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SUMMARY:2ème exposition de la saison 2026
DESCRIPTION:Pour cette 2ème exposition de la saison 2026\, quatre artistes nous emmènent dans leur univers… Nicole Pfund\, à travers son monde onirique vous invite à vous poser\, à prendre votre temps\, à vous asseoir dans ses fauteuils\, tout comme ses personnages aux visages insolites qui se reposent et pensent… A quoi me direz-vous ? C’est à vous de l’imaginer\, c’est une des clés de lecture de ses tableaux\, prendre la place du sujet\, remplir son regard absent et rêver.\nAvec Aurelie Burette vous virevoltez\, vous tournez\, vous vous envolez… Pour elle c’est le mouvement l’essentiel\, ses encres très épurées\, quelques traits\, une touche d’encre de couleur et c’est la magie qui opère…Vous partez dans un flamenco endiablé ou vous contemplez de merveilleux nus\, tous inspirés de poses de modèles vivants. Inspirés de ces tableaux\, des sculptures en papier viennent donner du relief à son travail sur le corps\, le tout éclairé par des méduses toujours en papier\, pour rappeler qu’elle vient de Sète.\nLes sculptures en bronze\, en acier et en bois de Lilian Serris et Nan Ress\, agrémentent l’ensemble de l’exposition. Ce sont eux qui exposent tout l’été leurs œuvres dans le village\, ici\, c’est à travers la figure du taureau que leur art s’exprime.\nC’est toujours très subjectif le ressenti d’une exposition\, le mieux c’est de venir vous rendre compte par vous même\, vous avez jusqu’au 14 juillet pour le faire…\nLa Galerie B du Musée Marcel Boudou à Ste Eulalie est ouverte tous les jours sauf le mardi\, de 10h à 12h30 et de 15h30 à 18h. \nXC
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LOCATION:Musée Boudou – Galerie B\, Sainte-Eulalie-d'Olt\, Aveyron\, 12130\, France
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SUMMARY:Carnets d’Henri Gaudin\, itinéraire sensible d'un architecte
DESCRIPTION:Architecte majeur et inclassable\, Henri Gaudin a consigné pendant plus de quarante ans dessins\, textes et intuitions dans des carnets foisonnants. Donnés en 2023 à la BnF\, ces carnets sont aujourd’hui exposés sur le site François-Mitterrand. Leur étude se révèle extrêmement précieuse pour la compréhension de son travail et\, plus largement\, pour saisir de manière sensible toute une époque.
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LOCATION:Bibliothèque nationale de France – site François-Mitterrand\, 11 quai François-Mauriac\, Paris\, Paris\, 75013\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Clara Bryon : Matière du temps
DESCRIPTION:Pour la période estivale 2026\, entre le mois de mai et le mois de juillet\, le Nouvel Institut Franco-Chinois a le plaisir d’accueillir le travail de l’artiste Clara Bryon \n« Matière du temps »\n« Chez Clara Bryon\, portes\, murs et fenêtres\, ressemblent à des blessures. Il ne faut pas les refermer trop vite\, mais éprouver physiquement qu’à travers elles\, une guérison va surgir. Portes\, murs et fenêtres ressemblent à des visages qui depuis leur obscurité d’êtres humains\, laissent passer une lumière de petit matin.\nClara Bryon sait ce qui lui est essentiel dans la vie comme dans son art\, rétablir des circulations d’énergie et puiser à un souffle intérieur et… cosmique. Et cela même qu’elle est venue chercher en Chine relève d’un travail exigeant. Depuis un certain temps\, l’artiste se tenait sur le seuil de la Chine\, attendant le bon moment pour faire le grand saut dans un inconnu qui lui était malgré tout familier.
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LOCATION:Musée du Nouvel Institut Franco-Chinois\, 2\, rue Soeur Bouvier\, Lyon\, Rhône\, 69005
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SUMMARY:Kazuo Kitai : l'éloge du quotidien. Soixante ans à photographier le Japon
DESCRIPTION:Le photographe Kazuo Kitai est l’un des grands maîtres de la photographie japonaise\, pourtant encore peu connu en Europe. Depuis les années 1960\, il documente la société japonaise « de l’intérieur » : mouvements étudiants\, luttes paysannes\, villages voués à disparaître\, banlieues en plein essor\, instants ordinaires… Cette rétrospective permet ainsi de saisir l’évolution d’un regard profondément humaniste\, attentif aux transformations du Japon et à la mémoire de ceux qui l’habitent. À travers près de 130 tirages\, elle offre une traversée complète de son œuvre\, depuis les séries militantes des années 1960-1970 jusqu’à ses travaux les plus récents réalisés chez lui.  \nL’exposition s’articule autour de quatre sections : la première Se révolter / Sanrizuka\, Résistance\, Barricades\, revient sur les débuts de Kitai notamment au travers de ses séries sur les luttes étudiantes. Puis avec La vie à la campagne / Paysages vaguement familiers\, Vers les villages\, le visiteur est immergé dans la mélancolie de la campagne japonaise des années 1970. La troisième section intitulée Vivre en milieu urbain / Funabashi Story\, Histoires de Shinsekai donne à appréhender le quotidien de la classe moyenne dans les villes-dortoirs de la banlieue de Tokyo dans les années 1980\, ainsi que le quartier populaire de Shinsekai à Osaka. L’exposition se clôture par une section dédiée à un travail plus intimiste du photographe (Promenades avec mon Leica) et sur l’une de ses dernières séries\, IROHA\, qui témoigne de sa capacité intacte à se renouveler à 80 ans. \nCommissariat : Satomi Fujimura (Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture\, Arts Council Tokyo)
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LOCATION:Maison de la culture du Japon\, 101 bis quai Branly\, Paris 15\, Paris\, 75015\, France
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SUMMARY:Shin Sung-Hy : Coller\, couturer\, nouer
DESCRIPTION:Dans le cadre de la célébration du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée\, le musée Cernuschi vous propose de découvrir\, à l’occasion d’une exposition monographique\, une trentaine d’oeuvres de l’artiste coréen Shin Sung Hy (1948-2009).
