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SUMMARY:Africa Pop
DESCRIPTION:L’exposition Africa Pop invite les visiteurs à rencontrer les cultures africaines sur le fil du textile\, à travers une conversation entre les tissus appelés wax et des objets du quotidien. \nCe voyage d’Ouest en Est\, et du Nord au Sud\, propose la découverte d’un continent où les étoffes sont supports de langage et expriment la voix des femmes. \nÀ travers des collections exceptionnelles reflétant 30 années de recherches de terrain\, une scénographie immersive avec un sens aigu du détail\, l’exposition est construite comme un imagier géant qui invite le visiteur à observer chaque élément dans un jeu de correspondance.
URL:https://actu.art/event/africa-pop/
LOCATION:Musée d’Art Naïf Anatole Jakovsky\, 23\, Av de Fabron\, Nice\, Alpes-Maritimes\, 06000
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Gerhard Richter : Overpainted Photographs
DESCRIPTION:Gerhard Richter compte parmi les artistes les plus influents de notre époque. Son œuvre n’a cessé de redéfinir les relations entre peinture\, photographie et perception. Les Overpainted Photographs occupent une place singulière dans cette pratique. Commencée à la fin des années 1980\, la série conjugue deux éléments centraux – et souvent antagonistes – de son art : la photographie et le geste pictural. Travaillant directement sur de petits tirages photographiques\, Richter applique de la peinture à l’huile\, du vernis ou de l’émail qu’il étale\, gratte\, presse ou fait glisser sur l’image. Il n’en résulte ni une photographie ni une peinture à proprement parler\, mais une forme hybride où les deux médiums se trouvent fondamentalement altérés. Modestes par leur format\, ces œuvres sont pourtant radicales dans leur portée. La photographie\, ordinairement perçue comme document\, trace ou enregistrement fidèle du visible\, se trouve déstabilisée par la peinture\, un médium par nature tactile\, opaque et contingent. Richter ne cherche ni à illustrer l’image ni à la sublimer : il la soumet à une intervention matérielle qui trouble sa lisibilité et suspend son autorité. Coexistent alors sur la surface texturée révélation et dissimulation\, accident et décision\, intimité et distance. Richter puise souvent dans ses propres archives : portraits de famille\, paysages\, vues urbaines ou clichés de vacances – des images ordinaires\, liées à sa vie privée et à ses observations du quotidien. Une fois repeintes\, elles échappent au registre du souvenir intime. La peinture n’efface pas complètement l’image sous-jacente\, elle ne se contente pas non plus de la recouvrir : elle réoriente le regard\, instaurant une relation nouvelle entre ce qui demeure visible et ce qui se trouve occulté. L’image devient instable\, ouverte et incertaine. L’exposition réunit également des photographies issues des séries Grauwald (2008) et Museum Visit (2011)\, qui prolongent les Overpainted Photographs en deux méditations distinctes sur l’acte de regarder. Dans Grauwald\, des clichés réalisés dans une forêt près du domicile de l’artiste sont voilés de laque grise\, transformant le paysage en un espace de distance\, d’instabilité et d’introspection. La nature y apparaît suspendue entre présence et disparition. Dans Museum Visit\, Richter porte son attention sur le musée lui-même\, retraçant le parcours du public à travers la Tate Modern au fil d’une seule journée. Des voiles de blancs et de couleurs vives y enregistrent les variations d’activité\, faisant de l’espace d’exposition un champ animé où se mêlent perception\, mémoire et expérience collective. Les procédés de Richter participent pleinement du sens de ses œuvres. Nombre d’entre elles ont été réalisées à partir de restes de peinture prélevés sur ses toiles abstraites\, appliqués au hasard de ses gestes\, par pression ou grattage. L’image finale est le fruit\, non seulement d’une intention\, mais aussi de contingences\, de l’interaction imprévisible entre la peinture et la photographie. C’est précisément cet élément de hasard maîtrisé qui confère à ces œuvres leur force particulière. Les Overpainted Photographs cristallisent les questions au cœur de toute la pratique de Richter : l’instabilité de la représentation\, les limites de la perception et la difficile séparation entre image et croyance. Elles montrent que le regard n’est jamais neutre et que toute image est exposée à la transformation\, à l’interférence et au doute. À une époque marquée par la circulation\, la saturation et la manipulation incessantes des images\, ces œuvres conservent une acuité remarquable. Cette exposition offre une occasion rare de les appréhender dans leur ensemble et de mesurer leur importance dans la pratique de Richter comme\, plus largement\, dans l’art contemporain. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Hans Ulrich Obrist\, Conseiller général
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Camille Henrot : In the Veins
DESCRIPTION:In the Veins\, le nouveau film de Camille Henrot – l’une des artistes majeures de sa génération – interroge ce que signifie élever des enfants à l’ère de la crise climatique et de l’extinction de masse. L’œuvre s’articule autour du deuil écologique – ou solastalgie –\, cette expérience intime et quotidienne qu’est le fait de vivre avec une perte irréversible. Plutôt que d’aborder cette réalité comme un problème planétaire abstrait\, Henrot l’ancre dans le quotidien\, là où le soin\, la peur\, l’amour et la responsabilité se font ressentir avec le plus d’acuité. Le film part d’une contradiction simple mais troublante. Les animaux sont omniprésents dans l’enfance : ils peuplent les livres\, les jouets\, les chansons et les premiers apprentissages par lesquels nous apprenons à nommer le monde. Pourtant\, bon nombre de ces mêmes animaux sont aujourd’hui menacés\, déplacés ou en voie de disparition. Lire un abécédaire à un enfant et arriver à « J comme jaguar » ou « O comme ours polaire »\, c’est se heurter à un fossé béant entre représentation et réalité. Le film s’attarde sur cette dissonance\, s’interrogeant sur ce que signifie hériter d’un imaginaire foisonnant en vie animale tout en transmettant un monde sinistré où cette vie disparaît. Dans cette perspective\, parentalité et écologie