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SUMMARY:Lee Miller
DESCRIPTION:Du 10 avril au 2 août 2026\, le Musée d’Art Moderne de Paris présente la plus importante rétrospective consacrée à Lee Miller en France depuis vingt ans. \nOrganisée à l’initiative de la Tate Britain et en collaboration avec l’Art Institute of Chicago\, l’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes\, dont plusieurs inédits\, et propose un nouveau regard sur l’œuvre de Lee Miller. \nFigure essentielle de l’avant-garde internationale\, Lee Miller (1907\, Poughkeepsie\, États-Unis – 1977\, Chiddingly\, Royaume-Uni) fut tour à tour mannequin\, artiste surréaliste\, portraitiste\, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Longtemps reléguée au rôle d’égérie\, elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXème siècle. \nL’exposition retrace l’ensemble de son parcours\, de ses débuts à New York aux années de guerre en Europe\, en passant par son séjour en Égypte et sa vie à Londres. Elle démontre la richesse d’une œuvre où cohabitent expérimentations formelles\, audace visuelle et engagement politique. \nDix-huit ans après la dernière rétrospective française au Jeu de Paume\, le Musée d’Art Moderne de Paris propose un parcours en six parties\, mêlant approche chronologique et thématique.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Aubusson tisse Tolkien
DESCRIPTION:Une aventure de presque douze ans avec quelques 160m2 de tissage a vu le jour à Aubusson à travers quatorze tapisseries et deux tapis interprétant en textile les illustrations originales de J.R.R. Tolkien. \nLa genèse du projet\nComposée de quatorze tapisseries murales et de deux tapis\, la tenture « Aubusson tisse Tolkien » rend hommage à l’œuvre graphique originale de l’écrivain britannique J.R.R. Tolkien. C’est dès 2010 que la Cité internationale de la tapisserie envisage de renouer avec la tradition historique des grandes tentures\, des ensembles de tapisseries partageant une même thématique ou racontant plusieurs épisodes d’une même histoire. Très vite\, c’est l’extraordinaire univers de l’auteur du Seigneur des Anneaux qui est retenu par l’équipe de la Cité. Les œuvres de J.R.R. Tolkien ont fait l’objet de nombreuses illustrations par différents artistes mais une interview de Christopher Tolkien\, le fils cadet de J.R.R. Tolkien\, donnée au journal Le Monde en 2012\, convainc la Cité de se concentrer sur la propre œuvre graphique de l’auteur.
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LOCATION:Musée Jean-Lurçat et de la Tapisserie Contemporaine\, Boulevard Arago 4\, Angers\, Maine-et-Loire\, 49100\, France
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SUMMARY:OX : Les Loisirs créatifs
DESCRIPTION:Considéré comme l’un des pionniers de l’art urbain français\, avec les Frères Ripoulin\, l’artiste OX (né en 1963)\, connu pour sa réutilisation poétique et contextuelle des panneaux d’affichages publicitaires\, réunit pour la première fois plus de cent œuvres d’atelier. Cette exposition met en lumière les influences et les expérimentations qui ont façonné sont esthétique depuis quatre décennies. Un télescopage ludique et ironique entre utopies moderniste\, culture populaire et imagerie commerciale. Une machine à faire dérailler la peinture entre jubilation kitsch et minimalisme radical.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Nancy\, 3\, place Stanislas\, Nancy\, Meurthe-et-Moselle\, 54000\, France
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SUMMARY:Cling ! La bande dessinée parle cash
DESCRIPTION:Picsou plonge dans son coffre-fort. Les Dalton braquent une banque. Tintin court après un trésor qui n’existe peut-être pas. Largo Winch hérite d’un empire. Gaston Lagaffe déclare la guerre aux parcmètres. Depuis toujours\, la bande dessinée raconte l’argent à travers ses personnages les plus iconiques. La Monnaie de Paris consacre une grande exposition à cette relation passionnante\, drôle et parfois explosive et plonge le visiteur dans une traversée visuelle : planches originales\, éditions rares\, objets\, extraits de films et créations contemporaines.