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LOCATION:Musée Cernuschi\, Hôtel particulier - 7 avenue Vélasquez\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Thierry Lefort présenté par Yoyo Maeght
DESCRIPTION:Du 15 avril au 19 juillet (mercredi\, samedi et dimanche de 13h à 18h) découvrez le travail de l’artiste Thierry Lefort à la Maison de Fer \nPour faire suite à la réalisation de sa fresque monumentale\, située sur le pôle gare (financée par GPSEO dans le cadre du projet Un mur\, une œuvre) la ville de Poissy invite Thierry Lefort et la Galeriste Yoyo Maeght à investir la salle d’exposition du premier étage de la Maison de Fer pour un exposition temporaire.\nL’artiste y présentera les coulisses de la réalisation de son film « The Stetson »\, tourné à Los Angeles autour de la piscine du célèbre Georgian Hotel de Santa Monica (Californie).\nLe film y sera présenté en avant-première ainsi qu’une trentaine d’œuvres préparatoires (dessins\, toiles\, photos…).\nLe public pourra également découvrir les esquisses et dessins originaux de la fresque de Poissy.\nUne plongée inédite dans le travail de cet artiste peintre singulier racontée par lui au moyen d’un dispositif d’audioguide immersif. \nThierry Lefort  \nThierry Lefort s’est emparé de la peinture dès l’âge de douze ans dans un élan instinctif\, vierge de tout apprentissage théorique. Cette première rencontre avec les crayons et les pastels fut une révélation immédiate\, lui permettant de forger sa propre manière d’appréhender la lumière\, les couleurs et la beauté du monde. Ce parcours autodidacte s’est enrichi plus tard par la pratique de la calligraphie chinoise dans la province du Henan\, une expérience déterminante qui a conféré à son travail une netteté du trait et une discipline du geste devenues aujourd’hui sa signature. L’œuvre de Thierry Lefort incarne une véritable « Renaissance de la Figuration »\, marquée par une quête de simplicité\, d’élégance et de spiritualité. S’inscrivant dans la lignée de Paul Cézanne\, qu’il admire profondément\, l’artiste ne cherche pas la copie servile de la nature mais la réalisation de ses propres sensations. Pour lui\, l’acte de peindre exige une obéissance telle qu’il confine à l’hypnose\, arrachant le peintre à sa propre personne jusqu’à faire disparaître le temps et le monde environnant. À travers ses toiles\, il invite ainsi le spectateur à atteindre ses propres ressentis profonds. \nLa force de sa démarche réside dans sa capacité à transcender le monde industriel et urbain. Peignant « sur le motif »\, Thierry Lefort explore des lieux souvent délaissés par le regard artistique\, tels que des gares\, des usines\, des ponts ou de simples parkings. S’il choisit de ne pas représenter l’humain\, sa présence y est toujours soupçonnée. L’artiste ne livre pas une image fidèle du décor ; le sujet n’est pour lui qu’un alibi\, le point de départ d’une composition complexe où les masses et les couleurs sont contraintes à un équilibre parfait\, offrant un regard résolument enthousiaste et optimiste sur notre quotidien. \nSa carrière a pris une dimension internationale majeure sous l’impulsion de sa collaboration avec Yoyo Maeght\, débutée à Paris en septembre 2021. Ce partenariat a rapidement donné lieu à des éditions d’estampes très recherchées\, avant de s’étendre à la scène américaine en 2022. Invitée par la ville de Burbank\, capitale mondiale des médias au cœur du comté de Los Angeles\, Thierry Lefort y a réalisé une œuvre monumentale de plus de 150 m². Durant ce séjour californien\, il a également exploré le contraste des échelles en créant la série Hualapaï dans le Grand Canyon\, peignant l’immensité sur des formats minuscules alors qu’il achevait son mur géant\, un processus créatif intégralement filmé pour un futur documentaire. L’actualité récente de l’artiste témoigne d’une effervescence continue\, marquée par l’inauguration de son nouvel atelier en juin 2023 lors de journées de rencontre privilégiées avec son public. L’année 2024 s’ouvre sous le signe d’une consécration parisienne avec une nouvelle exposition organisée par Yoyo Maeght. Présentant un ensemble de peintures\, d’œuvres sur papier et d’estampes\, cet événement bénéficie de l’éclairage littéraire de l’écrivain Jean-Christophe Grangé\, dont le texte accompagne cette présentation et souligne la profondeur intellectuelle de l’univers de Thierry Lefort.\nhttps://www.thierrylefort.com/ \nYoyo Maeght \nHéritière d’une lignée qui a façonné l’histoire de l’art du XXe siècle\,Yoyo Maeght a grandi dans l’intimité des plus grands créateurs\, de Miró à Giacometti en passant par Chagall et Prévert. De cette enfance passée dans l’effervescence des vernissages entre Paris\, Saint-Paul-de-Vence et New York\, elle a puisé une sensibilité artistique unique et une expertise rare. Petite-fi lle d’Aimé Maeght\, le visionnaire fondateur de la Fondation Maeght\, elle a hérité de son audace et de sa détermination\, occupant successivement les fonctions d’administratrice de la Fondation Marguerite et Aimé Maeght\, de la Galerie Maeght et de PDG de Maeght Éditeur. \nAujourd’hui figure incontournable du monde de l’art\, elle déploie une activité polymorphe en tant que galeriste\, éditrice et commissaire d’expositions. Son influence dépasse largement les frontières françaises : pionnière\, elle fut la première à organiser des expositions de maîtres tels que Braque ou Calder en Tchécoslovaquie avant la chute du Mur de Berlin\, et à introduire Miró en Turquie. Avec plus de cinquante expositions internationales à son actif\, elle collabore avec les institutions les plus prestigieuses\, du Centre Pompidou à la Royal Academy de Londres\, jusqu’aux grands musées de Pékin et Shanghai. Son talent pour la mise en scène et la communication a notamment permis à l’exposition « Giacometti & Maeght » de devenir le plus grand succès historique de la Fondation Maeght. \nAu-delà de l’organisation d’événements\, Yoyo Maeght est une passeuse de savoir engagée. Auteure de plusieurs ouvrages\, dont le best-seller La Saga Maeght où elle retrace avec émotion et lucidité l’épopée de sa famille\, elle est également co-auteure d’un documentaire de référence diffusé sur Arte. Très présente sur les réseaux sociaux\, elle partage sa passion avec une vaste communauté d’internautes\, tout en transmettant son expertise au sein d’écoles renommées comme l’IESA\, l’ICART ou la Sorbonne. Cette femme d’action a mené en parallèle une carrière de magistrate consulaire au Tribunal de Commerce de Paris\, une fonction qu’elle a exercé avec une spécialisation dans le traitement des difficultés des entreprises et la médiation. Son parcours d’exception\, à la croisée du mécénat privé et du service public\, a été salué par de nombreuses distinctions\, dont le titre de Chevalière de l’ordre national du Mérite et celui de l’ordre des Arts et des Lettres\, la médaille de la Ville de Paris ainsi que le Prix Montblanc de la Culture.\nhttps://yoyomaeght.com/ \n 
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LOCATION:Maison de Fer\, 2 ter Allée des Glaieuls - Parc Meissonnier\, Poissy\, Yvelines\, 78300\, France
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SUMMARY:La poudre et l’encre : une conversation avec Patrick Boucheron
DESCRIPTION:La bibliothèque de l’Arsenal expose une sélection exceptionnelle de pièces issues de ses collections\, choisies par l’historien Patrick Boucheron pour nourrir un dialogue avec les conservateurs de la bibliothèque sur le thème des livres et de la violence.
