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SUMMARY:Kazuo Kitai : l'éloge du quotidien. Soixante ans à photographier le Japon
DESCRIPTION:Le photographe Kazuo Kitai est l’un des grands maîtres de la photographie japonaise\, pourtant encore peu connu en Europe. Depuis les années 1960\, il documente la société japonaise « de l’intérieur » : mouvements étudiants\, luttes paysannes\, villages voués à disparaître\, banlieues en plein essor\, instants ordinaires… Cette rétrospective permet ainsi de saisir l’évolution d’un regard profondément humaniste\, attentif aux transformations du Japon et à la mémoire de ceux qui l’habitent. À travers près de 130 tirages\, elle offre une traversée complète de son œuvre\, depuis les séries militantes des années 1960-1970 jusqu’à ses travaux les plus récents réalisés chez lui.  \nL’exposition s’articule autour de quatre sections : la première Se révolter / Sanrizuka\, Résistance\, Barricades\, revient sur les débuts de Kitai notamment au travers de ses séries sur les luttes étudiantes. Puis avec La vie à la campagne / Paysages vaguement familiers\, Vers les villages\, le visiteur est immergé dans la mélancolie de la campagne japonaise des années 1970. La troisième section intitulée Vivre en milieu urbain / Funabashi Story\, Histoires de Shinsekai donne à appréhender le quotidien de la classe moyenne dans les villes-dortoirs de la banlieue de Tokyo dans les années 1980\, ainsi que le quartier populaire de Shinsekai à Osaka. L’exposition se clôture par une section dédiée à un travail plus intimiste du photographe (Promenades avec mon Leica) et sur l’une de ses dernières séries\, IROHA\, qui témoigne de sa capacité intacte à se renouveler à 80 ans. \nCommissariat : Satomi Fujimura (Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture\, Arts Council Tokyo)
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LOCATION:Maison de la culture du Japon\, 101 bis quai Branly\, Paris 15\, Paris\, 75015\, France
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SUMMARY:Shin Sung-Hy : Coller\, couturer\, nouer
DESCRIPTION:Dans le cadre de la célébration du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée\, le musée Cernuschi vous propose de découvrir\, à l’occasion d’une exposition monographique\, une trentaine d’oeuvres de l’artiste coréen Shin Sung Hy (1948-2009).
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LOCATION:Musée Cernuschi\, Hôtel particulier - 7 avenue Vélasquez\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Marilyn Monroe
DESCRIPTION:« Je peux être intelligente quand c’est important\, mais la plupart des hommes n’aiment pas ça. » La célèbre réplique des Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953) pourrait\, dans un sens\, bien résumer les choses : Marilyn Monroe affronte l’impitoyable système des studios pendant sa courte carrière d’actrice à Hollywood (1946-1962) et reste aujourd’hui autant déconsidérée\, comme interprète\, qu’adulée en tant que star. Du fait de ses possibilités scénographiques\, l’exposition est particulièrement appropriée à l’opulence visuelle que Monroe cristallise dans les années 50. Sa trajectoire à l’heure du Technicolor et de l’écran large s’illustre par le matériel publicitaire glamour\, la garde-robe sexy\, les portraits d’artistes de renom (Eve Arnold\, Richard Avedon\, Andy Warhol…) mais aussi les actualités analysant chaque décision de la célébrité. Ou commentant sa disparition qui ouvre\, à l’âge de 36 ans\, le spectaculaire chapitre de « sa vie » post mortem. Cet héritage est célébré dans une installation inspirée de la culture ballroom que Madonna – incarnation de la pop culture dans sa capacité à s’approprier les tendances pour les faire rayonner – popularise bien avant Drag Race. \nSéparer la star de l’actrice ?\nMonroe est d’abord connue en tant que phénomène culturel\, dont on se souvient à travers ses photographies davantage que ses films. Elle est plus rarement appréhendée comme une actrice qui incarne et compose des rôles à l’écran. L’un des enjeux de l’exposition est de remettre ses performances cinématographiques au centre et de proposer aux visiteurs de les regarder autrement. Car à ce jour\, c’est comme si ses rôles étaient le simple reflet d’états émotionnels\, éprouvés sur des tournages chaotiques\, et plus proches de la névrose que de la mystérieuse profondeur psychologique des autres comédiens passés par l’Actors Studio. \nLa célébration de son centenaire repose sur un deuxième constat : Monroe est traversée par toutes sortes de légendes\, et sa foisonnante exégèse biographique converge vers l’irrésoluble question : quelle est la « vraie femme » derrière le sex-symbol ? Or\, ce que l’on sait de Monroe est pour beaucoup documenté par des témoignages contradictoires\, et ces lectures semblent elles-mêmes s’adosser à certaines préconceptions\, à la fois des icônes hollywoodiennes\, mais aussi des femmes en général. L’exposition propose ainsi de regarder non pas seulement l’actrice\, mais aussi les croyances qui ont participé à l’émergence de la star au sein des studios\, et l’ont accompagnée tout au long de sa carrière. \nL’interprétation à l’écran\nAu mieux\, on concède que Monroe était une bonne actrice de comédies\, mais l’idée la plus courante est qu’elle ne jouait que son propre rôle. Les observations de ses proches et collaborateurs ne relèvent pas\, à l’époque\, d’une malveillance particulière\, mais le recul du temps montre à quel point elles contribuent à la disqualifier : « Elle savait exactement quel effet elle avait sur les hommes. Et c’est tout » (Fritz Lang)\, « Elle ne jouait pas » (John Huston)\, « Dans tout ce qu’elle fait\, elle est « elle-même » » (Arthur Miller). En abolissant le rapport entre être et incarner\, ces commentaires masquent le fait que Monroe pensait ses rôles\, les préparait et au-delà\, l’interprétation comme création. \nOr\, l’actrice ne joue pas les « blondes idiotes »\, vamps et autres séductrices invariablement\, quel que soit le metteur en scène\, ou les conventions associées aux genres cinématographiques. Comme le démontre Acting in the Cinema (1988) de James Naremore – contributeur du catalogue –\, observer minutieusement les expressions du visage\, s’attarder sur les gestes dans un cadre et les rapports aux partenaires de jeu permet de montrer un travail de composition\, un style\, un talent. Chez Monroe\, ceci s’illustre déjà dans sa palette d’émotions plus vaste que celle des autres acteurs de Quand la ville dort de Huston (1950) et ce\, malgré la brièveté de ses apparitions. Sa formation au jeu ou les écarts subtils qu’elle crée\, à l’écran\, avec l’image attendue de la star\, sont d’autres moyens de saisir ses stratégies d’actrice dans un système esthétiquement et économiquement contraignant. \nDécris-moi ta Marilyn et je te dirai qui tu es\nAu-delà de nos habitudes de cinéphiles aimant décrypter les films au prisme des réalisateurs-auteurs\, on peine à appréhender Monroe comme comédienne à cause de la naïveté qui lui est associée. Et pour comprendre pourquoi nous tendons à la voir seulement « prendre la pose »\, telle une mannequin\, et pourquoi l’innocence est au cœur de son identité\, il faut revenir au fonctionnement du star-system. Difficile de passer à côté des travaux de Richard Dyer (également dans le catalogue) qui propose en 1986 l’idée suivante : Monroe cristallise les contradictions des années 50\, à la fois puritaines et obsédées par la sexualité\, par sa supposée spontanéité\, provenant de son image de pin-up. \nEn 1945\, devenir modèle permet à Monroe de divorcer et d’échapper à sa condition d’ouvrière. Elle se propulse en moins d’un an en couverture de nombreux magazines. La Twentieth Century Fox reprend cet idéal de femme enjouée\, érotisée sans jamais être vulgaire\, dès ses premiers films. Mais aussi dans toutes ses apparitions publiques et tout le matériel promotionnel\, élaboré par les départements de publicité du studio à renfort de fictions sur la jeune recrue. Les critères promotionnels de la Mmm Girl seront repris par ses premiers biographes\, dont les données sont encore recyclées aujourd’hui. En bref\, comme le résume Sarah Churchwell dans son historiographie critique des biographies existantes sur Monroe : les croyances précèdent souvent les faits et elles en disent plus sur nous que sur la star. \nExposer Marilyn\nDans Sept ans de réflexion (1955)\, Billy Wilder et Monroe proposent la version la plus parodique et exhibitionniste de la pin-up. Cette même année\, l’ambition de l’actrice qui cherche à accéder à des rôles plus complexes – en premier lieu Bus Stop de Joshua Logan (1956) – correspond à la dégradation de son image publique\, désormais teintée d’échec\, comme si ses prétentions artistiques avaient été sanctionnées. Ses aspirations personnelles auront\, de fait\, du mal à aboutir\, tant son symbole de « blonde idiote » a la vie dure. Cette tension entre les deux est la source des innombrables légendes\, décuplées par sa mort brutale et l’éparpillement de ses biens. Exposer Marilyn Monroe\, c’est ainsi d’abord se confronter à un certain type de discours (teinté d’une fascination pour la mort d’une belle jeune femme) et à un accès relativement difficile aux archives qui nourrissent\, main dans la main\, le mythe. \n« Sois raisonnable\, chérie\, on ne met pas de muscles dans un compte en banque »\, conseille le personnage incarné par Monroe à son amie Dorothy\, irrépressiblement attirée par les silhouettes athlétiques dans Les hommes préfèrent les blondes. La star\, tout juste promue sex-symbol international\, est déjà elle-même un capital fructueux dont on pourrait commodément dire que l’essentiel est aujourd’hui détenu par une poignée de milliardaires : qu’il s’agisse de ses effets personnels – entre les mains de collectionneurs privés – ou de ses droits et revenus\, exploités par une holding financière. Le mythe est là pour perdurer. \nFlorence Tissot\, commissaire de l’exposition
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LOCATION:La Cinémathèque Française\, Rue de Bercy 51\, Paris\, Département de Paris\, 75012\, France
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SUMMARY:Fidji 1838 : Face à face
DESCRIPTION:Du 4 avril au 2 août 2026\, le musée des Beaux-Arts propose une exposition exceptionnelle consacrée aux îles Fidji. \nReconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture\, cette exposition valorise le patrimoine culturel océanien\, à travers notamment les dessins d’Ernest Goupil (1814-1840)\, artiste embarqué sur la Zélée\, dont ceux d’un fonds inédit conservé au musée des Beaux-Arts de Chartres. \nUne exposition réalisée en collaboration avec le musée du Quai Branly – Jacques Chirac
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SUMMARY:Lee Miller
DESCRIPTION:Figure essentielle de l’avant-garde internationale\, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin\, artiste surréaliste\, portraitiste\, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes\, dont plusieurs inédits\, et propose un nouveau regard sur son œuvre.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Brion Gysin
DESCRIPTION:Né en Grande-Bretagne en 1916\, Brion Gysin est un artiste protéiforme\, peintre\, poète\, performer\, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. L’exposition\, constituée de plus de 140 œuvres de l’artiste\, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris\, d’une richesse unique au monde\, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées\, en France et à l’étranger.
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SUMMARY:Par-delà les mille et une nuits. Histoire des orientalismes
DESCRIPTION:Avec près de 300 chefs-d’œuvre\, l’exposition Par-delà les Mille et Une Nuits. Histoires des orientalismes invite à un voyage à travers le temps pour découvrir comment formes\, imaginaires et savoirs circulent et se transforment. L’exposition explore les vies multiples des œuvres — les destins des objets depuis leur création\, leurs voyages\, leurs réinterprétations — et interroge la manière dont se construisent\, se transforment et se transmettent les récits. \nAu début du 18e siècle\, Antoine Galland publie en français Les Mille et Une Nuits\, un ensemble de contes issus de traditions indiennes et persanes\, transmis en arabe dès le 9e siècle. Portées par la figure de Schéhérazade\, ces histoires\, façonnées par des siècles de réécritures\, ouvrent un imaginaire où le récit devient un espace de survie\, d’invention et de transmission. Leur succès en Europe marque profondément les représentations de l’Orient\, révélant autant un désir d’ailleurs qu’un miroir tendu aux sociétés qui les accueillent. \nMais cette histoire ne commence ni avec Galland ni au 18e siècle. Dès le Moyen Âge\, échanges commerciaux\, diplomatiques et culturels font circuler objets\, motifs et savoirs entre les rives de la Méditerranée et au-delà. Textiles et objets précieux sont conservés dans les trésors d’églises\, les collections princières ou royales\, parfois réemployés et transformés. Les sciences\, les arts et la littérature du monde islamique sont alors largement connus\, intégrés et discutés. L’Orient n’apparaît pas comme un espace homogène ou figé\, mais comme une réalité plurielle\, mouvante\, définie différemment selon les époques et les contextes. \nL’exposition Par-delà les Mille et Une Nuits. Histoires des orientalismes explore le destin des objets sur le temps long. Collectionnés\, admirés\, réinterprétés ou parfois mal compris\, ils témoignent de leurs usages\, de leurs déplacements et des regards successifs qui les ont accompagnés.