apparaissent comme des pratiques du soin étroitement solidaires. L’une et l’autre ont affaire à la vulnérabilité\, à la dépendance\, à la préservation et à la survie. L’une et l’autre résistent à une culture qui privilégie la nouveauté\, la rapidité et la consommation au détriment de la réparation\, de la pérennité et de la responsabilité. In the Veins présente le soin non pas comme une question secondaire ou privée\, mais comme un acte éthique et politique. Les gestes qui consistent à veiller sur le vivant – s’occuper\, nourrir\, nettoyer\, protéger\, réparer – sont au fondement de toute conscience écologique sérieuse. Cette logique s’étend aux images du film montrant des centres de soins de la faune sauvage\, où des animaux blessés sont recueillis après avoir été directement confrontés à la violence des systèmes humains : environnements empoisonnés\, habitats détruits\, écosystèmes dégradés. Ces lieux font apparaître à la fois la destruction et la réparation. Ils témoignent de formes de soin qui ne reposent pas sur la domination ni la possession\, mais sur la patience\, la retenue et une proximité sans emprise. En ce sens\, veiller sur des animaux sauvages et en prendre soin fait écho au travail d’élever des enfants : il n’existe pas de résultat idéal\, seulement l’effort nécessaire pour permettre à une autre vie de se poursuivre. Le film se construit autour d’une méditation sur le temps. La répétition\, si centrale dans l’acte de prendre soin\, en devient l’un de ses principes formels. À rebours de la logique dominante du progrès linéaire\, l’œuvre se tourne vers des rythmes cycliques – le jour et la nuit\, les saisons\, mais aussi la croissance\, le retour\, l’épuisement et le renouveau. Ce choix est d’autant plus significatif que la crise climatique échappe souvent à la perception ordinaire : elle se déroule trop lentement pour être vécue comme un événement\, trop rapidement pour que les sociétés puissent y répondre. L’enfance obéit à une temporalité semblable : continue\, transformatrice\, difficile à saisir dans son mouvement même. Par sa structure\, sa bande sonore et son montage\, In the Veins avance que les gestes du soin au cœur de la destruction ne sont pas des actes mineurs\, mais des formes de courage. Prendre soin d’un enfant\, d’un animal ou d’un monde abîmé\, c’est résister au désespoir en continuant d’assumer sa responsabilité à l’égard du vivant.  \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
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SUMMARY:Julianknxx : In Search of Incredible
DESCRIPTION:Né en Sierra Leone\, Julianknxx a développé une pratique façonnée par ses déplacements à travers géographies\, langues et contextes historiques. Ayant grandi entre la Gambie et Londres\, il envisage la diaspora non comme une identité fixe\, mais comme une condition vécue et inachevée – un espace de rupture\, de transmission\, d’invention et de retour. Travaillant à la croisée du film\, de la performance\, de l’installation\, de la poésie et du son\, il conçoit des œuvres qui résistent aux récits univoques. Il y recueille des voix\, des gestes\, des souvenirs\, des chants et des fragments d’histoire pour les traduire sous des formes qui donnent à voir ce que les versions officielles ont trop souvent négligé\, réduit au silence ou dévoyé. \nIn Search of… Incredible\, initialement créé pendant la résidence de l’artiste à LUMA Arles\, transpose ces préoccupations en une exposition saisissante\, où sculptures\, films\, sons et objets trouvés composent une architecture vivante de la mémoire. L’exposition s’articule autour de trois mouvements interdépendants : transmettre\, transformer et préserver. Elle interroge la manière dont la mémoire perdure\, non pas comme une archive invariable\, mais comme quelque chose d’incarné\, sans cesse réinventé au fil des relations. En son cœur se trouve une méditation sur les origines\, la résilience et les rituels du deuil comme pratiques de soin\, de transmission et de refus de la disparition. Les couches intangibles du réel y deviennent tangibles\, et ce qui résiste à toute formulation par des mots se dit autrement – par le rythme\, la répétition\, la texture et la forme. \nLe titre lui-même est né d’un geste intime d’attention : des mots découverts sur une boîte en carton qu’avait utilisée la mère de l’artiste pour lui envoyer une sculpture réalisée à partir d’un de ses dessins. Ces derniers sont le fruit d’un échange soutenu entre l’artiste et sa mère en Gambie\, un moyen de maintenir le lien malgré la distance\, de partager des images\, des idées et des formes de pensée. Tracées par l’artiste puis réinterprétées par des menuisiers locaux sous forme de petites sculptures en bois de rose\, ces pièces lui ont ensuite été expédiées à Londres\, établissant un circuit de transmission fondé sur l’intimité\, la collaboration et la transformation de la matière. Elles ont donné corps à une réflexion commune sur ce que ces formes pourraient être\, sur les lignées qu’elles pourraient porter et sur la manière dont elles pourraient exister dans le monde – en tant qu’amulettes\, totems\, sculptures ou présences protectrices. \nPour l’exposition\, cet ensemble d’œuvres a été soumis à une nouvelle transformation. Certaines sculptures ont été recouvertes de sel\, brûlées\, teintées avec des pigments naturels ou recomposées à partir de matériaux trouvés\, prolongeant ainsi le processus de transmission et de recréation. Ces œuvres donnent à voir que le sens réside souvent dans les matériaux les plus ordinaires\, et que l’histoire se transmet par les gestes\, les chants et les attentions qui perdurent à travers le temps et la distance. \nAux côtés des sculptures\, les vidéos créent un espace où témoignage et cosmologie\, deuil et affirmation demeurent indissociables\, avec le son pour fil conducteur. Dans l’œuvre de Julianknxx\, le son n’est jamais secondaire ni simplement illustratif : c’est une force génératrice\, une technologie sociale\, émotionnelle et spirituelle qui maintient les mondes en cohésion. L’exposition présente des berceuses élaborées en collaboration avec le Chœur Boras de Marseille\, dont les chants transmettent les traditions orales comoriennes au fil des générations et des histoires migratoires. Bien plus