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LOCATION:Bibliothèque de l’Arsenal\, 1\, rue de Sully\, Paris\, Paris\, 75004
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SUMMARY:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
DESCRIPTION:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
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LOCATION:MUSÉE CAMILLE CLAUDEL\, 10\, rue Gustave Flaubert\, Nogent-sur-Seine\, Aube\, 10400
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SUMMARY:Marilyn Monroe
DESCRIPTION:« Je peux être intelligente quand c’est important\, mais la plupart des hommes n’aiment pas ça. » La célèbre réplique des Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953) pourrait\, dans un sens\, bien résumer les choses : Marilyn Monroe affronte l’impitoyable système des studios pendant sa courte carrière d’actrice à Hollywood (1946-1962) et reste aujourd’hui autant déconsidérée\, comme interprète\, qu’adulée en tant que star. Du fait de ses possibilités scénographiques\, l’exposition est particulièrement appropriée à l’opulence visuelle que Monroe cristallise dans les années 50. Sa trajectoire à l’heure du Technicolor et de l’écran large s’illustre par le matériel publicitaire glamour\, la garde-robe sexy\, les portraits d’artistes de renom (Eve Arnold\, Richard Avedon\, Andy Warhol…) mais aussi les actualités analysant chaque décision de la célébrité. Ou commentant sa disparition qui ouvre\, à l’âge de 36 ans\, le spectaculaire chapitre de « sa vie » post mortem. Cet héritage est célébré dans une installation inspirée de la culture ballroom que Madonna – incarnation de la pop culture dans sa capacité à s’approprier les tendances pour les faire rayonner – popularise bien avant Drag Race. \nSéparer la star de l’actrice ?\nMonroe est d’abord connue en tant que phénomène culturel\, dont on se souvient à travers ses photographies davantage que ses films. Elle est plus rarement appréhendée comme une actrice qui incarne et compose des rôles à l’écran. L’un des enjeux de l’exposition est de remettre ses performances cinématographiques au centre et de proposer aux visiteurs de les regarder autrement. Car à ce jour\, c’est comme si ses rôles étaient le simple reflet d’états émotionnels\, éprouvés sur des tournages chaotiques\, et plus proches de la névrose que de la mystérieuse profondeur psychologique des autres comédiens passés par l’Actors Studio. \nLa célébration de son centenaire repose sur un deuxième constat : Monroe est traversée par toutes sortes de légendes\, et sa foisonnante exégèse biographique converge vers l’irrésoluble question : quelle est la « vraie femme » derrière le sex-symbol ? Or\, ce que l’on sait de Monroe est pour beaucoup documenté par des témoignages contradictoires\, et ces lectures semblent elles-mêmes s’adosser à certaines préconceptions\, à la fois des icônes hollywoodiennes\, mais aussi des femmes en général. L’exposition propose ainsi de regarder non pas seulement l’actrice\, mais aussi les croyances qui ont participé à l’émergence de la star au sein des studios\, et l’ont accompagnée tout au long de sa carrière. \nL’interprétation à l’écran\nAu mieux\, on concède que Monroe était une bonne actrice de comédies\, mais l’idée la plus courante est qu’elle ne jouait que son propre rôle. Les observations de ses proches et collaborateurs ne relèvent pas\, à l’époque\, d’une malveillance particulière\, mais le recul du temps montre à quel point elles contribuent à la disqualifier : « Elle savait exactement quel effet elle avait sur les hommes. Et c’est tout » (Fritz Lang)\, « Elle ne jouait pas » (John Huston)\, « Dans tout ce qu’elle fait\, elle est « elle-même » » (Arthur Miller). En abolissant le rapport entre être et incarner\, ces commentaires masquent le fait que Monroe pensait ses rôles\, les préparait et au-delà\, l’interprétation comme création. \nOr\, l’actrice ne joue pas les « blondes idiotes »\, vamps et autres séductrices invariablement\, quel que soit le metteur en scène\, ou les conventions associées aux genres cinématographiques. Comme le démontre Acting in the Cinema (1988) de James Naremore – contributeur du catalogue –\, observer minutieusement les expressions du visage\, s’attarder sur les gestes dans un cadre et les rapports aux partenaires de jeu permet de montrer un travail de composition\, un style\, un talent. Chez Monroe\, ceci s’illustre déjà dans sa palette d’émotions plus vaste que celle des autres acteurs de Quand la ville dort de Huston (1950) et ce\, malgré la brièveté de ses apparitions. Sa formation au jeu ou les écarts subtils qu’elle crée\, à l’écran\, avec l’image attendue de la star\, sont d’autres moyens de saisir ses stratégies d’actrice dans un système esthétiquement et économiquement contraignant. \nDécris-moi ta Marilyn et je te dirai qui tu es\nAu-delà de nos habitudes de cinéphiles aimant décrypter les films au prisme des réalisateurs-auteurs\, on peine à appréhender Monroe comme comédienne à cause de la naïveté qui lui est associée. Et pour comprendre pourquoi nous tendons à la voir seulement « prendre la pose »\, telle une mannequin\, et pourquoi l’innocence est au cœur de son identité\, il faut revenir au fonctionnement du star-system. Difficile de passer à côté des travaux de Richard Dyer (également dans le catalogue) qui propose en 1986 l’idée suivante : Monroe cristallise les contradictions des années 50\, à la fois puritaines et obsédées par la sexualité\, par sa supposée spontanéité\, provenant de son image de pin-up. \nEn 1945\, devenir modèle permet à Monroe de divorcer et d’échapper à sa condition d’ouvrière. Elle se propulse en moins d’un an en couverture de nombreux magazines. La Twentieth Century Fox reprend cet idéal de femme enjouée\, érotisée sans jamais être vulgaire\, dès ses premiers films. Mais aussi dans toutes ses apparitions publiques et tout le matériel promotionnel\, élaboré par les départements de publicité du studio à renfort de fictions sur la jeune recrue. Les critères promotionnels de la Mmm Girl seront repris par ses premiers biographes\, dont les données sont encore recyclées aujourd’hui. En bref\, comme le résume Sarah Churchwell dans son historiographie critique des biographies existantes sur Monroe : les croyances précèdent souvent les faits et elles en disent plus sur nous que sur la star. \nExposer Marilyn\nDans Sept ans de réflexion (1955)\, Billy Wilder et Monroe proposent la version la plus parodique et exhibitionniste de la pin-up. Cette même année\, l’ambition de l’actrice qui cherche à accéder à des rôles plus complexes – en premier lieu Bus Stop de Joshua Logan (1956) – correspond à la dégradation de son image publique\, désormais teintée d’échec\, comme si ses prétentions artistiques avaient été sanctionnées. Ses aspirations personnelles auront\, de fait\, du mal à aboutir\, tant son symbole de « blonde idiote » a la vie dure. Cette tension entre les deux est la source des innombrables légendes\, décuplées par sa mort brutale et l’éparpillement de ses biens. Exposer Marilyn Monroe\, c’est ainsi d’abord se confronter à un certain type de discours (teinté d’une fascination pour la mort d’une belle jeune femme) et à un accès relativement difficile aux archives qui nourrissent\, main dans la main\, le mythe. \n« Sois raisonnable\, chérie\, on ne met pas de muscles dans un compte en banque »\, conseille le personnage incarné par Monroe à son amie Dorothy\, irrépressiblement attirée par les silhouettes athlétiques dans Les hommes préfèrent les blondes. La star\, tout juste promue sex-symbol international\, est déjà elle-même un capital fructueux dont on pourrait commodément dire que l’essentiel est aujourd’hui détenu par une poignée de milliardaires : qu’il s’agisse de ses effets personnels – entre les mains de collectionneurs privés – ou de ses droits et revenus\, exploités par une holding financière. Le mythe est là pour perdurer. \nFlorence Tissot\, commissaire de l’exposition
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LOCATION:La Cinémathèque Française\, Rue de Bercy 51\, Paris\, Département de Paris\, 75012\, France
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SUMMARY:Fidji 1838 : Face à face
DESCRIPTION:Du 4 avril au 2 août 2026\, le musée des Beaux-Arts propose une exposition exceptionnelle consacrée aux îles Fidji. \nReconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture\, cette exposition valorise le patrimoine culturel océanien\, à travers notamment les dessins d’Ernest Goupil (1814-1840)\, artiste embarqué sur la Zélée\, dont ceux d’un fonds inédit conservé au musée des Beaux-Arts de Chartres. \nUne exposition réalisée en collaboration avec le musée du Quai Branly – Jacques Chirac