\nPour la première fois\, un ensemble remarquable issu du département des Arts de l’Islam du musée du Louvre\, comprenant plusieurs chef d’œuvres emblématiques\, est présenté au Louvre-Lens. Ce prêt inédit est complété par des œuvres provenant de collections françaises et belges. \nÀ travers une approche chronologique et critique\, l’exposition retrace\, sous le prisme français\, les échanges culturels entre Orient et Occident du Moyen Âge à nos jours. De Paris à Ispahan\, de l’Alhambra au Caire\, de Constantinople à Venise et Alger\, elle propose un voyage dans l’espace et dans le temps\, où se croisent objets\, imaginaires\, humains et histoires. \nPlusieurs sections rythment le parcours : Dès le 8e siècle\, des objets venus d’Orient\, perçus comme précieux\, circulent en Europe et enrichissent trésors d’églises et collections royales. La légende des échanges entre Charlemagne et Haroun al-Rashid illustre le prestige de ces objets. À partir du 13e siècle et particulièrement à partir du 16e siècle\, le commerce méditerranéen intensifie les transferts et les savoir-faire\, tandis que les échanges diplomatiques et la fascination pour l’Empire ottoman nourrit turqueries et imaginaires européens. L’Orient inspire artistes\, écrivains et musiciens de Molière à Rameau\, tout comme Les Mille et Une Nuits\, traduites et adaptées. Récits historiques et imaginaires se construisent autour d’œuvres emblématiques comme le « baptistère de saint Louis ». Au 18e et 19e siècle\, les voyages savants à l’Alhambra et au Caire révèlent des patrimoines méconnus\, inspirant l’alhambrisme en musique et la création artistique au 19e siècle. D’Ingres à Delacroix\, de Gérôme à Matisse\, en passant par les collectionneurs Goupil et Delort de Gléon dont les ensembles sont ici évoqués\, les objets rêvés ou collectionnés sont réinterprétés dans les peintures et les intérieurs. Les expositions universelles popularisent ces images\, bien souvent stéréotypées. Aujourd’hui\, ces mêmes musées interrogent les histoires de ces orientalismes. \nTout au long du parcours chronologique de l’exposition\, des contrepoints contemporains prolongent cette réflexion : des artistes vivants – Abbas Akbari\, Kader Attia\, Dalila Dalléas Bouzar\, Nezaket Ekici\, Katia Kameli\, Nicene Kossentini\, Fatima Mazmouz\, Sara Ouhaddou\, Nazanin Pouyandeh\, Zineb Sedira\, Wael Shawky\, Rayan Yasmineh\, Nil Yalter\, Amir Youssef –  revisitent ces héritages et proposent de nouvelles lectures qui continuent de questionner le présent. \nEntre passé\, présent et futur\, l’exposition invite à penser autrement la diffusion des formes et la manière dont nous regardons les œuvres aujourd’hui. Revenir aux « Mille et Une Nuits » et aller « par-delà »\, c’est reconnaître que les orientalismes sont des récits. Comme tous les récits\, ils ont été et peuvent être transmis\, réécrits\, modifiés\, questionnés\, enrichis\, critiqués\, recréés. Comme tous les récits\, ils comportent leurs parts d’ombre et de lumière. Comme tous les récits\, la suite de l’histoire reste à écrire\, comme l’expriment les regards des artistes contemporains.   \nCommissariat :\nCommissaires générales : Annabelle Ténèze\, directrice du Louvre-Lens et Souraya Noujaim\, directrice du département des Arts de l’Islam\, musée du Louvre\nCommissaire scientifique : Gwenaëlle Fellinger\, conservatrice en chef au département des Arts de l’Islam\, musée du Louvre \nScénographie :\nPhilippine Ordinaire et Bertrand Houdin\, directeurs artistiques\, avec Mathis Boucher\, architecte-scénographe au Louvre-Lens \nExposition réalisée avec le soutien de la Fondation Crédit Mutuel Nord Europe\, Grand Mécène
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LOCATION:Musée Le Louvre – Lens\, 99 Rue Paul Bert\, Lens\, Pas-de-Calais\, 62300\, France
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SUMMARY:Triboulet : The Xtreme Show
DESCRIPTION:Du 18 juillet au 13 décembre\, la Fondation du doute présente la première exposition d’ampleur consacrée à l’artiste Clément Courgeon. Prenant la forme d’un environnement à la fois joyeux et forain traversé par l’absurde et le grotesque\, elle se déploiera sur plus de 200 m² où s’enchevêtrent pratiques performatives et plastiques (installations\, vidéos\, dessins\, collages\, sculptures\, costumes…).
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SUMMARY:Invitation à Daniel Buren. Plantations\, travaux in situ
DESCRIPTION:Daniel Buren utilise ici son fameux outil visuel – des bandes verticales alternativement blanches et colorées de 8\,7 cm –\, qui lui permet de révéler et de souligner le lieu et tout son contexte dans des travaux in situ. Là où Monet et Caillebotte peignaient les frémissements de l’eau\, des paysages ou du ciel\, l’artiste inscrit ses formes et couleurs dans l’espace même où le public se déplace\, faisant de la perception un phénomène mouvant et toujours renouvelé. Au sein des galeries\, l’exposition fait en outre cohabiter les chefs-d’œuvre de la collection du musée – allant de l’impressionnisme à la création contemporaine – et le travail de Daniel Buren\, dans une invitation placée sous le signe de la couleur.
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LOCATION:Musée des Impressionnismes – Giverny\, 99\, rue Claude-Monet\, Giverny\, Eure\, 27620\, France
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SUMMARY:Calder : Équilibre en couleurs
DESCRIPTION:Figure emblématique du XXe siècle\, Alexander Calder (1898-1976) est connu pour ses célèbres mobiles et stabiles\, sculptures mouvantes où les couleurs semblent flotter\, suspendues dans l’air. Son travail s’impose comme un nouveau langage artistique dans lequel la notion d’équilibre occupe une place essentielle. \nÀ côté de ses sculptures\, Alexander Calder développe une importante pratique du dessin et de la peinture sur papier. Parmi ses techniques de prédilection\, la gouache tient une place essentielle\, avec une palette souvent associée aux couleurs primaires. Plus tard\, l’utilisation de la lithographie devient le prolongement logique de son travail graphique. Cette technique sera mise en avant grâce à son amitié avec Aimé et Marguerite Maeght\, couple emblématique de la scène artistique d’avant-garde et grands diffuseurs d’art. \nCette exposition\, réalisée en partenariat avec la Fondation Maeght\, met en lumière le travail essentiel d’Alexandre Calder ainsi que sa relation avec le couple Maeght\, dont le soutien a largement contribué au rayonnement de son œuvre. \nÀ travers une sélection de 69 œuvres issues de la collection\, cette exposition dévoile gouaches\, lithographies\, bronzes\, encres et mobiles\, révélant toute la diversité d’un artiste précurseur qui a su faire du mouvement une œuvre et de l’équilibre\, un art.
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LOCATION:La Banque – Musée des Cultures et du Paysage\, 14 avenue Joseph Clotis\, Hyères\, Var\, 83400\, France
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SUMMARY:Claude Monet : Des jardins en héritage
DESCRIPTION:Cette exposition propose une relecture sensible et contemporaine de l’héritage du maître de Giverny\, mettant en résonance son œuvre avec les regards d’artistes qui\, à travers le monde\, partagent une même fascination pour la lumière\, les jardins et la couleur. Cette exposition événement est imaginée à l’occasion du centenaire de la mort de Claude Monet. \nS’appuyant sur des prêts exceptionnels issus notamment des collections du Musée d’Orsay\, du musée Marmottan\, des musées de Dreux\, de Saint-Étienne ou de l’Institut du monde arabe\, le parcours fait dialoguer les œuvres de Monet avec celles d’artistes revendiquant sa filiation. Du Japon à l’Afrique du Nord\, de l’Europe à l’Amérique du Nord\, l’exposition révèle l’universalité et la vitalité d’un héritage qui n’a cessé de traverser les frontières et les générations. \nLe jardin voulu par Monet\, largement retravaillé par ses soins\, est en lui-même une peinture faite de matériaux vivants\, une œuvre en perpétuelle mutation. En plongeant dans cette nature recomposée\, photographes et artistes contemporains y ont retrouvé les thèmes clés et les caractéristiques de l’art du peintre : passion du réel et sentiment poétique\, un sens aigu de l’aléatoire\, de l’insaisissable. Chaque œuvre devient non pas un spectacle\, mais un milieu enveloppant où le visiteur expérimente de nouvelles sensations\, comme en immersion.