que de simples chants de réconfort\, ce sont des vecteurs de mémoire et de survie\, des structures intimes par lesquelles récits et expériences se préservent dans le corps et se transmettent par le souffle\, la répétition et la vibration. La voix devient archive première\, dépositaire vivante du deuil\, de la tendresse\, de la résilience et de la continuité culturelle. \nLe sel est l’autre force qui lie les œuvres de l’exposition. Présent dans chacune d’entre elles – des sculptures aux films – il opère comme matériau et comme métaphore. Il préserve\, guérit\, blesse et consacre. Il évoque la sueur\, les larmes\, l’eau de mer\, le labeur\, le rituel et l’extraction. Dans le travail de Julianknxx\, le sel relie l’intime à l’historique\, associant le corps au déplacement\, à la perte\, à la nourriture et à l’héritage violent du commerce colonial. Substance d’accumulation\, il se forme couche après couche\, retenant le temps tout en transformant ce qu’il touche. \nIn Search of… Incredible raconte comment quelque chose survit\, la façon dont la mémoire est portée\, modifiée\, rendue au monde\, dont l’histoire vit à travers la voix et le rituel\, et dont l’art peut accueillir des réalités que d’autres systèmes de représentation ne peuvent voir.  \n Avec le soutien du Groupe Salins. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique\, Eimear Martin\, Curatrice et Zoé Crouzat\, Assistante curatrice
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SUMMARY:Mystification : Architecture et cinéma\, la quête de l'illusion
DESCRIPTION:Depuis l’Antiquité\, l’architecture et le théâtre ont en commun un art subtil : celui de tromper le regard et l’esprit. L’illusion des formes\, la maîtrise des perspectives et le jeu avec la lumière transforment notre perception du monde et nous plongent dans une réalité altérée.  \nLes colonnes du Parthénon\, légèrement incurvées pour paraître droites\, et les décors en trompe-l’œil de la Renaissance témoignent de cette quête de perfection qui joue avec notre perception sensorielle. Le cinéma\, art fondé sur l’illusion du mouvement\, s’est emparé de ces artifices pour projeter des univers où l’œil est sans cesse trompé : les perspectives manipulées de Metropolis\, les cités impossibles d’Inception ou encore la ville de Gotham réinventée au fil des adaptations de Batman. \nL’exposition « Mystification\, Architecture et Cinéma\, la quête de l’illusion »\, met en perspective ces arts de l’illusion\, questionne notre compréhension de la réalité et notre désir de fiction\, en offrant une expérience visuelle spectaculaire et un dialogue inédit avec les œuvres du peintre Claude Gazier.
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LOCATION:Saline Royale d’Arc-et-Senans\, Grande Rue\, Arc et Senans\, Doubs\, 25610\, France
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SUMMARY:Verena Paravel : Delta
DESCRIPTION:Delta est une nouvelle commande filmique majeure de l’artiste et cinéaste Verena Paravel\, réalisée dans le cadre d’un projet de recherche plus large intitulé Cosmofonia. Verena Paravel compte parmi les voix les plus originales du cinéma documentaire contemporain et ne cesse d’étendre le potentiel de la vidéo en éprouvant les limites de la perception et en remettant en question les modes d’observation anthropocentrés. Située à l’intersection de l’anthropologie\, de l’écologie et de l’image en mouvement\, sa pratique propose une approche décentrée du monde vivant\, attentive aux relations inter-espèces\, aux environnements instables et aux formes de présence qui échappent à la conception humaine. Filmé dans le delta du Rhône\, Delta est la deuxième partie du prélude à Cosmofonia\, un film et une œuvre sonore en cours qui déplace l’attention depuis le point de vue vers le point d’écoute. Verena Paravel se penche sur les sons inaudibles de la Terre : les vibrations infrasonores\, les résonances sismiques\, les signaux inter-espèces et les traces acoustiques de l’activité humaine. La plupart de ces fréquences échappent à la perception humaine ordinaire. L’œuvre les rend audibles et ouvre ainsi un nouveau champ sensoriel\, invitant le public à envisager l’environnement non pas comme un décor\, mais comme un maillage dense et animé de relations. La Camargue devient le lieu particulièrement chargé de cette recherche. Au cours de sa résidence à LUMA Arles\, d’octobre 2025 à janvier 2026\, Verena Paravel a collaboré avec des spécialistes de l’écologie des zones humides et de la biodiversité acoustique à l’institut de recherche de la Tour du Valat afin d’observer comment différentes espèces utilisent le son pour s’orienter\, communiquer et survivre au sein de cet environnement instable. Les salins\, les roselières\, les moustiques\, les amphibiens\, les oiseaux migrateurs\, les zones industrielles\, les étendues sauvages\, les eaux claires et troubles forment ensemble un environnement changeant à la limite de la terre et de la mer. Dans Delta\, cette condition d’entre-deux devient à la fois le sujet et la méthode. Verena Paravel utilise des hydrophones\, des vibromètres laser\, des caméras acoustiques\, des micros paraboliques\, des caméras de chasse et des instruments d’optique scientifiques afin de bâtir une expérience sensorielle à même de redistribuer l’attention à travers le champ du vivant. Les cliquetis des crustacés\, les coassements sous-marins des grenouilles\, le frottement des roseaux et la pression lointaine des interférences humaines sont traités horizontalement. De même\, l’image se refuse à toute hiérarchie conventionnelle. Elle n’isole pas le spectacle\, n’organise pas le monde autour d’un point de vue privilégié. Les animaux\, les plantes\, les racines\, les courants\, les branches et les scientifiques évoluent dans un champ d’attention égalisé où aucune forme de vie ne domine l’autre. La redistribution de la perception n’est pas que formelle\, elle est aussi éthique. Delta envisage le film comme un médium de contact : un moyen d’approcher d’autres modes de vie sans les réduire à des catégories humaines. Le son et l’image deviennent les instruments de l’attention\, rendant perceptible un monde où les espèces\, les corps et les environnements sont poreux les uns aux autres ; un monde où la vie et la mort se déploient à travers des transformations perpétuelles. En ce sens\, l’œuvre de Verena Paravel résonne avec la bioacoustique\, l’éco-acoustique et l’acoustémologie tout en allant au-delà des frontières disciplinaires afin de poser la question de ce que peut appréhender le cinéma. Présenté sous la forme d’une projection monumentale de huit mètres de long avec un son multicanal\, Delta propose une rencontre immersive avec les multiples réalités de la Camargue. L’œuvre prolonge la réflexion radicale de Verena Paravel autour d’une redéfinition de la forme documentaire et place Cosmofonia parmi les recherches actuelles les plus passionnantes quant à la capacité de l’art à nous mettre au diapason d’un monde composé d’une pluralité de voix\, de rythmes et de façons d’habiter la Terre.\nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Colette Angeli\, Assistante curatrice