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Chartres\, 29 Cloître Notre-Dame\, Chartres\, Eure-et-Loir\, 28000\, France
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SUMMARY:Lee Miller
DESCRIPTION:Figure essentielle de l’avant-garde internationale\, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin\, artiste surréaliste\, portraitiste\, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes\, dont plusieurs inédits\, et propose un nouveau regard sur son œuvre.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Réalités estoniennes
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris présente pour la première fois dans un musée français une exposition consacrée à trois artistes estoniennes dont l’œuvre s’étend du milieu du XX siècle jusqu’à nos jours : Olga Terri (1916 – 2011)\, Anu Põder (1947 – 2013) et Kris Lemsalu (née en 1985). \nL’exposition met en valeur la richesse et la vitalité de la scène artistique estonienne à travers le regard de ces trois artistes de générations différentes. Chacune à leur manière\, elles reflètent un moment de la création de ce pays à l’histoire aussi passionnante que tourmentée.\nMarquée par sa mise sous tension entre les sphères d’influence européenne et russe\, l’Estonie a su conserver une culture originale\, foisonnante et dynamique\, dont découlent les œuvres présentées. \nLe traitement du corps humain agit comme un fil conducteur entre l’œuvre des trois artistes créatrices : un corps tantôt abandonné\, morcelé\, augmenté\, transformé\, exubérant ou combatif.  \nAnu Põder\, artiste centrale de l’exposition (1947 – 2013)\nAnu Põder fait partie des grandes redécouvertes de l’histoire de l’art de ces dernières années. À travers une quinzaine d’œuvres\, l’exposition déploie l’univers singulier de cette artiste dont la pratique s’est développée à l’écart des carcans académiques de son époque. Les matériaux utilisés par Anu Põder traduisent la précarité de sa condition sous l’ère soviétique\, autant qu’ils révèlent les bouleversements de la société estonienne à l’indépendance du pays (toile de jute\, plastique\, savon\, papier d’aluminium…). Le corps de l’artiste est souvent présent en creux dans ses sculptures vulnérables\, fragiles\, qui refusent de se cantonner aux modes traditionnels de figuration. \nOlga Terri\, la peinture de l’après-guerre (1916 – 2011)\nUne salle réunit une série de portraits réalisés entre 1945 et 1950 par Olga Terri. Elle témoigne des affres personnels et collectifs subis pendant cette période d’immédiat après-guerre\, alors que l’occupation nazie fait place à l’occupation soviétique. Un sentiment mélancolique se dégage de ses personnages mutiques peints dans des couleurs sourdes\, leurs positions lâches exprimant un vacillement imminent. \nKris Lemsalu\, une vision contemporaine (née en 1985)\nL’exposition s’achève par la présentation d’une installation monumentale et de nouvelles productions de la plasticienne et performeuse contemporaine Kris Lemsalu\, conçues pour l’exposition. L’artiste imagine un univers extravagant et burlesque peuplé d’êtres hybrides entre humain et non-humain\, incarnant une lecture contemporaine du panthéisme estonien autant qu’une vision satirique de la société actuelle. \nCette exposition est organisée en partenariat avec la Fondation du Musée d’Art d’Estonie (AME) et l’ambassade d’Estonie en France.\nElle bénéficie notamment de prêts du Musée d’Art d’Estonie\, du Musée d’Art de Tartu\, de l’Estate Anu Põder et du Centre Pompidou. \nUn catalogue est édité par le Musée d’Art d’Estonie avec des textes de Jean-Baptiste Delorme\, Eda Tuulberg\, et Alicia Knock.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Brion Gysin
DESCRIPTION:Né en Grande-Bretagne en 1916\, Brion Gysin est un artiste protéiforme\, peintre\, poète\, performer\, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. L’exposition\, constituée de plus de 140 œuvres de l’artiste\, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris\, d’une richesse unique au monde\, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées\, en France et à l’étranger.
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LOCATION:Musée d’Art moderne\, 11 avenue du Président Wilson\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Africa Fashion
DESCRIPTION:Après avoir conquis Londres\, New York\, Portland\, Chicago\, Melbourne et Montréal\, l’exposition « Africa Fashion »\, conçue par le Victoria and Albert Museum de Londres\, arrive à Paris et propose un dialogue entre les plus grands créateurs de mode de la scène contemporaine africaine et les riches collections historiques du musée du quai Branly – Jacques Chirac. \nLe parcours de cette exposition célèbre l’essor fulgurant de la scène africaine\, portée par une nouvelle génération de créateurs. Entre inspiration et innovation stylistique\, leurs créations célèbrent une scène artistique dynamique aussi variée que le continent lui-même. \nAfrica Fashion présente la mode africaine comme une forme d’art qui se définit elle-même et qui révèle la richesse et la diversité des histoires et des cultures africaines. Pour l’occasion\, le musée met en lumière sa riche collection de textiles\, accessoires et bijoux africains\, ainsi qu’une sélection de photographies issues de ses archives et collectées auprès du public. \nExposition itinérante internationale créée par le Victoria and Albert Museum\, qui s’est tenue pour la première fois à Londres\, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023\, puis en tournée dans le monde entier.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Esclaves en Méditerranée\, XVIIe–XVIIIe siècle
DESCRIPTION:Voici la première exposition à explorer une histoire méconnue : celle des musulmans et des chrétiens réduits en esclavage des deux côtés de la Méditerranée\, pendant plus de trois siècles. Découvrez l’impact de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe à travers un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées. \nL’exposition Esclaves en Méditerranée. XVIIe-XVIIIe siècle s’intéresse en particulier à la présence et aux témoignages souvent oubliés des Nord-Africains et de certains Africains de l’Ouest asservis en Europe. Centrée sur les ports de France\, d’Italie et de l’île de Malte du XVIIe siècle aux années 1830\, elle met en lumière les expériences et les représentations de ces êtres humains contraints de travailler comme galériens\, serviteurs\, traducteurs\, musiciens et assistants d’artistes.\nElle révèle l’impact profond de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe en présentant un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées : un dessin d’après nature d’un esclave musulman réalisé par le peintre en chef de Louis XIV\, Charles Lebrun ; des œuvres d’art représentant ou inspirées du monument emblématique de Pietro Tacca connu sous le nom de « Quattro Mori » ; des peintures représentant la répression d’une révolte d’esclaves à Malte en 1749 ; un album de dessins exceptionnels de Fabroni représentant des galériens au travail et au repos ; et d’autres objets remarquables tels que des armes maritimes\, des sculptures de navires\, des talismans et des lettres écrites par des captifs musulmans et chrétiens\, qui seront lues à haute voix.\nEnfin\, une œuvre d’art contemporaine\, inédite\, Suspended inTime\, de l’artiste Kevork Mourad\, ouvrira des perspectives sur ce qu’est devenue cette longue histoire : de son oubli après la prise d’Alger par les troupes françaises en 1830 aux débats contemporains sur les œuvres d’art qui ont représenté l’esclavage\, y compris les Quattro Mori.
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LOCATION:Institut du Monde Arabe\, 1 rue des Fossés-Saint-Bernard\, Paris\, Paris\, 75005\, France
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SUMMARY:Avant les nymphéas. Monet découvre Giverny\, 1883-1890
DESCRIPTION:À l’occasion du centenaire de la disparition de Claude Monet\, le 5 décembre 1926\, le musée des impressionnismes organise une exposition exceptionnelle consacrée aux premières années de l’artiste dans le village de Giverny\, de son arrivée en 1883\, à la fin de l’année 1890\, où il devient propriétaire de sa maison et peut entreprendre la création de son jardin. Parmi la trentaine d’œuvres présentées\, beaucoup seront découvertes pour la première fois par le public et certaines sont totalement inédites\, comme L’Inondation\, Vétheuil\, récemment retrouvée. L’exposition réunit aussi des peintures emblématiques\, comme l’Autoportrait de Claude Monet coiffé d’un béret.