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LOCATION:Les Franciscaines\, 145B avenue de la République\, Deauville\, Calvados\, 14800\, France
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SUMMARY:Clic : Photographier pour raconter
DESCRIPTION:À l’occasion du Bicentenaire de la photographie\, le Musée de l’Illustration Jeunesse présente « Clic. Photographier pour raconter »\, une exposition consacrée à la place de la photographie dans les livres pour enfants en réunissant tirages et ouvrages photographiques d’hier et d’aujourd’hui\, du 11 juillet 2026 au 3 janvier 2027. \nÀ travers un parcours organisé en cinq grandes thématiques — Des bêtes\, Voir l’ailleurs\, Regarder la nature\, Jeux d’enfants et De l’autre côté du miroir — l’exposition révèle la diversité des usages de l’image photographique dans le livre jeunesse : photographie documentaire\, imagiers\, photomontages\, collages\, dialogues avec le dessin ou l’illustration. \nLe parcours met en regard des figures historiques de la photographie et des artistes contemporains\, parmi lesquels Ianna Andréadis\, Katy Couprie\, Dominique Darbois\, Claire Dé\, François Delebecque\, Robert Doisneau\, Charles Fréger\, Tana Hoban\, Frank Horvat\, Jean Lecointre\, Aude Léonard\, Annette Messager\, Sarah Moon ou encore Marc Riboud. \nRéalisée en collaboration avec Laurence Le Guen\, docteure en photolittérature et spécialiste du livre photographique pour enfants\, et avec les éditions MeMo pour le catalogue \nVisites commentées en présence de la commissaire scientifique de l’exposition : Laurence Le Guen\nJeudi 9 juillet pour le vernissage / Samedi 17 octobre à 14h30 / Samedi 12 décembre à 14h30 \nDes ateliers sont organisés également autour de l’exposition.
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LOCATION:Musée de l’Illustration Jeunesse\, 26 rue Voltaire\, Moulins\, Allier\, 03000\, France
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SUMMARY:L’architecture et son décor : Une parure urbaine
DESCRIPTION:L’architecture comme support d’expression nationale : des palais aux hôtels particuliers\, les décors du XIXe siècle racontent l’histoire et célèbrent la grandeur. Au tournant du siècle\, cette vocation s’efface au profit d’un ornement plus libre.\nAu XIXe siècle\, les décors des bâtiments offrent le moyen de véhiculer des images de l’histoire et des messages sur la vitalité de la nation en touchant une large population. Toute l’architecture est concernée : édifices régaliens comme le Louvre\, édifices bancaires et commerciaux\, hôtels particuliers où les architectes rivalisent de talent pour créer des intérieurs raffinés. Avec le rationalisme et l’Art Nouveau\, les décors perdent la visée d’établir un lien avec l’histoire\, et deviennent pittoresques ou naturalistes. \nCommissariat\nFabienne Chevallier\, chargée du bureau des inventaires
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Saisies de la présence
DESCRIPTION:Le Musée du Hiéron à Paray-le-Monial présente sa nouvelle exposition-événement « Saisies de la présence ». À travers un parcours immersif inédit mêlant beaux-arts\, photographie\, archéologie et poésie\, treize artistes contemporains se saisissent de cette question : comment l’art peut-il traduire l’insaisissable ? \nL’exposition explore la présence sous toutes ses formes — qu’elle soit éclatante et vibrionnante\, ou au contraire fragile\, évanescente\, voire déjà enfuie. Les œuvres rassemblées interrogent les traces que nous laissons dans le sillage des jours\, mais aussi ce qui ne laisse aucune empreinte visible : cette pulsation infime\, presque secrète\, qui ouvre la voie à la mystique. \nCette exposition se fait l’écho et le prolongement du colloque éponyme organisé par Fanny Fouché à l’université Paris-Cité en 2024 né de sa recherche doctorale. \nCommissariat\nFanny Fouché\nChercheuse associée au Canthel\nMaud Siron\nDirectrice du musée du Hiéron
URL:https://actu.art/event/saisies-de-la-presence/
LOCATION:Musée eucharistique du Hiéron\, 13 rue de la Paix\, Paray-le-Monial\, Saône-et-Loire\, 71600\, France
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SUMMARY:En miroirs
DESCRIPTION:L’exposition inaugurale\, intitulée « En Miroirs »\, réunit des artistes qui ont accompagné le parcours de Jean-Marc Bustamante ou dont les œuvres entretiennent avec la sienne des affinités particulières. Peintres\, photographes\, sculpteurs et artistes de différentes générations y composent un récit sensible de rencontres\, d’admirations et de complicités. À travers ces présences se dessine une cartographie des relations qui ont nourri son travail : une histoire de l’art vécue\, faite d’échos\, de regards partagés et de correspondances.
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LOCATION:Fonds Bustamante\, 27 rue de la Chartrouse\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
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SUMMARY:Mythologies
DESCRIPTION:Première exposition temporaire depuis la réouverture du musée Bonnat- Helleu à Bayonne\, «Mythologies» met en dialogue les grands récits fondateurs qui traversent l’histoire humaine\, de l’Égypte pharaonique au Japon moderne\, et de la Grèce antique aux montagnes basques. Conçue en partenariat avec le musée du Louvre et avec la participation exceptionnelle du musée du quai Branly -Jacques Chirac\, elle réunit près d’une centaine d’oeuvres de toutes les époques et de tous les continents. \nComment le monde fut créé ? Quelles puissances l’habitent ? Comment héroïnes et héros parviennent à en infléchir le destin ? Ce sont les questions essentielles auxquelles tâchent de répondre nos mythes. Nés pour expliquer le monde\, conjurer l’inconnu ou penser la condition humaine\, ces récits circulent\, se transforment et se répondent\, au point que des cultures éloignées dans l’espace et dans le temps imaginent des figures et des histoires étonnamment proches. « Mythologies » propose un dialogue inédit entre ces figures et ces histoires\, où se rencontrent pour la première fois les mondes pyrénéens\, les grandes traditions de la Méditerranée\, du Proche et du Moyen Orient\, comme celles du Mexique\, de l’Océanie ou de l’Afrique.