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SUMMARY:Trésors de laine et de soie : Guillaume Werniers & Catherine Ghuys\, manufacturiers de tapisseries à Lille au 18e siècle
DESCRIPTION:L’exposition « Trésors de laine et de soie. Les tapisseries de Guillaume Werniers & Catherine Ghuys à Lille au 18e siècle »\, fera découvrir pour la première fois un fonds de tapisseries exceptionnelles du Musée de l’Hospice Comtesse et du Palais des Beaux-arts de Lille.\nLe Musée de l’Hospice Comtesse et le Palais des Beaux-arts ont la chance d’abriter des fonds uniques de tapisseries du 18e siècle. Ces tapisseries évoquent le grand passé textile de Lille\, qui connaît à l’époque un fort essor économique. La Manufacture Werniers était l’une des plus importantes du Nord de l’Europe. \nMonumentales\, ces tapisseries nécessitaient des mois de fabrication. Arborant différents thèmes et motifs\, dont de fameuses scènes champêtres\, elles constituaient des objets de luxe et d’apparat\, prisés par les aristocrates\, la nouvelle bourgeoisie\, ou encore\, les communautés religieuses. Leur présentation promet donc d’être spectaculaire. \nGrandes\, fragiles\, complexes à exposer en raison de leur poids et de leur sensibilité à la lumière\, ces tapisseries ont fait l’objet d’une importante restauration\, subventionnée par la DRAC des Hauts-de-France\, de 2023 à 2026. Cette exposition permettra de les dévoiler dans tout leur éclat originel\, mais aussi de partager l’actualité de la recherche sur ces textiles rares.
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SUMMARY:Kimihito Okuyama : Les œuvres du temps
DESCRIPTION:À partir du mercredi 29 avril et jusqu’au 1er novembre 2026\, le musée Roybet Fould présente une rétrospective majeure de l’œuvre de Kimihito Okuyama (1946-2024)\, artiste japonais installé à Paris dès 1972.\nIntitulée « Les œuvres du temps »\, cette exposition réunit pour la première fois\, dans un même lieu\, un corpus représentatif de ses peintures\, gravures\, photographies\, poésies et installations\, explorant le temps à la croisée des cultures japonaise et occidentale.  \nVisite libre ou guidée\, tout public\, entrée gratuite\, informations au 01 71 05 77 92\nVernissage  mercredi 29 avril à 19 h
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LOCATION:Musée Roybet Fould\, 178 Boulevard Saint Denis\, Courbevoie\, Hauts-de-Seine\, 92400\, France
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SUMMARY:Tursic & Mille : Dissonances à géométries variables
DESCRIPTION:Carré d’Art – Musée d’art contemporain consacre une exposition majeure à Ida Tursic & Wilfried Mille\, dont la pratique en duo\, développée depuis plus de vingt ans\, interroge de manière frontale les conditions d’existence de la peinture dans un monde saturé d’images. Leur travail ne cherche ni à préserver le médium\, ni à en affirmer la pureté\, mais à l’exposer à l’excès\, à la collision et à la dissonance
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LOCATION:Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain\, place de la Maison Carrée\, Nîmes\, Gard\, 30000\, France
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SUMMARY:Sea\, Pop and Sun
DESCRIPTION:La Fondation Carmignac présente Sea\, Pop & Sun\, une ode éclatante à la liberté et à la vitalité des années 1960 et 1970\, à travers l’invocation de l’esprit Pop. À la Villa Carmignac\, nichée entre les pins et la mer\, se déploie un Pop Art solaire\, sensuel et planant qui\, jusqu’à aujourd’hui\, continue de diffuser son énergie électrique.\nL’exposition revient sur un moment historique où l’émergence de nouveaux mouvements sociaux\, l’évolution des mœurs et l’essor de la société de loisirs ont profondément transformé la vie quotidienne et la culture visuelle.
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LOCATION:Fondation Carmignac\, Piste de la Courtade\, Hyères\, Var\, 83400\, France
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SUMMARY:De tous bois : Ébénistes Hache & création contemporaine
DESCRIPTION:Établis à Grenoble au 18e siècle\, les ébénistes Hache ont meublé les plus belles demeures dauphinoises et acquis une renommée jusqu’à Paris\, laissant un héritage exceptionnel de savoir-faire et d’élégance\, témoin des modes de vie au siècle des Lumières. \nLe Musée dauphinois s’attache depuis longtemps à faire connaître cette dynastie\, dont il conserve de nombreuses pièces remarquables. Pour sa nouvelle exposition\, le musée propose un regard inédit : faire dialoguer ces chefs-d’œuvre avec des créations contemporaines. \nGrâce à une donation majeure au Département de l’Isère – la collection Stephan Jouanneau – et à une collaboration exceptionnelle avec le Musée des Arts décoratifs de Paris\, l’exposition dévoile des pièces inédites\, mises en résonance avec des œuvres de créatrices et créateurs de renom de notre temps. \nPortant une attention particulière à la valorisation des savoir-faire novateurs ou inspirés des pratiques anciennes\, l’exposition sera accompagnée d’une résidence de création pour mettre à l’honneur les talents isérois d’aujourd’hui. Cette résidence aboutira à la réalisation d’une pièce originale d’ébénisterie\, qui rejoindra l’exposition à partir de septembre 2026. Un cycle d’animations accompagnera toute la durée de l’exposition avec de nombreux invités\, experts dans des domaines variés\, qui auront l’occasion de partager leurs visions.