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LOCATION:Musée des Impressionnismes – Giverny\, 99\, rue Claude-Monet\, Giverny\, Eure\, 27620\, France
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SUMMARY:Par-delà les mille et une nuits. Histoire des orientalismes
DESCRIPTION:Avec près de 300 chefs-d’œuvre\, l’exposition Par-delà les Mille et Une Nuits. Histoires des orientalismes invite à un voyage à travers le temps pour découvrir comment formes\, imaginaires et savoirs circulent et se transforment. L’exposition explore les vies multiples des œuvres — les destins des objets depuis leur création\, leurs voyages\, leurs réinterprétations — et interroge la manière dont se construisent\, se transforment et se transmettent les récits. \nAu début du 18e siècle\, Antoine Galland publie en français Les Mille et Une Nuits\, un ensemble de contes issus de traditions indiennes et persanes\, transmis en arabe dès le 9e siècle. Portées par la figure de Schéhérazade\, ces histoires\, façonnées par des siècles de réécritures\, ouvrent un imaginaire où le récit devient un espace de survie\, d’invention et de transmission. Leur succès en Europe marque profondément les représentations de l’Orient\, révélant autant un désir d’ailleurs qu’un miroir tendu aux sociétés qui les accueillent. \nMais cette histoire ne commence ni avec Galland ni au 18e siècle. Dès le Moyen Âge\, échanges commerciaux\, diplomatiques et culturels font circuler objets\, motifs et savoirs entre les rives de la Méditerranée et au-delà. Textiles et objets précieux sont conservés dans les trésors d’églises\, les collections princières ou royales\, parfois réemployés et transformés. Les sciences\, les arts et la littérature du monde islamique sont alors largement connus\, intégrés et discutés. L’Orient n’apparaît pas comme un espace homogène ou figé\, mais comme une réalité plurielle\, mouvante\, définie différemment selon les époques et les contextes. \nL’exposition Par-delà les Mille et Une Nuits. Histoires des orientalismes explore le destin des objets sur le temps long. Collectionnés\, admirés\, réinterprétés ou parfois mal compris\, ils témoignent de leurs usages\, de leurs déplacements et des regards successifs qui les ont accompagnés.\nPour la première fois\, un ensemble remarquable issu du département des Arts de l’Islam du musée du Louvre\, comprenant plusieurs chef d’œuvres emblématiques\, est présenté au Louvre-Lens. Ce prêt inédit est complété par des œuvres provenant de collections françaises et belges. \nÀ travers une approche chronologique et critique\, l’exposition retrace\, sous le prisme français\, les échanges culturels entre Orient et Occident du Moyen Âge à nos jours. De Paris à Ispahan\, de l’Alhambra au Caire\, de Constantinople à Venise et Alger\, elle propose un voyage dans l’espace et dans le temps\, où se croisent objets\, imaginaires\, humains et histoires. \nPlusieurs sections rythment le parcours : Dès le 8e siècle\, des objets venus d’Orient\, perçus comme précieux\, circulent en Europe et enrichissent trésors d’églises et collections royales. La légende des échanges entre Charlemagne et Haroun al-Rashid illustre le prestige de ces objets. À partir du 13e siècle et particulièrement à partir du 16e siècle\, le commerce méditerranéen intensifie les transferts et les savoir-faire\, tandis que les échanges diplomatiques et la fascination pour l’Empire ottoman nourrit turqueries et imaginaires européens. L’Orient inspire artistes\, écrivains et musiciens de Molière à Rameau\, tout comme Les Mille et Une Nuits\, traduites et adaptées. Récits historiques et imaginaires se construisent autour d’œuvres emblématiques comme le « baptistère de saint Louis ». Au 18e et 19e siècle\, les voyages savants à l’Alhambra et au Caire révèlent des patrimoines méconnus\, inspirant l’alhambrisme en musique et la création artistique au 19e siècle. D’Ingres à Delacroix\, de Gérôme à Matisse\, en passant par les collectionneurs Goupil et Delort de Gléon dont les ensembles sont ici évoqués\, les objets rêvés ou collectionnés sont réinterprétés dans les peintures et les intérieurs. Les expositions universelles popularisent ces images\, bien souvent stéréotypées. Aujourd’hui\, ces mêmes musées interrogent les histoires de ces orientalismes. \nTout au long du parcours chronologique de l’exposition\, des contrepoints contemporains prolongent cette réflexion : des artistes vivants – Abbas Akbari\, Kader Attia\, Dalila Dalléas Bouzar\, Nezaket Ekici\, Katia Kameli\, Nicene Kossentini\, Fatima Mazmouz\, Sara Ouhaddou\, Nazanin Pouyandeh\, Zineb Sedira\, Wael Shawky\, Rayan Yasmineh\, Nil Yalter\, Amir Youssef –  revisitent ces héritages et proposent de nouvelles lectures qui continuent de questionner le présent. \nEntre passé\, présent et futur\, l’exposition invite à penser autrement la diffusion des formes et la manière dont nous regardons les œuvres aujourd’hui. Revenir aux « Mille et Une Nuits » et aller « par-delà »\, c’est reconnaître que les orientalismes sont des récits. Comme tous les récits\, ils ont été et peuvent être transmis\, réécrits\, modifiés\, questionnés\, enrichis\, critiqués\, recréés. Comme tous les récits\, ils comportent leurs parts d’ombre et de lumière. Comme tous les récits\, la suite de l’histoire reste à écrire\, comme l’expriment les regards des artistes contemporains.   \nCommissariat :\nCommissaires générales : Annabelle Ténèze\, directrice du Louvre-Lens et Souraya Noujaim\, directrice du département des Arts de l’Islam\, musée du Louvre\nCommissaire scientifique : Gwenaëlle Fellinger\, conservatrice en chef au département des Arts de l’Islam\, musée du Louvre \nScénographie :\nPhilippine Ordinaire et Bertrand Houdin\, directeurs artistiques\, avec Mathis Boucher\, architecte-scénographe au Louvre-Lens \nExposition réalisée avec le soutien de la Fondation Crédit Mutuel Nord Europe\, Grand Mécène
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LOCATION:Musée Le Louvre – Lens\, 99 Rue Paul Bert\, Lens\, Pas-de-Calais\, 62300\, France
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SUMMARY:Le Premier Consul à Marengo d’Antoine-Jean Gros
DESCRIPTION:À partir du 18 mars\, le musée national des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau présente\, au sein de son parcours permanent\, une exposition-dossier autour de l’une des œuvres importantes d’Antoine-Jean Gros (1771-1835)\, dédiée à la bataille de Marengo. En confrontant l’esquisse et le tableau final conçus à deux années d’intervalle\, l’exposition invite le public à observer les écarts formels et iconographiques entre les deux versions. Cette mise en regard révèle l’évolution de la représentation de Bonaparte et les enjeux politiques qui président à la réalisation de l’œuvre entre 1800 et 1802. \nInterprète majeur de la geste napoléonienne depuis la campagne d’Égypte\, Antoine-Jean Gros reçoit commande d’un tableau commémorant la bataille décisive de Marengo\, victoire qui permet de repousser pour la seconde fois les Autrichiens hors d’Italie. L’esquisse peinte est présentée au Salon des artistes vivants à l’automne 1801\, tandis que le tableau final est exposé au Salon de 1802. Déposé par le musée du Louvre à Malmaison depuis 1969\, ce dernier a bénéficié en 2024 d’une restauration fondamentale au Centre de recherche et de restauration des musées de France. \nLes différences entre les deux œuvres se révèlent particulièrement significatives et motivent l’acquisition de l’esquisse par le musée national de Malmaison en 2024\, avec le soutien du Fonds du patrimoine. Elles témoignent d’un moment clé de l’ascension politique de Bonaparte. Dans l’esquisse\, le général décerne un sabre d’honneur à un grenadier méritant au lendemain de la bataille ; dans le tableau final\, le soldat tient désormais l’arme en main\, tandis que le Premier Consul apparaît distant\, en surplomb. Entre les deux réalisations\, la création de la Légion d’honneur\, qui rend obsolètes les armes de récompense\, et le plébiscite instaurant le Consulat à vie modifient profondément la nature du pouvoir. Là où l’esquisse figure un chef reconnaissant la bravoure de ses soldats\, le tableau final s’impose comme un portrait équestre du premier personnage de l’État. Bonaparte entend fixer durablement cette effigie en commandant\, en 1806\, une tapisserie d’après la peinture finale aux Gobelins. \nD’autres écarts\, tant dans la composition que dans le traitement des figures\, sont volontairement laissés à l’observation des visiteurs. La confrontation est enrichie par la présentation de la tapisserie et d’un portrait en pied peint par Gros en 1802\, destiné à diffuser l’image officielle du Premier Consul dans différentes institutions du territoire. Pour le tableau conservé à Malmaison\, le peintre reprend le visage de Bonaparte ainsi que l’habit consulaire de cérémonie et le baudrier\, éléments porteurs d’une double signification militaire et politique. \nCommissariat : \nRémi Cariel\, conservateur en chef du patrimoine\, chargé des collections de peintures et d’arts graphiques\, musée national des châteaux de Malmaison et de Bois-Préau
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SUMMARY:La mode du 18e siècle : Un héritage fantasmé
DESCRIPTION:Le Palais Galliera dévoile l’exposition La mode du 18e siècle. Un héritage fantasmé qui présente les caractéristiques de la mode féminine au siècle des Lumières et ses nombreuses réinterprétations à travers l’histoire de la mode jusqu’à aujourd’hui. Souvent perçu comme un siècle lointain\, voire poussiéreux\, le 18e siècle constitue pourtant une étape majeure dans l’évolution des apparences féminines qui influencent encore à ce jour le monde de la mode et la culture populaire.