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LOCATION:Musée du 11 Conti – Monnaie de Paris\, 11\, quai de Conti\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Afroblue
DESCRIPTION:AFROBLUE : l’usage du bleu dans l’art contemporain d’Afrique. \nQue révèle le bleu dans la création contemporaine d’Afrique et de ses diasporas ?\nDu 9 avril au 19 septembre 2026\, Afroblue réunit 36 artistes qui livrent à la couleur bleue leur mémoire\, leurs rêves et leurs récits. Exploré comme une matière vivante\, entre ciel et mer\, corps bleus\, gestes anciens et formes contemporaines\, le bleu compose un parcours poétique pour dire le monde d’aujourd’hui.\nÀ l’étage\, carte blanche à l’artiste Wim Botha avec une installation inédite.\nAfroblue\, une exposition à découvrir cet été à la Gare de Bonnieux.
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LOCATION:Fondation Blachère\, 121\, chemin de coucourdon\, Bonnieux\, Vaucluse\, 84480
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SUMMARY:Marilyn Monroe
DESCRIPTION:« Je peux être intelligente quand c’est important\, mais la plupart des hommes n’aiment pas ça. » La célèbre réplique des Hommes préfèrent les blondes de Howard Hawks (1953) pourrait\, dans un sens\, bien résumer les choses : Marilyn Monroe affronte l’impitoyable système des studios pendant sa courte carrière d’actrice à Hollywood (1946-1962) et reste aujourd’hui autant déconsidérée\, comme interprète\, qu’adulée en tant que star. Du fait de ses possibilités scénographiques\, l’exposition est particulièrement appropriée à l’opulence visuelle que Monroe cristallise dans les années 50. Sa trajectoire à l’heure du Technicolor et de l’écran large s’illustre par le matériel publicitaire glamour\, la garde-robe sexy\, les portraits d’artistes de renom (Eve Arnold\, Richard Avedon\, Andy Warhol…) mais aussi les actualités analysant chaque décision de la célébrité. Ou commentant sa disparition qui ouvre\, à l’âge de 36 ans\, le spectaculaire chapitre de « sa vie » post mortem. Cet héritage est célébré dans une installation inspirée de la culture ballroom que Madonna – incarnation de la pop culture dans sa capacité à s’approprier les tendances pour les faire rayonner – popularise bien avant Drag Race. \nSéparer la star de l’actrice ?\nMonroe est d’abord connue en tant que phénomène culturel\, dont on se souvient à travers ses photographies davantage que ses films. Elle est plus rarement appréhendée comme une actrice qui incarne et compose des rôles à l’écran. L’un des enjeux de l’exposition est de remettre ses performances cinématographiques au centre et de proposer aux visiteurs de les regarder autrement. Car à ce jour\, c’est comme si ses rôles étaient le simple reflet d’états émotionnels\, éprouvés sur des tournages chaotiques\, et plus proches de la névrose que de la mystérieuse profondeur psychologique des autres comédiens passés par l’Actors Studio. \nLa célébration de son centenaire repose sur un deuxième constat : Monroe est traversée par toutes sortes de légendes\, et sa foisonnante exégèse biographique converge vers l’irrésoluble question : quelle est la « vraie femme » derrière le sex-symbol ? Or\, ce que l’on sait de Monroe est pour beaucoup documenté par des témoignages contradictoires\, et ces lectures semblent elles-mêmes s’adosser à certaines préconceptions\, à la fois des icônes hollywoodiennes\, mais aussi des femmes en général. L’exposition propose ainsi de regarder non pas seulement l’actrice\, mais aussi les croyances qui ont participé à l’émergence de la star au sein des studios\, et l’ont accompagnée tout au long de sa carrière. \nL’interprétation à l’écran\nAu mieux\, on concède que Monroe était une bonne actrice de comédies\, mais l’idée la plus courante est qu’elle ne jouait que son propre rôle. Les observations de ses proches et collaborateurs ne relèvent pas\, à l’époque\, d’une malveillance particulière\, mais le recul du temps montre à quel point elles contribuent à la disqualifier : « Elle savait exactement