URL:https://actu.art/event/de-tous-bois-ebenistes-hache-creation-contemporaine/
LOCATION:Musée Dauphinois\, 30\, rue Maurice Gignoux\, Grenoble\, Isère\, 38031
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Le passage de Vénus
DESCRIPTION:La Vénus d’Arles rend visite à son public au musée départemental Arles antique\, grâce à un prêt exceptionnel du musée du Louvre.\nExposition ayant obtenu le label “Exposition d’intérêt national” avec le soutien exceptionnel de l’état – ministère de la Culture et de la Communication. \nL’admirable sculpture connue sous le nom de Vénus d’Arles est l’un des puissants échos de l’œuvre de Praxitèle\, ce sculpteur grec qui\, au IVe siècle avant notre ère\, osa révéler la nudité d’Aphrodite. Réalisée au Ier siècle avant notre ère\, cette remarquable copie romaine fut découverte à Arles en 1651 dans les ruines du théâtre antique\, un événement qui passionna immédiatement les connaisseurs. D’abord identifiée comme Diane\, elle fut rebaptisée\, à raison\, Vénus par Louis XIV\, qui souhaita se la faire offrir par la ville et l’accueillir à Versailles. Conservée au Louvre depuis plus de deux siècles\, aujourd’hui installée à proximité de la Vénus de Milo\, elle demeure l’une des œuvres phares du musée. \nCette œuvre exceptionnelle sera présentée dans une exposition coproduite par le musée départemental Arles antique et le musée du Louvre. Elle sera entourée d’un cortège de chefs-d’œuvre de diverses époques\, d’antiques Aphrodite ou de plus modernes\, peintes par Gustave Moreau\, photographiées par Man Ray ou détournées par Andy Warhol\, illustrant le prestige persistant de Vénus et les pouvoirs qu’elle continue d’incarner. \nCe prêt exceptionnel du musée du Louvre\, accompagné de près de quatre-vingts œuvres majeures dont trente-trois choisies dans ses propres collections\, ainsi que la scénographie conçue par Nathalie Crinière\, font de cette exposition un événement. Y sont rassemblés des objets issus de techniques et d’époques variées\, de l’Antiquité à nos jours.
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LOCATION:Musée départemental Arles Antique\, Presqu'île du Cirque Romain\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Je suis dans des mondes étranges de FLORE
DESCRIPTION:A l’occasion de la célébration du Bicentenaire de la Photographie et de la commémoration du 150e anniversaire de la disparition de l’écrivaine\, le Centre des monuments nationaux a invité l’artiste photographe FLORE à investir la maison et le jardin de George Sand avec une création photographique inédite conçue spécialement pour ce site chargé d’histoire.
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LOCATION:Domaine de George SAND\, 2 place Sainte-Anne\, Nohant-Vic\, Indre\, 36400\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:ALFRED MANESSIER\, TRAVERSER LE MONDE
DESCRIPTION:Du 12 avril au 11 octobre 2026\nOuverture de l’exposition le 11 avril à 18h30\nLAAC\, Lieu d’Art et Action Contemporaine de Dunkerque \nLa peinture d’Alfred Manessier s’élabore dans un dialogue constant avec son temps. Nourrie par ses engagements\, par les paysages d’eau de la Picardie et du Nord\, et par une réflexion constante sur le sacré\, son œuvre répond à ce qu’il nomme la « provocation » du monde\, confiant à la couleur et au geste l’expression d’une expérience sensible du réel\, attentive aux bouleversements de l’histoire comme aux résonances plus intimes. \nLe LAAC conserve un ensemble d’œuvres majeures réalisé entre la fin des années 1960 et la fin des années 1970\, qui entre dans cette exposition en dialogue avec d’autres moments de la production de l’artiste\, en lien principalement avec les collections du musée Boucher de Perthes – Manessier d’Abbeville. Paysages d’eau\, recherche de la lumière\, engagement face aux injustices et dimension spirituelle en constituent les lignes de force. \nOriginaire des Hauts-de-France\, Alfred Manessier occupe une place majeure dans l’art de la seconde moitié du XXe siècle. La foi\, le tragique et l’espérance sont indissociables dans son œuvre d’une manière d’être au monde\, lucide et habitée. \nCommissariat : Sophie Warlop\, directrice des musées de Dunkerque\, en collaboration avec le musée Boucher de Perthes-Manessier d’Abbeville et avec le soutien de Christine Manessier.
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LOCATION:Laac\, Lieu d’Art et Action Contemporaine\, 302 avenue des Bordées\, Dunkerque\, Nord\, 59140\, France
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SUMMARY:Albert Maignan\, un virtuose à la Belle Époque
DESCRIPTION:Né à Beaumont-sur-Sarthe\, Albert Maignan (1845-1908) est un peintre académique aux multiples facettes. Les musées d’Amiens et les musées du Mans s’associent à cette occasion pour évoquer la carrière de l’artiste méconnu. Auteur d’une œuvre riche\, Albert Maignan peint tant des peintures d’histoire que des décors monumentaux à Paris et en région.\nLe parcours chronologique et thématique permettra aux visiteurs de se plonger dans l’univers du peintre au temps de la Troisième République (1870-1940).\nConvoquant tour à tour les grands épisodes de l’histoire et les figures légendaires\, Maignan étonne par ses pochades peintes en plein air lors de ses voyages. Ses œuvres de jeunesse sur La Sarthe et Le Mans mettront aussi en lumière son regard sur le patrimoine architectural local\, comme la Cité Plantagenêt.
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LOCATION:Musée de Tessé\, 2\, avenue de Paderborn\, Le Mans\, Sarthe\, 72000\, France
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SUMMARY:Adrien Fregosi : Les Moyens du bord
DESCRIPTION:À partir d’avril 2026\, le MIAM\, Musée International des Arts Modestes (Sète) présente une exposition monographique de l’artiste Adrien Fregosi (1980-2024) qui a travaillé les dix dernières années de sa vie à Sète et y a développé une œuvre prolifique et hautement poétique\, à la fois fragile et puissante\, douce et grave.