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LOCATION:Palais Galliera\, 10 Avenue Pierre 1er de Serbie\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Licornes !
DESCRIPTION:L’exposition « Licornes ! » évoque la licorne dans tous ses états de l’Antiquité à nos jours. La visite guidée par des conférenciers de GrandPalais-Rmn permet de découvrir l’histoire de la licorne\, créature mythique aux significations variées et aux multiples résonances.
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LOCATION:Musée de Cluny – Musée national du Moyen Âge\, Hôtel de Cluny - 6\, place Paul Painlevé\, Paris\, Paris\, 75005\, France
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SUMMARY:Hamed Abdalla : Signes d'Egypte
DESCRIPTION:Cette exposition rétrospective rend hommage à une figure majeure de l’art moderne égyptien : l’artiste Hamed Abdalla (1917-1985) dont l’œuvre prolifique au fil de cinquante-deux années de création a contribué à redéfinir les trajectoires de l’art dans les mondes arabes\, africains et méditerranéens en contexte postcolonial. \nRassemblant un ensemble exceptionnel d’œuvres et d’archives conservées par la famille de l’artiste\, l’exposition retrace les différentes étapes de sa vie et de son œuvre. \nPeintures\, dessins\, lithographies et documents personnels sont mis en regard afin de recomposer le portrait de cet artiste singulier et de retrouver à travers son parcours les échos de toute une époque. \nNé dans une modeste famille de paysans\, Abdalla grandit au cœur du Caire populaire dans l’île de Rodah. Autodidacte\, il enseigne très tôt la peinture et le dessin à toute une génération d’artistes égyptiens\, parmi lesquels Tahia Halim (1919-2003)\, Inji Efflatoun (1924-1989) ou encore George Bahgory (1932). \nIl se garde pourtant d’intégrer un groupe ou une école artistique\, préférant mener une recherche qui lui est propre\, nourrie par la vie du petit peuple qu’il connaît et comprend\, mais aussi du langage plastique de l’art pharaonique\, l’art copte et les arts de l’islam qu’il étudie avec beaucoup d’intérêt. Cette période donne lieu à un ensemble de productions qu’il appelle « Signes d’Égypte » : des œuvres enracinées dans la culture visuelle de son pays tout en dialoguant avec son histoire contemporaine. Les « signes » d’Abdalla voyagent en 1950 à Paris à la galerie Bernheim Jeune\, puis à Londres\, puis dans plusieurs villes européennes. \nLa trajectoire de l’exil au Danemark à partir de 1956 puis à Paris à partir de 1966 ouvre une nouvelle étape. C’est durant ces années qu’Abdalla invente une des facettes les plus singulières de son travail : le « creative word » qu’il nomme également mot-forme ou encore écriture anthropomorphique. Dans cette forme hybride\, les lettres arabes se dotent de corps\, deviennent figures et incarnent simultanément le sens du mot et sa manifestation visuelle voire charnelle : le mot « Amour » peut ainsi se transformer en étreinte\, tandis que « Liberté » projette les poings vers le ciel dans un mouvement qui en souligne la portée. En brouillant les pistes entre signes et images\, Abdalla dépasse la polarité entre abstraction et figuration et invente une troisième voie. \nHamed Abdalla poursuit ses expérimentations sur la forme et la matière tout au long de sa carrière (toiles au goudron et aluminium brulées au chalumeau\, œuvres en papier froissé\, sur miroir\, etc.)\, couplées d’une exploration de thématiques politiques\, poétiques et spirituelles. \nTissée entre plusieurs mondes — géographiques\, esthétiques et culturels — l’œuvre d’Abdalla est soutenue par un engagement politique continu qui fait de l’acte de créer une manière d’agir et de défendre la dignité humaine. \nAujourd’hui\, la reconnaissance internationale de Hamed Abdalla ne cesse de croître. Ses œuvres rejoignent les collections du Metropolitan Museum of Art à New York\, de la Tate Modern à Londres\, du Mathaf à Doha\, sans oublier le Musée d’Art moderne égyptien au Caire. L’exposition de l’Institut du monde arabe Tourcoing emboîte le pas à ce mouvement pour faire connaître le travail de cet artiste à la lumière des derniers travaux en histoire de l’art.
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LOCATION:Institut du Monde Arabe Tourcoing\, 9 Rue Gabriel Péri\, Tourcoing\, Nord\, 59200\, France
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SUMMARY:La Redoute\, un temps d’avance : Mode\, design\, publicité
DESCRIPTION:Née de la révolution industrielle au XIXe siècle\, la Ville de Roubaix s’est façonnée une identité forte autour du textile. La Redoute\, créée en 1837 par Joseph Pollet\, est avant tout une histoire d’entrepreneurs audacieux installés à Roubaix. Le musée La Piscine propose de raconter cette success-story\, née d’une filature familiale réputée pour ses tissus et tricots d’une rare finesse. Au fil du temps\, l’enseigne est devenue leader de la vente par correspondance en Europe avant de s’imposer comme un acteur majeur du e-commerce français dans les secteurs du Prêt-à-Porter et de la Maison-Décoration. \nVisionnaire\, la marque a jeté les bases du commerce moderne avec des innovations majeures : démocratisation de la mode avec le premier catalogue de vente à distance en 1928\, département « Ménage-ameublement-loisirs » en 1956\, carte de crédit Kangourou en 1968\, « Créateur invité » dès 1969\, service Minitel en 1982\, « 48 h Chrono » en 1984 qui passera à « 24 h Chrono » avant que n’arrive la révolution internet. Autant de nouveautés qui jalonnent son histoire. \nL’exposition se propose de retracer\, au-delà de cette révolution commerciale\, le rôle de La Redoute dans l’évolution de la société et des modes de consommation. S’appuyant sur ses archives\, publicités\, catalogues de ventes\, témoignages\, cartes postales\, photographies\, vêtements\, sont présentés au fil d’un parcours riche en découvertes. Cette rétrospective met aussi en lumière les collaborations avec les couturiers et créateurs de prêt-à-porter renommés (Yves Saint Laurent\, Issey Miyake\, Azzedine Alaïa\, Sonia Rykiel\, Jacquemus\, Kevin Germanier…)\, les designers phares (Sam Baron\, Constance Guisset\, Philippe Starck\, Jean-Michel Wilmotte\, Christian Lacroix) et les mises en scène de célébrités photographiées par Dominique Issermann et Kate Barry entre autres. \nCommissariat\nKarine Lacquemant\, conservatrice des collections Arts-Appliqués à La Piscine – Musée d’art et d’industrie André Diligent\, Sylvette Lepers\, responsable partenariats créateurs & Image à La Redoute\, Sandrine Tinturier\, responsable des archives à la Fondation Azzedine Alaïa. \nCette exposition bénéficie du soutien exceptionnel de La Redoute.\nLa scénographie est réalisée grâce au généreux concours des peintures Tollens.