quel effet elle avait sur les hommes. Et c’est tout » (Fritz Lang)\, « Elle ne jouait pas » (John Huston)\, « Dans tout ce qu’elle fait\, elle est « elle-même » » (Arthur Miller). En abolissant le rapport entre être et incarner\, ces commentaires masquent le fait que Monroe pensait ses rôles\, les préparait et au-delà\, l’interprétation comme création. \nOr\, l’actrice ne joue pas les « blondes idiotes »\, vamps et autres séductrices invariablement\, quel que soit le metteur en scène\, ou les conventions associées aux genres cinématographiques. Comme le démontre Acting in the Cinema (1988) de James Naremore – contributeur du catalogue –\, observer minutieusement les expressions du visage\, s’attarder sur les gestes dans un cadre et les rapports aux partenaires de jeu permet de montrer un travail de composition\, un style\, un talent. Chez Monroe\, ceci s’illustre déjà dans sa palette d’émotions plus vaste que celle des autres acteurs de Quand la ville dort de Huston (1950) et ce\, malgré la brièveté de ses apparitions. Sa formation au jeu ou les écarts subtils qu’elle crée\, à l’écran\, avec l’image attendue de la star\, sont d’autres moyens de saisir ses stratégies d’actrice dans un système esthétiquement et économiquement contraignant. \nDécris-moi ta Marilyn et je te dirai qui tu es\nAu-delà de nos habitudes de cinéphiles aimant décrypter les films au prisme des réalisateurs-auteurs\, on peine à appréhender Monroe comme comédienne à cause de la naïveté qui lui est associée. Et pour comprendre pourquoi nous tendons à la voir seulement « prendre la pose »\, telle une mannequin\, et pourquoi l’innocence est au cœur de son identité\, il faut revenir au fonctionnement du star-system. Difficile de passer à côté des travaux de Richard Dyer (également dans le catalogue) qui propose en 1986 l’idée suivante : Monroe cristallise les contradictions des années 50\, à la fois puritaines et obsédées par la sexualité\, par sa supposée spontanéité\, provenant de son image de pin-up. \nEn 1945\, devenir modèle permet à Monroe de divorcer et d’échapper à sa condition d’ouvrière. Elle se propulse en moins d’un an en couverture de nombreux magazines. La Twentieth Century Fox reprend cet idéal de femme enjouée\, érotisée sans jamais être vulgaire\, dès ses premiers films. Mais aussi dans toutes ses apparitions publiques et tout le matériel promotionnel\, élaboré par les départements de publicité du studio à renfort de fictions sur la jeune recrue. Les critères promotionnels de la Mmm Girl seront repris par ses premiers biographes\, dont les données sont encore recyclées aujourd’hui. En bref\, comme le résume Sarah Churchwell dans son historiographie critique des biographies existantes sur Monroe : les croyances précèdent souvent les faits et elles en disent plus sur nous que sur la star. \nExposer Marilyn\nDans Sept ans de réflexion (1955)\, Billy Wilder et Monroe proposent la version la plus parodique et exhibitionniste de la pin-up. Cette même année\, l’ambition de l’actrice qui cherche à accéder à des rôles plus complexes – en premier lieu Bus Stop de Joshua Logan (1956) – correspond à la dégradation de son image publique\, désormais teintée d’échec\, comme si ses prétentions artistiques avaient été sanctionnées. Ses aspirations personnelles auront\, de fait\, du mal à aboutir\, tant son symbole de « blonde idiote » a la vie dure. Cette tension entre les deux est la source des innombrables légendes\, décuplées par sa mort brutale et l’éparpillement de ses biens. Exposer Marilyn Monroe\, c’est ainsi d’abord se confronter à un certain type de discours (teinté d’une fascination pour la mort d’une belle jeune femme) et à un accès relativement difficile aux archives qui nourrissent\, main dans la main\, le mythe. \n« Sois raisonnable\, chérie\, on ne met pas de muscles dans un compte en banque »\, conseille le personnage incarné par Monroe à son amie Dorothy\, irrépressiblement attirée par les silhouettes athlétiques dans Les hommes préfèrent les blondes. La star\, tout juste promue sex-symbol international\, est déjà elle-même un capital fructueux dont on pourrait commodément dire que l’essentiel est aujourd’hui détenu par une poignée de milliardaires : qu’il s’agisse de ses effets personnels – entre les mains de collectionneurs privés – ou de ses droits et revenus\, exploités par une holding financière. Le mythe est là pour perdurer. \nFlorence Tissot\, commissaire de l’exposition