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LOCATION:Musée Bonnat-Helleu – Musée des Beaux-Arts de Bayonne\, 5 rue Jacques Laffitte\, Bayonne\, Pyrénées-Atlantiques\, 64100\, France
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SUMMARY:Park Chan-wook\, par un matin calme
DESCRIPTION:Dans le cadre de sa programmation temporaire estivale et des cent quarante ans de la diplomatie France-Corée\, Lee Ufan Arles présente pour la première fois en Europe le travail photographique du réalisateur coréen de renommée internationale Park Chan-wook. \nLe cinéaste aux dix-sept films\, l’homme pressé qui regarde son téléphone entre deux questions\, le perfectionniste qui fait des story-boards avant chacun de ses tournages\, est un homme différent que la photographie libère. Park Chan-wook photographe\, c’est la version contemplative de cet homme hyperactif qui met à profit ses moments de calme et de liberté pour photographier sans objectif déterminé : ce qui attire son œil surentraîné\, ce qui le charme\, le surprend\, l’amuse. Un motif naturel qui ressemble à un corps. Un chat qui rappelle que l’être humain n’est qu’une espèce parmi les autres. L’action le tenaille\, comme elle tenaille ses héros – et ses antihéros – dans ses scénarios d’une efficacité redoutable\, d’un humour souvent noir\, d’une philosophie acide sur l’être humain confronté au dilemme moral qu’incarne la vie au milieu des autres. Ses photographies sont\, elles\, ancrées dans le temps long\, silencieux\, suspendu. Elles sont l’arrêt sur image qui donne la matière à ses réflexions\, l’air libre d’un homme qui lâche\, un peu\, le contrôle.
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LOCATION:Lee Ufan Arles\, 5 rue Vernon\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Man Ray\, magie de l'image
DESCRIPTION:Figure majeure du surréalisme et de la photographie du XXe siècle\, Man Ray est à l’honneur au musée d’art de Toulon. L’exposition « La magie de l’image » dévoile son univers créatif entre photographie\, expérimentation et poésie visuelle
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LOCATION:Musée d’Art de Toulon\, 113 boulevard du Maréchal Leclerc\, Toulon\, Var\, 83000\, France
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SUMMARY:Anton Prinner : le ciel pour plafond
DESCRIPTION:« À Paris\, la hauteur de mes statues était limitée à 2\,25 mètres\, ici\, j’ai le ciel pour plafond. »\nAnton Prinner. \nÀ l’été 2026\, le musée Magnelli\, musée de la céramique\, consacre une exposition à Anton Prinner (1902-1983). Sous le titre Anton Prinner – le ciel pour plafond\, celle-ci met en lumière un moment essentiel du parcours de cet artiste d’origine hongroise\, installé à Paris à partir de la fin des années 1920\, en s’attachant plus particulièrement aux années passées à Vallauris. Présentée dans la vaste salle Eden\, l’exposition réunit environ cinquante œuvres et documents – sculptures\, céramiques\, estampes\, photographies et archives – et rend visible la richesse d’une oeuvre singulière\, à la croisée de la sculpture\, de la gravure et de la céramique. \nAprès des études à l’école des beaux-arts de Budapest\, au début des années 1920\, Anna – qui ne reviendra plus dans son pays natal – choisit de devenir Anton à son arrivée à Paris en 1927. Dans un premier temps\, proche du constructivisme avant de basculer vers la figuration en 1937\, il explore différents médiums : peinture\, sculpture\, gravure. Dans les années 1950\, Anton Prinner s’installe à Vallauris\, au sein de l’atelier du Tapis Vert fondé par Claire et René Batigne\, au moment où la cité potière connaît un intense renouveau artistique. Dans cet atelier\, où il vit et crée pendant quinze ans\, Prinner trouve un espace propice à l’expérimentation et à la création. Vallauris constitue pour lui un lieu décisif\, celui de l’éclosion de sa grande sculpture : elle y prend une dimension nouvelle\, plus monumentale\, portée par un rapport direct à la matière et par une recherche formelle et spirituelle constante. \nÀ travers sculptures\, céramiques\, estampes\, photographies et documents d’archives\, le musée Magnelli\, musée de la céramique\, met ainsi en valeur un moment essentiel de la carrière d’Anton Prinner\, marqué par la rencontre entre modernité plastique et savoir-faire artisanal. L’exposition rend hommage à une oeuvre atypique au sein de la modernité artistique du XXe siècle\, portée par un idéalisme radical et une profonde spiritualité\, et encore trop rarement présentée dans toute son ampleur.
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LOCATION:Musée Magnelli\, Musée de la céramique\, Place de la Libération\, Vallauris\, 06220\, France
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SUMMARY:Christian Lacroix : Dessins\, gribouillages et graffitis
DESCRIPTION:L’exposition retrace le parcours de dessinateur de Christian Lacroix depuis le milieu des années 1950\, à travers un fonds de dessins inédits prêtés par l’association « Archives et Patrimoine Monsieur Christian Lacroix »\, récemment installée à Arles. Ce fonds d’une grande richesse\, dont le but est de développer la recherche autour de l’oeuvre de Christian Lacroix\, conserve des croquis d’enfant\, des dessins de mode\, des maquettes de costumes de scène\, des illustrations pour des livres ou des magazines\, etc. La diversité des supports conservés (carnets d’hôtels\, enveloppes décachetées\, post-it\, toiles\, objets en céramique) et des techniques expérimentées (crayon\, feutre\, encre\, gouache\, acrylique\, palette graphique\, collage) témoigne d’une pratique constante et intime du dessin chez Christian Lacroix. \nL’exposition offre une immersion au coeur du travail du dessinateur. Souvent annotée\, dessinée recto-verso ou enrichie d’un collage\, chaque feuille matérialise une pensée en perpétuel mouvement\, et capture l’instant où l’idée prend forme. Le parcours crée des échos entre différentes périodes – de l’école primaire aux études d’histoire de l’art\, des prémices de la mode à la consécration de la haute couture dans les années 1980\, jusqu’aux projets les plus récents – et met en regard des dessins au style souvent très identifiable\, ou au contraire très étonnant. \nPlus grande exposition jamais organisée autour de son oeuvre graphique\, « Dessins\, gribouillages et graffitis » plonge le visiteur dans le répertoire foisonnant et éclectique de la création de Christian Lacroix.
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LOCATION:Musée Réattu\, 10 rue du Grand Prieuré\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200\, France
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SUMMARY:Christian Lacroix : Collectionneur de photographie
DESCRIPTION:En écho à l’exposition « Christian Lacroix – Dessins\, gribouillages et graffitis »\, le musée explore la relation que ce créateur protéiforme entretient avec la photographie\, en présentant une sélection d’oeuvres qu’il a acquises depuis une trentaine d’années. Cette collection couvre un spectre esthétique assez large\, qui s’étend des scènes de la vie quotidienne de Véronique Ellena et Guillaume Janot\, aux approches poétiques et décalées de la photographie de mode par Sarah Moon ou Grégoire Alexandre. Le visage de Christian Lacroix\, comme emblème et incarnation de sa maison de couture pendant plus de vingt ans\, y est aussi un sujet récurrent\, qui a notamment été interprété par Annie Leibovitz\, Paolo Roversi\, Mario Testino ou Erwin Wurm. \nL’exposition\, déployée dans le parcours des collections permanentes en résonance avec les thèmes qui y sont abordés – la figure du héros\, le portrait\, le corps\, etc. – met aussi à l’honneur des oeuvres appartenant au fonds photographique du musée\, qui s’est enrichi ces dernières années\, par l’entremise de Christian Lacroix\, d’oeuvres importantes de Nancy Wilson-Pajic et Katerina Jebb. \nCette exposition fait partie de la séquence « Arles Associé » des Rencontres d’Arles.
