaisissable. Ce projet immersif inédit est enrichi par une création sonore de la musicienne Christine Ott\, spécialiste des ondes Martenot\, invitant le visiteur à une traversée sensible du vivant. \nDepuis sa création\, la Fondation d’entreprise Hermès soutient de manière pérenne les arts visuels au sein de ses quatre espaces d’exposition dédiés à la création contemporaine: La Verrière à Bruxelles (Belgique)\, Le Forum à Tokyo (Japon)\, l’Atelier à Séoul (Corée du Sud) et\, depuis 2014\, La Grande Place\, musée Saint-Louis à Saint-Louis-lès-Bitche (France). Imaginées sous le prisme des savoir-faire\, les expositions de La Grande Place\, musée Saint-Louis sont conçues par cycles en collaboration avec une institution culturelle locale et la complicité de la cristallerie Saint-Louis. Après quatre cycles réalisés successivement avec le Centre Pompidou-Metz\, le 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine (Metz)\, le centre d’art contemporain – la synagogue de Delme et le centre d’art Vent des Forêts\, la Fondation a confié sa programmation au Musée d’Art moderne et contemporain de Strasbourg (MAMCS) pour quatre expositions de 2025 à 2027. À travers ce cycle\, Estelle Pietrzyk\, conservatrice en chef du Patrimoine au MAMCS\, met en lumière des artistes ayant une pratique ancrée dans un terreau artistique local fertile.
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LOCATION:La Grande Place – musée Saint-Louis\, Rue Coëtlosquet\, Saint-Louis-lès-Bitche\, Moselle\, 57620\, France
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SUMMARY:CTRL+ALT+ART : Peindre le jeu vidéo
DESCRIPTION:Au cœur de cette exposition\, découvrez le travail des “ concept artists ”\, ces créateurs formés aux beaux-arts ou au design\, qui conçoivent les univers\, les ambiances et les personnages bien avant leur modélisation. Car avant l’assemblage des pixels\, un jeu vidéo prend d’abord forme à travers un trait\, une composition\, une palette. Peinture à l’huile\, aquarelle\, techniques traditionnelles… beaucoup s’appuient sur des savoir-faire classiques. Certains réinterprètent des œuvres tombées dans le domaine public pour inventer de nouvelles iconographies. D’autres puisent directement dans les collections muséales\, qu’ils recréent avec précision\, afin d’enrichir leurs récits et leurs mondes. Plongez dans les coulisses esthétiques du jeu vidéo\, là où l’art pictural structure l’imaginaire contemporain\, aux origines de nombreux jeux vidéo comme Clair Obscur : Expedition 33\, Dishonored\, Gris et Creaks.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Dole\, Pavillon des Officiers - 85 rue des Arènes\, Dole\, Jura\, 39100\, France
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SUMMARY:Jardins des Lumières\, 1750-1800
DESCRIPTION:Du 5 mai au 27 septembre 2026\, au Grand Trianon\, l’exposition « Jardins des Lumières\, 1750-1800 » invite à une découverte inédite du jardin paysager au XVIIIe siècle. Réunissant près de 160 œuvres parmi lesquelles peintures\, dessins\, mobilier\, projets d’architecture et costumes\, le parcours met en lumière à travers une scénographie spectaculaire\, la naissance d’un art du paysage affranchi des règles du jardin à la française\, célébrant l’irrégularité\, la fantaisie et l’évocation philosophique de la nature. En dialogue étroit avec les jardins commandés par Marie-Antoinette au Petit Trianon\, l’exposition offre une relecture sensible de sites emblématiques que le public pourra découvrir ensuite\, tels que le Belvédère\, le temple de l’Amour et le Hameau de la Reine.
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LOCATION:Musée National du Château de Versailles\, place d'Armes\, Versailles\, Yvelines\, 78000\, France
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SUMMARY:Clara Bryon : Matière du temps
DESCRIPTION:Pour la période estivale 2026\, entre le mois de mai et le mois de juillet\, le Nouvel Institut Franco-Chinois a le plaisir d’accueillir le travail de l’artiste Clara Bryon \n« Matière du temps »\n« Chez Clara Bryon\, portes\, murs et fenêtres\, ressemblent à des blessures. Il ne faut pas les refermer trop vite\, mais éprouver physiquement qu’à travers elles\, une guérison va surgir. Portes\, murs et fenêtres ressemblent à des visages qui depuis leur obscurité d’êtres humains\, laissent passer une lumière de petit matin.\nClara Bryon sait ce qui lui est essentiel dans la vie comme dans son art\, rétablir des circulations d’énergie et puiser à un souffle intérieur et… cosmique. Et cela même qu’elle est venue chercher en Chine relève d’un travail exigeant. Depuis un certain temps\, l’artiste se tenait sur le seuil de la Chine\, attendant le bon moment pour faire le grand saut dans un inconnu qui lui était malgré tout familier.
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LOCATION:Musée du Nouvel Institut Franco-Chinois\, 2\, rue Soeur Bouvier\, Lyon\, Rhône\, 69005
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SUMMARY:Paul Amar
DESCRIPTION:Paul Amar : sculptures et peinture en coquillages
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LOCATION:Musée d’Arts Brut\, Singulier & Autres\, 1\, rue Beau Séjour\, Montpellier\, Hérault\, 34000
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SUMMARY:Sophie Bassot et Philippe Sutter : Transcendance
DESCRIPTION:Pendant toute la durée de la saison estivale\, du 2 mai au 27 septembre 2026\, venez découvrir l’exposition d’art contemporain Transcendance au musée de la Folie Marco. Les œuvres de Sophie Bassot\, artiste-peintre\, et de Philippe Sutter\, céramiste d’art\, sont exposées dans les salles du parcours d’exposition permanente pour créer un face-à-face entre peinture et céramique tout autant qu’un dialogue entre art contemporain et objets d’arts décoratifs anciens. L’accès à cette exposition temporaire est compris dans le tarif d’entrée classique du musée.
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SUMMARY:Africa Pop
DESCRIPTION:L’exposition Africa Pop invite les visiteurs à rencontrer les cultures africaines sur le fil du textile\, à travers une conversation entre les tissus appelés wax et des objets du quotidien. \nCe voyage d’Ouest en Est\, et du Nord au Sud\, propose la découverte d’un continent où les étoffes sont supports de langage et expriment la voix des femmes. \nÀ travers des collections exceptionnelles reflétant 30 années de recherches de terrain\, une scénographie immersive avec un sens aigu du détail\, l’exposition est construite comme un imagier géant qui invite le visiteur à observer chaque élément dans un jeu de correspondance.
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LOCATION:Musée d’Art Naïf Anatole Jakovsky\, 23\, Av de Fabron\, Nice\, Alpes-Maritimes\, 06000
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