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LOCATION:La Cinémathèque Française\, Rue de Bercy 51\, Paris\, Département de Paris\, 75012\, France
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SUMMARY:Les métamorphoses de Guernica
DESCRIPTION:A partir du 8 avril et jusqu’au 6 septembre 2026\, le Musée national Picasso-Paris présentera une expérience en réalité virtuelle inédite consacrée au chef d’œuvre Guernica. \nLes métamorphoses de Guernica\, offre une plongée inédite au cœur de l’un des chefs-d’œuvre majeurs du XXᵉ siècle. Cette expérience en réalité virtuelle retrace l’histoire du tableau monumental de Pablo Picasso\, depuis sa commande pour l’Exposition internationale de Paris en 1937 jusqu’à son statut d’icône\, symbole de la paix. \nL’expérience invite le spectateur à traverser une succession de moments et de lieux marquants : le Pavillon républicain espagnol\, où l’œuvre est révélée pour la première fois au public ; les ruines de la ville basque de Gernika après le bombardement qui inspira le tableau ; l’atelier parisien des Grands-Augustins\, lieu de création de l’œuvre ; enfin les différentes itinérances de la toile\, avant son installation définitive au musée Reina Sofía de Madrid. \nLe récit est porté par les voix de deux témoins privilégiés : celle de l’écrivain Juan Larrea\, membre de la délégation républicaine espagnole\, et celle de Dora Maar\, artiste surréaliste et compagne de l’artiste\, dont l’engagement antifasciste fut déterminant dans la naissance de cette œuvre politique et qui documenta la genèse de l’œuvre à travers une série de photographies.
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LOCATION:Musée Picasso\, Hôtel Salé - 5\, rue Thorigny\, Paris\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Nikos Aliagas : les grands âges
DESCRIPTION:Cette nouvelle exposition à découvrir au Musée de l’Homme est le fruit de la rencontre entre Samuel Pavard\, biodémographe et spécialiste du vieillissement au Muséum\, et Nikos Aliagas\, artiste photographe. \nCette exposition\, à la croisée de l’art et de la science\, propose de mettre en lumière la vieillesse en tant que réalité biologique\, démographique et sociale\, à travers une série de photographies. \nDerrière l’objectif\, l’artiste Nikos Aliagas capture des scènes du quotidien et réalise des portraits saisissants. Quelques-unes de ses plus belles photographies mêlées aux réflexions scientifiques du chercheur Samuel Pavard sont à découvrir dans le Foyer Germaine Tillion (250 m²). \nEn croisant leurs regards à la fois lucides et délicats sur les grands âges\, l’exposition invite à s’interroger sur notre rapport au temps\, sur la place que nous accordons aux personnes âgées dans nos sociétés et sur les liens que les différentes générations tissent entre elles. \nElle compare la longévité humaine à celle du reste du vivant et éclaire le public sur la place fondamentale qu’ont occupée les plus âgés dans l’histoire de notre espèce pour son évolution cognitive\, sociale et culturelle. \nAlors qu’aujourd’hui de nouvelles classes d’âge émergent\, illustrées par la proportion grandissante des centenaires et plus\, l’exposition questionne la réalité complexe de la vie aux grands âges ainsi que les nouvelles représentations de la vieillesse dans nos sociétés contemporaines. \nEnfin\, en valorisant le lien qui existe entre la question des grands âges et celle de la santé de notre planète\, elle réaffime la légitimité de notre désir collectif de vivre des vies plus longues malgré un monde en proie à des changements environnementaux brutaux.