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LOCATION:Musée Réattu\, 10 rue du Grand Prieuré\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200\, France
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SUMMARY:Arièle Bonzon : Infinitif\, repriser le temps
DESCRIPTION:L’Infinitif \, c’est le temps non conjugué. Et Repriser le temps \, car la reprise n’est pas la répétition\, elle mène toujours l’ouvrage au-delà de ce qu’il était.\nMon premier geste est celui du regard. Un temps d’avant la photographie\, celui de l’infini.\nRegarder\, choisir\, et donc retenir. Ou distinguer \, une photographie parmi des milliers\, un lieu ou un instant du monde. Puis à nouveau laisser flotter l’image au regard d’une ou plusieurs autres et rendre au présent des temps et des lieux distants. Dans l’espoir qu’à l’instant le murmure de ces « photolalies  » nous prenne\, nous déprenne\, nous reprenne.\nL’exposition met en regard et en conversation des photographies de la série  {Intérieur } de Arièle Bonzon \, vues de lieux\, suspendus dans un temps in(dé)fini\, vides de présence mais remplis d’absence\, parcourus de signes qui renvoient au passage de vies inconnues avec des photographies choisies par elle dans le fonds du musée Nicéphore Niépce\, uniques ou ensembles constitués de portraits d’inconnus\, d’anonymes  comme on les nomme en photographie\, images silencieuses elles aussi.\nLe désir de convoquer des rencontres entre lieux et temps séparés et d’être à l’écoute de ce qu’elles ont à nous raconter prend sa source dans l’enfance de l’artiste. Des liens\, parfois obscurs et sourds\, se nouent entre les photographies. Et c’est ainsi (en secret) que se créent (entre elles et nous) le récit qu’elles charrient\, des « boules de temps  ». Elles pourraient être comme ces « boules à neige »\, une fois saisies\, il suffirait de les retourner puis de les reposer\, afin que mots et silences chargés de souvenirs se mettent à tourbillonner\, à danser devant nos yeux et dans nos mémoires.\nExpériences primitives de ressouvenir  qui tentent de poursuivre le temps lui-même dans ses derniers retranchements. \nArièle Bonzon  expérimente un dialogue entre l’image fixe qu’est la photographie\, l’image-mouvement de brèves séquences filmées et le son\, comme image-son.  \n« L’Attrape-Temps  est l’endroit où le temps photographique\, le silence\, le son et la durée se rencontrent\, se mesurent\, se regardent. »\nElle invite deux artistes à la rejoindre dans cette aventure « transversale » afin de mettre en commun leurs expériences et les perceptions de leurs champs spécifiques. \nFrançoise Rivalland \, compositions électro-acoustiques.\nAnna Kupfer \, chant\, avec la complicité de Gérard Maimone \, compositions. \nCette exposition nous met à l’épreuve de temps particuliers\, comme on le pratique en photographie\, à l’instant de la saisie ou au moment de l’apparition de l’image\, de nous mettre autant face au réel représenté par l’image qu’au réel de la photographie\, en tant qu’objet qui simule le réel représenté\, et de permettre à ceux qui voudront bien se prêter au jeu de plonger dans ces miroirs tendus au passage du temps.\nOn pourrait aussi parler d’« attrape-temps  » pour désigner ces instants photographiques\, car le temps est facétieux et il se joue de nous ! Bien décidée à le laisser jouer\, l’artiste choisit d’improviser avec lui sur des partitions pour différents instruments. \nArièle Bonzon et Sylvain Besson
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LOCATION:Musée Nicéphore Niépce\, Hôtel des Messageries Royales - 28\, quai des Messageries\, Chalon-sur-Saône\, Saône-et-Loire\, 71100\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Pascale Marthine Tayou
DESCRIPTION:Durant l’été 2026\, le musée national Pablo Picasso – La Guerre et La Paix invite l’artiste Pascale Marthine Tayou à présenter un projet spécialement conçu pour la chapelle de Vallauris.  \nLes objets\, sculptures\, installations\, dessins et vidéos créés par Tayou partagent un thème commun : l’exploration de l’individu en mouvement à travers le monde\, interrogeant la notion de village global. C’est dans ce cadre que Tayou engage un dialogue sur ses origines africaines et les attentes qui y sont attachées. Ses œuvres transcendent le rôle de médiateurs entre les cultures ou de représentations des relations ambivalentes entre l’homme et la nature. Elles affirment pleinement leur statut en tant que constructions sociales\, culturelles ou politiques. Son œuvre est délibérément mobile\, hétérogène\, insaisissable par rapport aux schémas préétablis. Elle est toujours profondément associée à l’idée de voyage et de rencontre avec l’autre\, avec une spontanéité telle qu’elle paraît presque désinvolte.  \nNé en 1966 à Nkongsamba (Cameroun)\, Pascale Marthine Tayou vit et travaille entre Gand (Belgique) et Yaoundé (Cameroun). Depuis les années 1990\, avec des participations marquantes à la Documenta 11 (2002) de Kassel et à la Biennale de Venise (2005 et 2009)\, il s’est fait connaître d’un large public international. Son œuvre échappe à toute limitation de médium ou de thématique spécifique. Bien que ses sujets soient variés\, ils trouvent tous leur origine dans sa propre personne. Dès le début de sa carrière\, Pascale Marthine Tayou a ajouté un -e à ses deux premiers prénoms\, leur conférant une terminaison féminine pour se distancier avec ironie de l’importance accordée à la paternité artistique et aux stéréotypes de genre. \nCommissariat :\nAnne Dopffer\, directrice des musées nationaux du XXe siècle des Alpes-Maritimes\nGrégory Couderc\, conservateur du Patrimoine au musée national Marc Chagall\, Nice
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LOCATION:Musée National Picasso ‘la guerre et la paix’ à Vallauris\, Château-Musée de Vallauris - Place de la Libération\, Vallauris\, Alpes-Maritimes\, 06220\, France
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SUMMARY:Paul McCartney Photographe 1963-64 : Eyes of the Storm
DESCRIPTION:Le musée Granet d’Aix-en-Provence présente du 4 juillet au 3 janvier 2027\, pour la première fois en France\,  une exposition exceptionnelle des photographies de Paul McCartney\, célèbre chanteur des Beatles\, intitulée Paul McCartney photographe\, 1963-64 : Eyes of the Storm . \nCette exposition de plus de 250 clichés pris par le musicien entre 1963 et 1964\, retrace une période charnière du groupe au moment où sa célébrité va dépasser les frontières de Liverpool et du Royaume-Uni\, pour devenir un véritable phénomène planétaire. \nC’est grâce à la redécouverte en 2020 dans les archives de Paul McCartney de près d’un millier de photographies prises par l’artiste avec un appareil photo de 35 mm\, qu’est livré ce témoignage profondément personnel sur cette période décisive dans l’évolution du groupe. \nL’artiste immortalise la tournée des Beatles\, de ville en ville\, de l’Europe aux États-Unis\, Liverpool\, Londres\, à la fin de l’année 1963\, Paris\, puis les États-Unis en février 1964 où leur performance dans l’émission « The Ed Sulivan Show » est vue par environ 73 millions de téléspectateurs. \nCes images révèlent une partie de l’intimité de ces quatre garçons de Liverpool en tournée\, qui commencent à parcourir le monde et découvrent pour la première fois les États-Unis. Nous sommes à moins de 20 ans de la fin de la Seconde Guerre mondiale\, ce pays est vu par Paul McCartney – et plus largement par de nombreux européens -\, comme celui qui a libéré l’Europe. Il incarne à l’époque une certaine modernité. Il fascine. \nCes clichés racontent l’intensité des concerts\, des longues journées passées en répétition\, dans les hôtels\, sur la route\, soumis au regard des médias à chaque étape de leur parcours. Pour ces quatre jeunes garçons déjà célèbres\, tout est découverte…Ils montrent aussi des atmosphères\, une esthétique propre à ces années 60.  Avec ces photographies\, les visiteurs vont (re)découvrir une société aujourd’hui disparue\, au travers ici d’une lunette arrière de voiture ou d’une vitre de train\, là d’un bout de trottoir devant l’Olympia à Paris où les Beatles sont programmés avec Sylvie Vartan… autant de photos souvent prises « à la volée »\, floues\, parfois cadrées de manière plus rigoureuse. \nPaul McCartney aime la photographie qu’il pratique avec son frère dès l’enfance\, grâce au premier appareil familial\, un Kodak Brownie. \nL’exposition va ainsi s’articuler de façon chronologique et se composer de 7 temps forts : Derrière l’objectif ; Liverpool et Londres ; Paris ; Départs et arrivées ; New York ; De New York à Washington ; Miami.