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LOCATION:Musée International des Arts Modestes\, 23 quai du Maréchal-de-Lattre-de-Tassigny\, Sète\, Hérault\, 34200\, France
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SUMMARY:Egypte éternelle : photographies de Flore
DESCRIPTION:Alors qu’au sous-sol les collections d’archéologie entament leur mue\, les anciennes salles consacrées à l’Égypte\naccueillent pour la première fois l’exposition d’une artiste contemporaine. \nLe Musée de Picardie invite FLORE qui propose une traversée dans son œuvre égyptienne\, mise en\ndialogue avec des objets de la collection. \nArtiste photographe franco-espagnole née en 1963\, FLORE vit et travaille entre Paris et son atelier à Roye\, dans la\nSomme. \nSes travaux se réalisent sur le long cours\, souvent lors de voyages. Ils sont acquis et présentés par différents\nmusés prestigieux comme le Petit Palais\, la BnF\, le Mémorial de Rivesaltes\, la Villa Tamaris\, le Musée Chopin de Varsovie\nou le Sungkok Museum de Séoul ainsi qu’au sein de maisons d’écrivains comme celle de George Sand à Nohant. \nDe son enfance passée en Égypte\, FLORE garde un attachement viscéral à ses odeurs\, à ses monuments\,\nmais surtout à sa lumière. Quarante ans plus tard\, elle est retournée sur les lieux qui l’ont marquée pour en rapporter\ndes images empreintes de mélancolie et de poésie. Ce territoire invisible ne se visite pas : il se traverse. Et l’on\ncomprend alors que l’Égypte\, telle qu’elle la convoque\, n’est pas un ailleurs. C’est une éternité qui brûle au dedans. \nElle réalise elle-même le tirage de ses photographies et ses gestes\, proches de ceux des peintres\, confèrent à ses images leur poésie toute matérielle. \nLe Musée de Picardie est ouvert tous les jours sauf le lundi de 9h30 à 18h (11h à18h le week-end).
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LOCATION:Musée de Picardie\, 2 Rue Puvis de Chavannes\, Amiens\, Somme\, 80000\, France
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SUMMARY:Aubusson tisse Tolkien
DESCRIPTION:Une aventure de presque douze ans avec quelques 160m2 de tissage a vu le jour à Aubusson à travers quatorze tapisseries et deux tapis interprétant en textile les illustrations originales de J.R.R. Tolkien. \nLa genèse du projet\nComposée de quatorze tapisseries murales et de deux tapis\, la tenture « Aubusson tisse Tolkien » rend hommage à l’œuvre graphique originale de l’écrivain britannique J.R.R. Tolkien. C’est dès 2010 que la Cité internationale de la tapisserie envisage de renouer avec la tradition historique des grandes tentures\, des ensembles de tapisseries partageant une même thématique ou racontant plusieurs épisodes d’une même histoire. Très vite\, c’est l’extraordinaire univers de l’auteur du Seigneur des Anneaux qui est retenu par l’équipe de la Cité. Les œuvres de J.R.R. Tolkien ont fait l’objet de nombreuses illustrations par différents artistes mais une interview de Christopher Tolkien\, le fils cadet de J.R.R. Tolkien\, donnée au journal Le Monde en 2012\, convainc la Cité de se concentrer sur la propre œuvre graphique de l’auteur.
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LOCATION:Musée Jean-Lurçat et de la Tapisserie Contemporaine\, Boulevard Arago 4\, Angers\, Maine-et-Loire\, 49100\, France
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SUMMARY:Nikos Aliagas : les grands âges
DESCRIPTION:Cette nouvelle exposition à découvrir au Musée de l’Homme est le fruit de la rencontre entre Samuel Pavard\, biodémographe et spécialiste du vieillissement au Muséum\, et Nikos Aliagas\, artiste photographe. \nCette exposition\, à la croisée de l’art et de la science\, propose de mettre en lumière la vieillesse en tant que réalité biologique\, démographique et sociale\, à travers une série de photographies. \nDerrière l’objectif\, l’artiste Nikos Aliagas capture des scènes du quotidien et réalise des portraits saisissants. Quelques-unes de ses plus belles photographies mêlées aux réflexions scientifiques du chercheur Samuel Pavard sont à découvrir dans le Foyer Germaine Tillion (250 m²). \nEn croisant leurs regards à la fois lucides et délicats sur les grands âges\, l’exposition invite à s’interroger sur notre rapport au temps\, sur la place que nous accordons aux personnes âgées dans nos sociétés et sur les liens que les différentes générations tissent entre elles. \nElle compare la longévité humaine à celle du reste du vivant et éclaire le public sur la place fondamentale qu’ont occupée les plus âgés dans l’histoire de notre espèce pour son évolution cognitive\, sociale et culturelle. \nAlors qu’aujourd’hui de nouvelles classes d’âge émergent\, illustrées par la proportion grandissante des centenaires et plus\, l’exposition questionne la réalité complexe de la vie aux grands âges ainsi que les nouvelles représentations de la vieillesse dans nos sociétés contemporaines. \nEnfin\, en valorisant le lien qui existe entre la question des grands âges et celle de la santé de notre planète\, elle réaffime la légitimité de notre désir collectif de vivre des vies plus longues malgré un monde en proie à des changements environnementaux brutaux.
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LOCATION:Musée de l’Homme\, 17 Place du Trocadéro\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Les sonneurs vus par les artistes en Bretagne (1800-1950)
DESCRIPTION:En Bretagne\, les joueurs de biniou et de bombarde\, appelés aussi sonneurs\, ont été une source d’inspiration pour de nombreux artistes. De la peinture à la céramique\, en passant par la gravure\, la photographie ou encore la sculpture\, ce couple de musiciens a été régulièrement représenté dans les différents moments de vie des Bretons. Qu’il s’agisse d’une aire à battre\, d’une noce\, d’un bal du 14 juillet et bien d’autres occasions\, ils jouent l’air de circonstance. Au-delà de la transmission orale de leur musique\, ces passeurs d’une mémoire collective ont su arranger leurs morceaux et moderniser leur pratique instrumentale\, toujours d’actualité au 21e siècle. \nPlus de cent-vingt œuvres\, objets et documents montrent la vision esthétique\, parfois exotique\, des artistes sur les sonneurs. \nL’exposition s’accompagnera d’un programme de médiation en direction de différents publics ainsi que d’un catalogue richement illustré.