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LOCATION:Musée de l’Homme\, 17 Place du Trocadéro\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Mains précieuses
DESCRIPTION:Dans un écrin de verdure les pierres rousses jaillissent de terre\, façonnées\, taillées et assemblées jadis par des centaines de mains courageuses et précieuses.\nLa transmission d’un savoir faire\, l’héritage d’un artisanat sont primordiaux afin que naisse un équilibre fécond entre nature et architecture .\nUne beauté certaine surgit\, vivifiante\, porteuse de récits où l’homme et la matière dialoguent.\nEnvoutés par cette relation magique\, conscients de perpétuer ce dialogue\, Mélanie\, Elie\, Karen et Corentin transmettent et racontent leurs propres histoires dans un théâtre de formes et de lumières.\nAujourd’hui ces mains courageuses et précieuses modèlent\, cousent\, tressent à leur façon ; elles sont l’outil essentiel du rapport physique à la matière et à l’origine de leurs œuvres.\nDepuis l’argile et l’eau\, les feuilles\, le plâtre\, de l’osier et le bois\, l’empreinte apparait comme la trace d’un souvenir\, l’image d’un rêve à partager\, celui d’un art au présent\, sensoriel.\nDepuis quelques années les expositions proposées au printemps à Ratilly mettent en valeur ce lien étroit entre l’art et l’artisanat.\nIl est nécessaire que les œuvres fassent écho avec le lieu singulier\, par son histoire et son environnement naturel préservé\, au sein duquel elles sont présentées. \nMathias Pierlot \nMars 2026
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LOCATION:Château de Ratilly\, Château de Ratilly\, Treigny\, Yonne\, 89520
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SUMMARY:Fidji 1838 : Face à face
DESCRIPTION:Du 4 avril au 2 août 2026\, le musée des Beaux-Arts propose une exposition exceptionnelle consacrée aux îles Fidji. \nReconnue d’intérêt national par le ministère de la Culture\, cette exposition valorise le patrimoine culturel océanien\, à travers notamment les dessins d’Ernest Goupil (1814-1840)\, artiste embarqué sur la Zélée\, dont ceux d’un fonds inédit conservé au musée des Beaux-Arts de Chartres. \nUne exposition réalisée en collaboration avec le musée du Quai Branly – Jacques Chirac
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts de Chartres\, 29 Cloître Notre-Dame\, Chartres\, Eure-et-Loir\, 28000\, France
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SUMMARY:Les sonneurs vus par les artistes en Bretagne (1800-1950)
DESCRIPTION:En Bretagne\, les joueurs de biniou et de bombarde\, appelés aussi sonneurs\, ont été une source d’inspiration pour de nombreux artistes. De la peinture à la céramique\, en passant par la gravure\, la photographie ou encore la sculpture\, ce couple de musiciens a été régulièrement représenté dans les différents moments de vie des Bretons. Qu’il s’agisse d’une aire à battre\, d’une noce\, d’un bal du 14 juillet et bien d’autres occasions\, ils jouent l’air de circonstance. Au-delà de la transmission orale de leur musique\, ces passeurs d’une mémoire collective ont su arranger leurs morceaux et moderniser leur pratique instrumentale\, toujours d’actualité au 21e siècle. \nPlus de cent-vingt œuvres\, objets et documents montrent la vision esthétique\, parfois exotique\, des artistes sur les sonneurs. \nL’exposition s’accompagnera d’un programme de médiation en direction de différents publics ainsi que d’un catalogue richement illustré.
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LOCATION:Musée Municipal\, 1 rue de Quimper\, Le Faouët\, Morbihan\, 56320\, France
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SUMMARY:Exposition « Figures féminines »
DESCRIPTION:Dans la continuité de « masculin pluriel » organisée en 2025\, cette exposition présentera les femmes à travers les regards\nd’artistes de différentes époques\, en peinture et en sculpture. Déesses\, travailleuses\, mères ou petites filles\, les femmes se dévoilent dans leur diversité au-delà de l’image habituelle de la muse qui a marqué l’histoire de l’art et nos sociétés\, en oubliant parfois les figures de notre quotidien. Chaque œuvre invite à dépasser les apparences pour interroger les récits et les identités qui façonnent le féminin.