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LOCATION:Musée Granet\, Palais de Malte - Place Saint-Jean-de-Malte\, Aix-en-Provence\, Bouches-du-Rhône\, 13100\, France
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SUMMARY:Saodat Ismailova : Amanat\, La Forêt Sacrée
DESCRIPTION:L’exposition Amanat\, La Forêt sacrée réunit un corpus d’œuvres récentes et anciennes de l’artiste et cinéaste ouzbèke Saodat Ismailova\, autour d’un film tourné à Arslanbob\, l’une des plus vastes forêts de noyers au monde\, au sud du Kirghizistan. À travers le cinéma\, l’installation\, les archives et le son\, Ismailova explore les histoires culturelles et spirituelles de l’Asie centrale\, en s’appuyant sur les mythes\, traditions orales et rituels et expériences vécues. L’exposition se déploie à partir d’Arslanbob\, envisagé à la fois comme un paysage vivant et un champ de récits\, où écologies\, croyances et mémoires sont indissociables. La forêt tire son nom d’Arslanbob\, un mystique qui\, selon la légende\, aurait erré pendant deux cents ans avec un noyau de datte sous la langue. D’après une légende locale\, le vieillard l’aurait finalement confié à un enfant de sept ans\, qui deviendra ensuite l’un des grands mystiques de l’Asie centrale du XIIe siècle\, Ahmed Yasavi. La forêt toute entière serait née de cette graine. Selon des croyances locales\, les noix qui y poussent posséderaient des propriétés hallucinogènes. Le mot « amanat » provient de « amānah »\, qui se traduit par confiance en arabe et apparaît également en persan et dans les langues turciques. Dans ce contexte\, il désigne un héritage que l’on ne possède pas\, mais que l’on détient temporairement et que l’on doit protéger. Il renvoie à ce fragile passage de responsabilité entre les corps\, les générations et les mondes. Aujourd’hui\, Arslanbob est à la fois une terre sacrée\, une archive vivante\, une ressource économique et un territoire disputé. Le lieu est façonné par la récolte des noix\, l’exploitation forestière\, le changement climatique et les revendications contradictoires entre préservation et utilisation. Le travail d’Ismailova ne sépare pas nature et culture\, mais révèle leur entrelacement. Ses films oscillent entre documentaire\, essai visuel et poétique\, abordant la forêt comme un seuil où les réalités visibles et invisibles se rencontrent. L’exposition met en lumière ces réflexions à travers des œuvres qui explorent les intersections entre des paysages physiques et mentaux. Parmi celles-ci\, Swan Lake propose une vision tourmentée et onirique\, évoquant la perception hallucinogène provoquée par les noix de la forêt. Le film mêle des images du cinéma centrasiatique\, issues des décennies précédant et suivant l’effondrement de l’Union soviétique\, avec des archives diffusées à la télévision soviétique\, notamment des séances d’hypnose collective montrées en 1989. Ces images reflètent un moment de profonde désorientation politique où les certitudes idéologiques se délitent. L’installation As We Fade transforme une seconde de film en un espace. Vingt-quatre panneaux de soie suspendus mettent en dialogue des images contemporaines de la montagne Sulaiman-Too avec des séquences de pèlerinage de 1929. The Haunted raconte l’histoire du tigre de Turan\, retraçant sa disparition des paysages centrasiatiques et sa survie comme présence spectrale dans les mémoires\, les récits et les rêves. L’exposition constitue une méditation sur la transmission et la disparition. Dans la pratique d’Ismailova\, le cinéma\, le son et la sculpture ne sont pas de simples médias de représentation\, mais de vifs moments d’attention. Son travail permet aux lieux de parler\, aux histoires de persister et à des mondes fragiles de rester perceptibles.
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Les couleurs de Jean Vilar
DESCRIPTION:Pour son grand temps fort estival\, sous l’intitulé « Les couleurs de Jean Vilar »\, le musée Paul Valéry dédie l’ensemble de ses espaces d’exposition temporaire aux liens entre Jean Vilar et les arts. Au travers d’un parcours en sept sections présentant près de 40 tableaux et une centaine d’œuvres graphiques\, mais aussi des costumes et des tapisseries\, issus de collections publiques et privées\, cette vaste exposition retracera l’imprégnation entre les arts des années 1950 à 1970.