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LOCATION:Musée Municipal\, 1 rue de Quimper\, Le Faouët\, Morbihan\, 56320\, France
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SUMMARY:Couleurs de guerre
DESCRIPTION:« Les capotes bleues et les pantalons rouges se détachent en teintes vives ; les plats de campement\, les bouthéons\, les gamelles brillent malgré la lumière pauvre. » \nMaurice Genevoix\, Sous Verdun\, 12 septembre 1914 \nLa Grande Guerre a été fixée en noir et blanc dans des centaines de milliers de photographies. C’était alors la manière principale de saisir les scènes du front ou la vie de l’arrière. Mais ce n’était pas la réalité pour les hommes et les femmes du temps. Leur réalité était en couleurs. Au cours de l’été 1914\, les champs étaient couverts de blé blond et les uniformes des soldats français étaient chamarrés. Dans les tranchées\, la boue était brune et les soldats portaient des uniformes de teintes discrètes. \nPour les hommes\, les couleurs de leur environnement\, de leurs tenues\, de leurs objets sont porteuses de sens. Dans les sociétés\, les couleurs véhiculent des histoires\, des symboliques ou des tabous\, des sens cachés qui influencent les environnements\, les comportements\, le langage ou l’imaginaire. Que ce soit dans l’art\, l’architecture\, la publicité\, les objets usuels\, les vestiaires civils ou militaires\, tout est régi par ce code non écrit de la couleur. \nCette nouvelle exposition du musée de la Grande Guerre s’attache à  raconter la place des couleurs dans la culture matérielle de cette période de l’Histoire. En couvrant les domaines scientifiques\, techniques\, économiques et sociétaux\, le musée de la Grande Guerre affirme son ambition scientifique. \nCette exposition a reçu le label d’exposition d’intérêt national par la Direction régionale des affaires culturelles Île-de-France (DRAC).
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LOCATION:Musée de la Grande Guerre du Pays de Meaux\, rue Lazare-Ponticelli\, Meaux\, Seine-et-Marne\, 77100\, France
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SUMMARY:Au Mali\, quand les animaux dansent. Donation Sonia et Albert Loeb
DESCRIPTION:Au Mali\, sur les rives du fleuve Niger\, se déroulent des fêtes ancestrales nommées sogow bò\, littéralement « les animaux sortent ». Sur une place de village ou sur le fleuve\, de jour comme de nuit\, ces spectacles mêlent théâtre\, danse\, musique et chant. Des masques « animaux » et des marionnettes s’animent aux rythmes des tambours\, illustrant mythes et légendes\, vie sociale et quotidienne. \nÀ travers plus de cent objets et de nombreux audiovisuels\, l’exposition donne à voir et ressentir ce théâtre participatif\, dans lequel chacun des membres de la communauté a sa place\, des aînés aux plus jeunes enfants. \nLe sogo bò\, inscrit aujourd’hui au patrimoine mondial de l’Unesco\, est un héritage aussi vivant que fragile dans le contexte de tensions que connaît le Mali.
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LOCATION:Musée des Confluences\, 86 Quai Perrache\, Lyon\, Rhône\, 69002\, France
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SUMMARY:Sarah Lipska : L'art dans tous ses éclats
DESCRIPTION:Sculptrice\, peintre\, dessinatrice de costumes et de décors\, créatrice de mode et décoratrice d’intérieur\, Sarah Lipska est une artiste plurielle dont la production est encore très méconnue. Juive d’origine polonaise\, elle arrive à Paris en 1912 et y demeure jusqu’à sa mort. Son travail protéiforme et expérimental met en résonance différents médiums artistiques où circulent les motifs et les inspirations.  \nEn mettant à l’honneur cette créatrice remarquable\, le musée Sainte-Croix poursuit son engagement historique de valorisation des artistes femmes. Provenant en grande partie de la fille de l’artiste\, les 83 œuvres conservées à Poitiers constituent la première collection publique mondiale d’œuvres de Lipska. Pour l’exposition\, ce fonds est enrichi par le prêt exceptionnel de près de 150 tableaux\, sculptures\, dessins\, photographies\, textiles et périodiques. \nAu fil d’un parcours thématique dévoilant ses différents secteurs d’activité\, son réseau parisien (Helena Rubinstein\, Paul Poiret\, Antoine de Paris…) mais également les multiples techniques qu’elle expérimente\, cette rétrospective invite à la reconnaissance d’une créatrice fascinante.
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LOCATION:MUSÉE SAINTE-CROIX DE POITIERS\, 3 bis\, rue Jean Jaurès\, Poitiers\, Vienne\, 86000
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:François Morellet : 100 pour Cent
DESCRIPTION:Inaugurant le centenaire de la naissance de François Morellet (1926-2016)\, le Centre Pompidou-Metz présente une rétrospective en 100 œuvres allant de 1941 à 2016\, la plus complète jamais réalisée à ce jour. \nMorellet a ceci de singulier qu’il est tout à la fois le principal représentant français de l’abstraction géométrique et celui qui a le plus décisivement contribué à déstabiliser celle-ci. Cette rétrospective majeure explore\, au fil des œuvres choisies\, l’ambivalence entre déraison et raison\, entre l’héritage de Francis Picabia et celui de Piet Mondrian que l’artiste se plaisait à invoquer. \nDans les 1 200 m² de la Galerie 3 du Centre Pompidou-Metz\, l’exposition donne au public à expérimenter cette ambivalence au gré de deux parcours chronologiques en partant de ses premières expérimentations picturales des années 1940\, rarement montrées jusqu’à aujourd’hui\, jusqu’aux néons baroques des années 2010. D’un côté\, le Morellet du triomphe de la règle et des gloires du matérialisme pictural. De l’autre\, le Morellet de la déraison optique\, de la distance néo-dadaïste. Il eût suffi d’un seul de ces deux côtés pour faire la grandeur historique de Morellet. Au Centre Pompidou-Metz\, du 3 avril au 28 septembre 2026\, il est donc possible de vérifier que Morellet est doublement grand.