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LOCATION:Musée Saint-Nazaire\, Rue Saint-Nazaire\, Bourbon-Lancy\, Saône-et-Loire\, 71140
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SUMMARY:Exposition les frères Voirin\, quand la pensée devient tableau
DESCRIPTION:Pour sa nouvelle exposition temporaire\, Le Musée de la Céramique et de l’Ivoire de la ville de Commercy\, a le plaisir de vous\nprésenter les œuvres des frères Voirin.\nJules et Léon Voirin sont frères jumeaux et artistes-peintres. Surnommés les « frères Goncourt de la peinture de genre nancéienne »\, inséparables comme ces deux écrivains illustres\, leurs contemporains n’utilisent bientôt plus que l’expression les frères Voirin pour les désigner tant l’un et l’autre semblent indissociables.\nTémoins privilégiés des évolutions que connaissent la ville de Nancy et les milieux artistiques nancéiens\, les frères Voirin sont le lien entre deux époques. Ils modernisent au XIXe siècle la peinture de genre\, thème artistique qui consiste à représenter des scènes du quotidien\, familières et populaires.\nGenre de prédilection de leur maître Eugène-Charles Guérard\, ce type de peinture apparaissait comme désuet\, mineur\, avant\nque les deux frères s’en emparent pleinement après la mort de leur maître en 1866. La révolution des frères Voirin ? Ajouter le réalisme de leur quotidien\, tiré de leurs observations de la vie nancéienne.\nMais leur peinture n’est pas la représentation fidèle de la réalité. Elle est une construction\, une pensée qui devient tableau\, classant les frères Voirin entre réalisme et impressionnisme. Cette exposition entend présenter leur démarche.\nType de public : Tout public
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LOCATION:Musée de la Céramique et de l’Ivoire\, 7 Avenue Carcano\, Commercy\, Meuse\, 55200
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SUMMARY:Au Mali\, quand les animaux dansent. Donation Sonia et Albert Loeb
DESCRIPTION:Au Mali\, sur les rives du fleuve Niger\, se déroulent des fêtes ancestrales nommées sogow bò\, littéralement « les animaux sortent ». Sur une place de village ou sur le fleuve\, de jour comme de nuit\, ces spectacles mêlent théâtre\, danse\, musique et chant. Des masques « animaux » et des marionnettes s’animent aux rythmes des tambours\, illustrant mythes et légendes\, vie sociale et quotidienne. \nÀ travers plus de cent objets et de nombreux audiovisuels\, l’exposition donne à voir et ressentir ce théâtre participatif\, dans lequel chacun des membres de la communauté a sa place\, des aînés aux plus jeunes enfants. \nLe sogo bò\, inscrit aujourd’hui au patrimoine mondial de l’Unesco\, est un héritage aussi vivant que fragile dans le contexte de tensions que connaît le Mali.
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LOCATION:Musée des Confluences\, 86 Quai Perrache\, Lyon\, Rhône\, 69002\, France
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SUMMARY:L'Histoire d'une prairie
DESCRIPTION:L’horizon d’une prairie vous invite à vivre une expérience inédite\, à la croisée de l’art\, de l’écologie et du partage. À l’occasion d’aménagements intérieurs rendant temporairement inaccessibles les espaces d’exposition\, le musée déploie un projet hors normes en investissant ses espaces de vie – hall d’accueil\, auditorium\, bibliothèque et prairie – pour interroger notre relation au vivant et aux enjeux contemporains. \nAu cœur de cette proposition\, l’artiste Emmanuel Louisgrand transforme le musée en un terrain d’expérimentation sensible. Avec Parcelle 64\, Jardin laboratoire\, il métamorphose le hall en un jardin participatif où chacun est invité à prendre part à la fabrication du potager. Dans la prairie\, une plantation de tulipes\, Una linea di tulipani\, accompagne le cycle des saisons et prolonge cette réflexion sur le vivant. Héritier d’influences telles que Joseph Beuys ou l’Arte povera\, l’artiste développe une pratique ancrée dans le temps long\, mêlant art\, nature et sociabilité. \nSur le parvis\, le musée réactive The House of Dust\, œuvre emblématique d’Alison Knowles\, conçue en 1967 avec le compositeur James Tenney dans le contexte du courant Fluxus. Cette sculpture habitable\, reconstruite en collaboration avec l’École nationale supérieure d’architecture de Saint-Étienne et l’Institute for Lightweight Structures and Conceptual Design (Université de Stuttgart)\, devient un espace d’expérimentation\, de rencontres et d’activations pour toutes et tous. \nL’auditorium propose également un programme de films issus de la Cinémathèque de Saint-Étienne\, retraçant\, de 1947 à 2006\, les liens profonds entre culture ouvrière et pratiques jardinières\, entre nécessité\, plaisir et poésie. \nEn écho à ces propositions\, la bibliothèque Jean Laude présente Échos végétaux\, un parcours visuel et éditorial consacré aux formes du vivant. À travers livres et publications d’artistes\, cette exposition explore la manière dont la nature – arbres\, fleurs\, paysages – devient à la fois sujet\, matériau et source d’inspiration. Du Land Art aux pratiques contemporaines\, elle invite à repenser notre manière d’habiter le monde et à renouveler notre regard sur les écosystèmes. \nGratuite et ouverte à toutes et tous\, L’horizon d’une prairie transforme le musée en un espace vivant\, collectif et évolutif\, où l’art devient un outil pour imaginer de nouvelles relations entre humains et environnement.