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LOCATION:Musée Paul Valéry\, Rue François Desnoyer\, Sète\, Hérault\, 34200\, France
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SUMMARY:Ingres et la mode
DESCRIPTION:Ingres montre un goût particulier et très personnel pour la représentation des textiles\, qu’il s’agisse des drapés ou de la représentation de la matière même des étoffes. \nCette inclination lui vient probablement de sa formation comme peintre d’histoire\, dans l’atelier de David\, qui met l’accent sur ces exercices techniques. Tout au long de sa carrière\, Ingres fera d’ailleurs le choix de peindre lui-même les vêtements de ses modèles\, dans ses peintures d’histoire comme dans ses portraits. Il ne déléguera jamais cette tâche à ses assistants\, au contraire du mobilier ou du décor\, souvent traités par l’atelier. \n\n\nSi le sujet du portrait chez Ingres a déjà été brillamment étudié\, la question du rapport spécifique entretenu par le peintre avec la mode n’a par contre jamais encore fait l’objet d’une exposition à part entière. \n\n\nÀ travers une sélection exceptionnelle de peintures\, dessins\, textiles\, accessoires et documents d’époque\, le parcours met en lumière l’attention singulière du maître pour la représentation des étoffes\, des drapés et des vêtements\, révélant comment la mode façonne le regard et la composition artistique.  \n\n\nL’exposition explore la manière dont Ingres sublime la matière textile\, joue avec les transparences\, s’inspire des tendances de son temps et dialogue avec l’histoire de l’art pour conférer à ses portraits une modernité intemporelle. Elle montre également l’influence de la peinture d’Ingres sur les créateurs de mode des XXe et XXIe siècles.
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LOCATION:Musée Ingres Bourdelle\, Ancien Palais Episcopal - 19\, rue de l'Hôtel de Ville - BP 752\, Montauban\, Tarn-et-Garonne\, 82000\, France
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SUMMARY:Françoise Pétrovitch : Mémoires vives
DESCRIPTION:Le musée Ingres Bourdelle accueille jusqu’en mai 2027 une installation visuelle et sonore de l’artiste plasticienne Françoise Pétrovitch en collaboration avec le vidéaste Hervé Plumet. L’installation intitulée Mémoires vives a été spécialement pensée pour répondre à l’atmosphère particulière de la Salle du Prince noir. \nTelles des citations\, les dessins de Françoise Pétrovitch\, directement inspirés de l’œuvre d’Ingres\, sont projetés dans la salle médiévale. L’ambiance lumineuse ainsi créée participe à révéler la palette chromatique de l’artiste\, faite de nuances délicates ou\, au contraire\, de tons vifs et stridents. Les visiteurs sont appelés à découvrir un univers étrange dans lequel de grandes créatures hybrides et anthropomorphes apparaissent ou disparaissent pour retourner à leur monde flottant\, né de l’imaginaire de l’artiste. \nAu second étage du musée\, dans le cabinet des dessins d’Ingres\, plusieurs belles feuilles de l’artiste sont présentées. Elles s’insèrent dans quelques-uns des tiroirs de dessins habituellement consacrés à Ingres\, donnant ainsi à voir le lien profond qui unit la plasticienne\, la pratique du dessin et le maître de Montauban.
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LOCATION:Musée Ingres Bourdelle\, Ancien Palais Episcopal - 19\, rue de l'Hôtel de Ville - BP 752\, Montauban\, Tarn-et-Garonne\, 82000\, France
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SUMMARY:Relatum : Lee Ufan
DESCRIPTION:À l’invitation de la Ville d’Avignon\, le Palais des Papes s’apprête à accueillir l’un des plus grands maîtres de l’art contemporain international : Lee Ufan. Cet été\, le monument gothique inscrit sur la liste du Patrimoine mondial de l’UNESCO\, devient le théâtre d’une rencontre magistrale entre une architecture sacrée et une œuvre d’une intensité spirituelle rare. Cet évènement international s’inscrit dans le cadre du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée\, une célébration à laquelle la Ville d’Avignon s’associe largement\, en résonance avec le Festival d’Avignon qui a choisi le coréen comme langue invitée pour sa 80e édition. \nUn artiste global aux ancrages provençaux\nNé en Corée et installé au Japon à l’âge de vingt ans\, Lee Ufan vit et travaille aujourd’hui entre le Japon\, la France et les États-Unis. Figure incontournable de la scène internationale\, dont les œuvres figurent dans les plus grandes collections muséales de la planète\, il multiplie les actualités majeures en 2026. Après des expositions marquantes au Centre Pompidou-Metz et à la Hamburger Bahnhof de Berlin\, il vient d’inaugurer en mai deux projets d’envergure\, Place Saint-Marc à Venise et à la Dia Beacon (New York). Ses liens avec la Provence sont profonds et durables. Arles abrite\, comme Naoshima au Japon et Busan en Corée\, l’un des trois musées au monde dédiés à son travail — installé à l’Hôtel Vernon. \n« Relatum » : la puissance du dialogue et du sacré\nLe concept de Relatum\, qui donne son titre à l’installation\, est au cœur de la démarche de Lee Ufan. Ce terme désigne la mise en relation d’éléments\, la rencontre poétique entre la nature (la pierre\, l’ardoise) et le manufacturé (l’acier\, l’aluminium)\, mais aussi la  tension invisible qui se crée entre l’œuvre et son environnement. \nAu Palais des Papes\, cette philosophie prend une dimension exceptionnelle. \nUne expérience unique\, faite de silence\, de philosophie et d’harmonie\, pensée par l’artiste comme « un instant nous faisant sentir la respiration de l’infini ».
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LOCATION:Palais des Papes\, Place du Palais\, Avignon\, Vaucluse\, 84000\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Le Mbari Club : un espace de création transnationale au Nigéria
DESCRIPTION:En rassemblant œuvres\, archives\, ouvrages et revues\, cette Boîte arts graphiques met l’accent sur la richesse des échanges intellectuels et artistiques qui traversent le continent africain et s’étendent bien au delà\, faisant du Mbari un lieu emblématique de la modernité culturelle nigériane et panafricaine. \nÀ la veille de l’indépendance du Nigeria en 1960\, la création est un outil politique et transnational pour les écrivains et artistes. Créée en 1957 par le linguiste d’origine allemande Ulli Beier\, la revue Black Orpheus s’impose rapidement comme un organe de diffusion et de reconnaissance pour une nouvelle génération d’écrivains africains anglophones\, parmi lesquels Chinua Achebe et Wole Soyinka.  \nUlli Beier et son épouse Susanne Wenger cultivent avec les écrivains Ezekiel (Es’kia) Mphahlele et Chinua Achebe l’idée d’un lieu au Nigeria dédié à la création et aux débats culturels. En 1961\, ils créent à Ibadan un club d’écrivains et d’artistes\, nommé Mbari. En langue igbo\, « Mbari » renvoie à la notion de création. Doté d’une cour ouverte\, d’un bar et d’un restaurant\, le Mbari est un espace pluridisciplinaire où se tiennent concerts\, danses\, débats\, expositions et représentations théâtrales.  \nLe Mbari Club se distingue par son ouverture internationale : il invite des artistes du Nigeria\, mais aussi d’autres pays africains\, d’Europe et des États-Unis. En 1962\, le dramaturge nigerian Duro Ladipo fonde avec Ulli Beier le Mbari Mbayo Club dans la ville d’Osogbo\, contribuant à l’émergence d’une scène artistique locale particulièrement dynamique. Cette effervescence est encouragée par Ulli Beier. Ses épouses successives\, Susanne Wenger et Georgina Beier\, jouent également un rôle essentiel dans la formation et la reconnaissance des artistes d’Osogbo.
URL:https://actu.art/event/le-mbari-club-un-espace-de-creation-transnationale-au-nigeria/
LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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