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LOCATION:Centre Pompidou-Metz\, Grande nef\, 1 Parvis des Droits de l'Homme\, Metz\, Moselle\, 57000\, France
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SUMMARY:Gilles Barbier : Habiter
DESCRIPTION:Né en 1965 aux Nouvelles-Hébrides (Vanuatu) et installé à Marseille depuis plus de trente ans\, Gilles Barbier développe depuis les années 1990 une œuvre singulière mêlant sculpture\, dessin\, peinture et écriture. Refusant les catégories traditionnelles de l’art contemporain\, son travail progresse par séries et explorations\, interrogeant notre rapport au corps\, au langage\, à la mémoire et à la manière d’habiter le monde. \nL’exposition Habiter de Gilles Barbier rassemble une quarantaine d’œuvres. Même si une grande partie d’entre elles ont été produites pour l’occasion\, elle intègre dans son parcours des pièces existantes\, dont les plus anciennes datent de 1992. Certaines séries\, les Pions\, Habiter la Peinture\, accompagnent l’artiste depuis ses débuts et constituent l’ossature de sa pratique. D’autres familles d’œuvres\, plus tardives\, Habiter la Viande\, Stasis\, Naufrages\, éclairent ces gestes initiaux en les amplifiant ou en en déplaçant les enjeux. \nSans avoir la prétention d’une rétrospective\, cette exposition met toutefois à jour un motif qui traverse le travail de Gilles Barbier depuis plus de trente ans et qui n’avait jusqu’alors jamais été articulé avec autant d’évidence : celui d’habiter. L’exposition révèle ainsi la cohérence souterraine d’une œuvre qui\, sous des formes très diverses\, interroge depuis longtemps les manières d’occuper le monde. \nCette exposition s’inscrit dans un parcours marseillais consacré à Gilles Barbier\, présenté simultanément dans plusieurs lieux de la ville.
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LOCATION:Musée Regards de Provence\,  allée Regards de Provence \, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Sois belle. Quand la mode raconte la condition des femmes (1830-1914)
DESCRIPTION:À travers la mode féminine des années 1830 à 1914\, cette exposition éclaire les injonctions sociales faites aux femmes : séduire\, plaire\, rester à leur place. Gestes\, attitude\, maintien et vêtement doivent alors répondre à un même impératif : charmer tout en demeurant décente. \nL’exposition revient sur les fondements juridiques\, moraux et sociaux de cette domination. Le Code civil de 1804 place en effet les femmes sous tutelle juridique et économique : le mari exerce l’autorité parentale\, administre les biens de son épouse et détient seul le droit de vote. Assignées à la maternité et à la sphère domestique\, les femmes sont tenues à l’écart de la vie politique et de l’enseignement supérieur. \nLe vêtement apparaît ainsi comme l’une des traductions les plus visibles de cette sujétion. Jupe longue imposée\, pantalon proscrit\, corset\, crinoline\, décolletés ou voilettes : chaque élément de la toilette dit quelque chose de la place accordée aux femmes dans la société française du XIXe siècle. Entre élégance\, contrainte et contrôle du corps\, cette histoire de la mode révèle une condition féminine bien plus complexe qu’il n’y paraît. \nHoraires sur la période
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LOCATION:Musée de Vire Normandie\, Square Chanoine-Jean-Héroult\, Vire Normandie\, Calvados\, 14500\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Marie-Jo Lafontaine : Tout ange est terrible
DESCRIPTION:Depuis le milieu des années 70\, l’Œuvre de Marie-Jo Lafontaine témoigne d’une observation critique de la société\, de ses bouleversements majeurs et des séismes à venir. L’opposition des concepts tels la vie\, la mort\, l’amour ou la haine\, lui permet de questionner la condition humaine\, l’identité\, l’enfance\, l’adolescence\, la mémoire. Magicienne des images\, elle nous provoque\, au travers de ses vidéos et de ses portraits photographiques monumentaux\, cherchant à susciter en nous une émotion\, point de départ à la pensée critique\, face à un monde sans cesse plus injuste et violent. Marie-Jo Lafontaine nous interpelle et nous rappelle la nécessité de prendre le temps\, de s’arrêter et de contempler son art.
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LOCATION:Musée de Flandre\, 25 Grand'Place\, Cassel\, Nord\, 59670\, France
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SUMMARY:Adrien Viscovi : Invitation d’artiste
DESCRIPTION:Les Musées de Marseille renouvellent leur soutien à la création artistique contemporaine en invitant Adrien Vescovi à s’emparer de la chapelle et des coursives du Centre de la Vieille Charité pour y créer une œuvre inédite.
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LOCATION:Centre de la Vieille-Charité\, 2 place de la Charité\, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Exposition : les Andelys et ses peintres
DESCRIPTION:Dès le vendredi 27 mars\, le musée des Andelys réouvre ses portes…\nPour lancer cette nouvelle saison culturelle 2026\, venez découvrir la face cachée des collections du musée avec l’exposition\, « Les Andelys et ses peintres ».
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LOCATION:Musée municipal Nicolas Poussin\, Rue Sainte-Clotilde\, Les Andelys\, Eure\, 27700\, France
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SUMMARY:Le chantier invisible : Dans les coulisses des films de Jean-Jacques Annaud
DESCRIPTION:La Fondation Jérôme Seydoux-Pathé pousse les portes des plateaux de tournage d’un maître du septième art à travers une immersion inédite dans les coulisses de ses plus grands chefs-d’œuvre. Du 20 mars au 31 octobre 2026\, Le chantier invisible dévoile les secrets de fabrication des films de Jean-Jacques Annaud. De ses fresques monumentales à ses reconstitutions millimétrées en passant par ses défis techniques extrêmes\, l’exposition est un hommage fascinant à ce réalisateur sans frontière qui dévoile\, pour la première fois\, l’envers de ses décors et ses plus grands secrets.
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LOCATION:Fondation Jérôme Seydoux-Pathé\, 73 av. des Gobelins\, Paris\, Paris\, 75013\, France
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