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LOCATION:La Piscine – Musée d’Art et d’Industrie André Diligent de Roubaix\, 23 rue de l'Espérance\, Roubaix\, Nord\, 59100\, France
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SUMMARY:Peinture froide. Giulia Andrean
DESCRIPTION:Le macLYON invite Giulia Andreani pour une exposition monographique retraçant plus d’une décennie de sa pratique artistique\, tout en révélant l’évolution de sa peinture. Intitulée Peinture froide\, l’exposition explore la représentation des pouvoirs au 20e siècle\, qu’il s’agisse de guerres\, d’art\, de l’histoire officielle ou de celle des marges. \nFérue d’histoire\, l’artiste-peintre Giulia Andreani redonne une forte présence à la peinture figurative sur la scène artistique française. Son œuvre retrace les récits de l’Histoire et les luttes du 20e siècle\, qu’elle réinterprète à travers des figures politiques\, féministes et marginales. Ses peintures font émerger les traces du passé et soulignent leur résonance avec les enjeux sociétaux et politiques actuels. \nArticulée autour de trois chapitres\, l’exposition aborde successivement la fascination de l’artiste pour la « Grande Histoire »\, qui s’affirme par le pouvoir et la domination\, la « Petite Histoire »\, qui fait ressurgir les figures oubliées et leur rôle social majeur\, ainsi que l’inscription de la mémoire collective dans l’histoire de l’art. Giulia Andreani porte un regard critique et personnel sur les hiérarchies et sur le rôle que les figures historiques et les artistes occupent dans la société. \nRéunissant plus d’une cinquantaine d’œuvres\, des peintures et des aquarelles de formats variés\, et dans une scénographie conçue spécialement pour l’exposition\, Peinture froide évoque les sujets engagés chers à l’artiste mais aussi l’humour\, souvent ironique\, qui infuse dans ses œuvres. Une peinture monumentale inédite incarne l’aboutissement de ses recherches menées pour l’exposition et confirme la place désormais incontournable de Giulia Andreani parmi les artistes majeur·es de sa génération. \nLe titre de l’exposition fait écho aux interrogations de l’artiste sur la manière dont les contextes politiques influencent la peinture\, notamment celui de la guerre froide (1947-1991)\, période historique que Giulia Andreani étudie avec intérêt. \n« Je me sens très concernée par ce qui se passe autour de moi et je réagis beaucoup à chaud\, ma peinture s’inscrit dans une urgence extrêmement actuelle. Malgré la lenteur de l’exécution et une apparence très lisse\, je fais une peinture d’énervée. » \nCommissaire : Marilou Laneuville\, Responsable des expositions et des éditions au macLYON
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain de Lyon\, 81 Cité internationale - quai Charles de Gaulle\, Lyon\, Rhône\, 69006\, France
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SUMMARY:Regards sensibles\, œuvres vidéos de la collection Lemaître
DESCRIPTION:Pendant plus de 30 ans\, Isabelle et Jean-Conrad Lemaître ont constitué une collection exceptionnelle d’art vidéo\, l’une des plus importantes en mains privées en France. Tasja Langenbach\, spécialiste reconnue d’art vidéo\, a été conviée par le macLYON afin d’assurer le commissariat de cette exposition. Elle a imaginé un parcours où l’émotion et le sensible sont à contre-courant de la pratique actuelle du scrolling. \nGrands amateurs d’art\, Isabelle et Jean‑Conrad Lemaître ont décidé\, après quelques années de collection d’œuvres d’art plus classiques (peinture\, gravure\, photographie…)\, de se consacrer uniquement à l’art vidéo\, réunissant ainsi un ensemble unique d’œuvres réalisées entre 1984 et 2025. Cette collection se distingue par sa vision singulière. Voyageurs\, curieux et intuitifs\, les Lemaître ont surtout procédé par choix affectifs et personnels. Leur regard d’une ouverture intellectuelle rare\, s’est tourné vers des œuvres qui abordent des enjeux sociaux\, politiques et économiques. \nFigure emblématique de l’art vidéo en Europe\, et à la tête du Videonale – Festival for Video and Time-Based Arts à Bonn en Allemagne depuis 2012\, Tasja Langenbach a conçu un parcours spécifique à partir d’une sélection d’œuvres\, complété par un programme de projections et de rencontres\, qui permettra de découvrir cette collection hors normes. \nCommissaire : Tasja Langenbach \nArtistes présenté·es : Jumana Emil Abboud\, Emad Aleebrahim Dehkordi\, Marcos Ávila Forero\, Johanna Billing\, Katinka Bock\, Ulla von Brandenburg\, Elina Brotherus\, Clément Cogitore\, Keren Cytter\, Patricia Esquivias\, Cédrick Eymenier\, Annika Kahrs\, Kai Kaljo\, Arthur Kleinjan\, Takehito Koganezawa\, Evangelia Kranióti\, Hayoun Kwon\, Marjan Laaper\, Sigalit Landau\, Klara Lidén\, Aernout Mik\, Enrique Ramírez\, Christoph Rütimann\, Eske Schlüters\, SUPERFLEX\, Walid Raad\, Mariana Vassileva\, Gillian Wearing.