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne\, Rue Fernand Léger\, Saint-Priest-en-Jarez\, Loire\, 42270\, France
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SUMMARY:Lee Miller
DESCRIPTION:Figure essentielle de l’avant-garde internationale\, Lee Miller (1907-1977) fut tour à tour mannequin\, artiste surréaliste\, portraitiste\, photographe de mode et correspondante de guerre accréditée par l’armée américaine. Elle est aujourd’hui reconnue comme l’une des grandes photographes du XXe siècle. L’exposition réunit près de 250 tirages anciens et modernes\, dont plusieurs inédits\, et propose un nouveau regard sur son œuvre.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Réalités estoniennes
DESCRIPTION:Le Musée d’Art Moderne de Paris présente pour la première fois dans un musée français une exposition consacrée à trois artistes estoniennes dont l’œuvre s’étend du milieu du XX siècle jusqu’à nos jours : Olga Terri (1916 – 2011)\, Anu Põder (1947 – 2013) et Kris Lemsalu (née en 1985). \nL’exposition met en valeur la richesse et la vitalité de la scène artistique estonienne à travers le regard de ces trois artistes de générations différentes. Chacune à leur manière\, elles reflètent un moment de la création de ce pays à l’histoire aussi passionnante que tourmentée.\nMarquée par sa mise sous tension entre les sphères d’influence européenne et russe\, l’Estonie a su conserver une culture originale\, foisonnante et dynamique\, dont découlent les œuvres présentées. \nLe traitement du corps humain agit comme un fil conducteur entre l’œuvre des trois artistes créatrices : un corps tantôt abandonné\, morcelé\, augmenté\, transformé\, exubérant ou combatif.  \nAnu Põder\, artiste centrale de l’exposition (1947 – 2013)\nAnu Põder fait partie des grandes redécouvertes de l’histoire de l’art de ces dernières années. À travers une quinzaine d’œuvres\, l’exposition déploie l’univers singulier de cette artiste dont la pratique s’est développée à l’écart des carcans académiques de son époque. Les matériaux utilisés par Anu Põder traduisent la précarité de sa condition sous l’ère soviétique\, autant qu’ils révèlent les bouleversements de la société estonienne à l’indépendance du pays (toile de jute\, plastique\, savon\, papier d’aluminium…). Le corps de l’artiste est souvent présent en creux dans ses sculptures vulnérables\, fragiles\, qui refusent de se cantonner aux modes traditionnels de figuration. \nOlga Terri\, la peinture de l’après-guerre (1916 – 2011)\nUne salle réunit une série de portraits réalisés entre 1945 et 1950 par Olga Terri. Elle témoigne des affres personnels et collectifs subis pendant cette période d’immédiat après-guerre\, alors que l’occupation nazie fait place à l’occupation soviétique. Un sentiment mélancolique se dégage de ses personnages mutiques peints dans des couleurs sourdes\, leurs positions lâches exprimant un vacillement imminent. \nKris Lemsalu\, une vision contemporaine (née en 1985)\nL’exposition s’achève par la présentation d’une installation monumentale et de nouvelles productions de la plasticienne et performeuse contemporaine Kris Lemsalu\, conçues pour l’exposition. L’artiste imagine un univers extravagant et burlesque peuplé d’êtres hybrides entre humain et non-humain\, incarnant une lecture contemporaine du panthéisme estonien autant qu’une vision satirique de la société actuelle. \nCette exposition est organisée en partenariat avec la Fondation du Musée d’Art d’Estonie (AME) et l’ambassade d’Estonie en France.\nElle bénéficie notamment de prêts du Musée d’Art d’Estonie\, du Musée d’Art de Tartu\, de l’Estate Anu Põder et du Centre Pompidou. \nUn catalogue est édité par le Musée d’Art d’Estonie avec des textes de Jean-Baptiste Delorme\, Eda Tuulberg\, et Alicia Knock.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne de la ville de Paris\, 11\, avenue du Président Wilson\, Paris\, Paris\, 75116\, France