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain de Lyon\, 81 Cité internationale - quai Charles de Gaulle\, Lyon\, Rhône\, 69006\, France
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SUMMARY:Encore lui ! Une exposition de Jean-Claude Guillaumon
DESCRIPTION:Artiste autodidacte adepte du happening et de toutes les formes d’art éphémère\, Jean-Claude Guillaumon\, décédé en 2022 a marqué la scène artistique lyonnaise. Le macLYON présente la première rétrospective dédiée à cet artiste inclassable\, empreint de facétie et d’ironie. \nNé en 1943 à Lyon\, Jean-Claude Guillaumon s’est consacré à la peinture avant de découvrir le happening et l’art environnemental en 1964 à la Biennale de Venise. Curieux de toutes les formes de création\, il se tourne vers le mouvement Fluxus et collabore avec des artistes tels que Ben\, George Brecht et Robert Filliou mais aussi Daniel Buren\, Olivier Mosset ou encore ORLAN. Adoptant la maxime L’art c’est la vie\, il organise de nombreux happenings et contribue à l’essor de ce courant alternatif dans la région lyonnaise\, bousculant au passage la scène artistique locale et ses institutions. À une époque où l’émergence des nouvelles formes d’art liées aux secondes avant-gardes restait très centralisée\, notamment à Paris\, ces artistes engagé·es en région apparaissent comme de véritables pionnier·ères. \nDans les années 1970\, Jean-Claude Guillaumon s’éloigne progressivement du happening et de la vague Fluxus pour se consacrer à la photographie noir et blanc. Il met en scène son propre corps dans des compositions souvent burlesques\, incarnant un regard à la fois plein de malice et engagé sur la société et l’art. « […] je me suis multiplié dans des compositions photographiques pour jouer tous les rôles du genre humain. L’humour et la dérision\, omniprésents dans ce travail\, sont les seules façons de détruire la vanité de la représentation de ma propre image : je joue ainsi le rôle de l’homme ordinaire\, mais aussi celui de l’artiste\, de sa place dans la société\, en référence à l’histoire de la peinture. » Tout au long de son existence\, son œuvre réalisée avec peu de moyens aura défendu ce lien indissociable entre l’art et la vie. Bien avant l’apparition du selfie\, son corps\, à la fois sujet et objet de sa création\, traverse le temps et les espaces\, témoignant de la place de l’art dans ses relations personnelles\, familiales et artistiques. \nCommissaire : Matthieu Lelièvre\, Responsable de la collection du macLYON
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LOCATION:Musée d’Art Contemporain de Lyon\, 81 Cité internationale - quai Charles de Gaulle\, Lyon\, Rhône\, 69006\, France
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SUMMARY:Une journée au XVIIIe siècle\, chronique d’un hôtel particulier
DESCRIPTION:Plongez au cœur de l’intimité d’une demeure aristocratique du XVIIIe siècle et de ses habitants\, maîtres\, domestiques et animaux familiers\, grâce à une exposition immersive\, intitulée « Une journée au XVIIIe siècle\, chronique d’un hôtel particulier ». \nAvec plus de 550 pièces originales issues essentiellement des collections du musée\, et pour la plupart rarement montrées\, l’exposition « Une journée au XVIIIe siècle\, chronique d’un hôtel particulier » convoque tous les domaines d’expression des arts décoratifs – boiseries et papiers peints\, mobilier\, céramique\, orfèvrerie\, vêtements et accessoires de mode\, jouets\, bijoux – pour redonner vie à un hôtel particulier parisien dans les années 1780. \nDans une ambiance cinématographique\, sonore et olfactive\, le visiteur est invité à déambuler de pièce en pièce\, comme s’il était un proche\, un ami ou un invité privilégié de la famille. \nLe commissariat de l’exposition est assuré par Ariane James-Sarazin\, conservatrice générale du patrimoine\, en charge des collections XVIIe – XVIIIe siècle et Nissim de Camondo\, et par Sophie Motsch\, attachée de conservation.
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LOCATION:Musée des Arts Décoratifs\, 107\, rue de Rivoli\, Paris\, Paris\, 75001\, France
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SUMMARY:Leonora Carrington
DESCRIPTION:Artiste\, féministe et écologiste d’avant-garde\, femme\, mère\, migrante\, touchée par la maladie mentale et chercheuse spirituelle en constante évolution\, Leonora Carrington a laissé derrière elle un héritage aussi extraordinaire que radical. \nNée en 1917 dans le Lancashire en Angleterre\, Leonora Carrington s’est construite à travers le voyage\, qu’il soit intérieur ou extérieur. De Florence à Paris\, du Sud de la France à l’Espagne\, jusqu’au Mexique où elle est devenue une figure culte\, son parcours hors du commun a nourri une œuvre à la croisée du surréalisme\, de la mythologie et de l’ésotérisme. \nCette exposition\, rassemblant 126 œuvres\, est la première d’envergure en France consacrée uniquement à l’œuvre de Carrington. Elle présente Carrington comme une « Femme de Vitruve » : une artiste totale\, représentant un modèle en terme d’harmonie et d’innovation. Ses créations fusionnent humain et animal\, masculin et féminin\, donnant forme à un monde où métamorphoses et symboles se répondent. \nÀ travers une approche chronologique et thématique\, ainsi qu’une présentation inédite de ses créations visionnaires diverses\, le parcours explore les thèmes et centres d’intérêts principaux de l’artiste : découverte de l’art classique italien à Florence durant l’ adolescence\, fascination pour la Renaissance\, origines celtiques et post-victoriennes\, ou encore participation au surréalisme pendant son séjour en France. \nL’exposition met ainsi en lumière l’héritage exceptionnel de cette voyageuse perpétuelle\, toujours en quête de connaissance d’elle-même.
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LOCATION:Musée du Luxembourg\, 19 rue de Vaugirard\, Paris 6e\, Paris\, 75006
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Picasso\, l’art en mouvement
DESCRIPTION:Plongez dans l’univers bouillonnant de Pablo Picasso aux Carrières des Lumières ! \nApprochez-vous au plus près du regard de l’artiste\, puis laissez-vous envelopper par les teintes chaleureuses de son Espagne natale. Immergez-vous dans un tourbillon de couleurs au coeur des cabarets et bals parisiens\, où se retrouvent peintres et modèles. Ponctué par une bande-son au rythme entraînant\, votre parcours vous guidera à travers la palette du peintre\, où bleu mélancolique et rose délicat précèdent les gris saisissants du monumental Guernica. \nDe La Célestine aux Demoiselles d’Avignon en passant par La Suppliante\, partez à la rencontre des visages des femmes qui ont peuplé sa vie et inspiré certains des virages majeurs de son œuvre. \nUne expérience immersive incontournable qui bouleverse\, interroge\, et nous invite à porter un autre regard sur le parcours artistique du cofondateur du cubisme !
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LOCATION:Carrières de Lumières\, Route de Maillane\, Les Baux-de-Provence\, Bouches-du-Rhône\, 13520\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Jacques Declercq : traits de mémoire\, dessins et gravures
DESCRIPTION:Jacques Declercq est un graveur sur bois actif depuis les années 60\, reconnu notamment pour ses estampes abstraites presque sculpturales. L’artiste a accepté l’idée de dévoiler un aspect plus intime et ancien de son œuvre\, à savoir les dessins et les gravures figuratives\, légèrement satiriques. Il dessine avec humour les marchandes de poisson\, les commères\, les grand-mères et souligne « Je ne me moque pas des gens\, j’ai une tendresse pour eux. »  Son idée est alors de créer un imagier contemporain\, en référence à l’art médiéval. Il allie le dessin d’observation et le plaisir de tailler le bois\, pour extraire de son aspect primitif une force expressive. Ces chroniques savoureuses révèlent un formidable dessinateur.
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LOCATION:Musée du Dessin et de l’Estampe Originale\, Arsenal\, Gravelines\, Nord\, 59820\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:K-PRINT : gravures sur bois coréenne
DESCRIPTION:En 2023\, la conservatrice d’un musée coréen rencontrait la directrice du musée à Gravelines et ensemble elles commençaient à imaginer un projet franco-coréen\, destiné à promouvoir la gravure coréenne dans les deux pays. De cette rencontre est né le projet K Print\, qui comprend deux expositions\, avec une partie commune\, présentées dans les deux pays. \nL’exposition française « K PRINT\, gravures sur bois coréennes » s’est vu attribué le label : Exposition d’intérêt national\, par le Ministère de la Culture. Elle présente une centaine de gravures contemporaines\, provenant notamment de Corée\, grâce à l’Indang Museum de Daegu et du musée Cernuschi\, le musée des arts de l’Asie de la ville de Paris. Elle déroule les thèmes de l’émergence de la gravure artistique après-guerre\, du lien avec la France des années 1950-70\, de la gravure engagée\, du paysage poétique et du City blues.
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LOCATION:Musée du Dessin et de l’Estampe Originale\, Arsenal\, Gravelines\, Nord\, 59820\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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