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SUMMARY:Sarah Lipska : L'art dans tous ses éclats
DESCRIPTION:Sculptrice\, peintre\, dessinatrice de costumes et de décors\, créatrice de mode et décoratrice d’intérieur\, Sarah Lipska est une artiste plurielle dont la production est encore très méconnue. Juive d’origine polonaise\, elle arrive à Paris en 1912 et y demeure jusqu’à sa mort. Son travail protéiforme et expérimental met en résonance différents médiums artistiques où circulent les motifs et les inspirations.  \nEn mettant à l’honneur cette créatrice remarquable\, le musée Sainte-Croix poursuit son engagement historique de valorisation des artistes femmes. Provenant en grande partie de la fille de l’artiste\, les 83 œuvres conservées à Poitiers constituent la première collection publique mondiale d’œuvres de Lipska. Pour l’exposition\, ce fonds est enrichi par le prêt exceptionnel de près de 150 tableaux\, sculptures\, dessins\, photographies\, textiles et périodiques. \nAu fil d’un parcours thématique dévoilant ses différents secteurs d’activité\, son réseau parisien (Helena Rubinstein\, Paul Poiret\, Antoine de Paris…) mais également les multiples techniques qu’elle expérimente\, cette rétrospective invite à la reconnaissance d’une créatrice fascinante.
URL:https://actu.art/event/sarah-lipska-lart-dans-tous-ses-eclats/
LOCATION:MUSÉE SAINTE-CROIX DE POITIERS\, 3 bis\, rue Jean Jaurès\, Poitiers\, Vienne\, 86000
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SUMMARY:François Morellet : 100 pour Cent
DESCRIPTION:Inaugurant le centenaire de la naissance de François Morellet (1926-2016)\, le Centre Pompidou-Metz présente une rétrospective en 100 œuvres allant de 1941 à 2016\, la plus complète jamais réalisée à ce jour. \nMorellet a ceci de singulier qu’il est tout à la fois le principal représentant français de l’abstraction géométrique et celui qui a le plus décisivement contribué à déstabiliser celle-ci. Cette rétrospective majeure explore\, au fil des œuvres choisies\, l’ambivalence entre déraison et raison\, entre l’héritage de Francis Picabia et celui de Piet Mondrian que l’artiste se plaisait à invoquer. \nDans les 1 200 m² de la Galerie 3 du Centre Pompidou-Metz\, l’exposition donne au public à expérimenter cette ambivalence au gré de deux parcours chronologiques en partant de ses premières expérimentations picturales des années 1940\, rarement montrées jusqu’à aujourd’hui\, jusqu’aux néons baroques des années 2010. D’un côté\, le Morellet du triomphe de la règle et des gloires du matérialisme pictural. De l’autre\, le Morellet de la déraison optique\, de la distance néo-dadaïste. Il eût suffi d’un seul de ces deux côtés pour faire la grandeur historique de Morellet. Au Centre Pompidou-Metz\, du 3 avril au 28 septembre 2026\, il est donc possible de vérifier que Morellet est doublement grand.
URL:https://actu.art/event/francois-morellet-100-pour-cent/
LOCATION:Centre Pompidou-Metz\, Grande nef\, 1 Parvis des Droits de l'Homme\, Metz\, Moselle\, 57000\, France
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SUMMARY:La Station : 30 ans. Too Old to Die Young
DESCRIPTION:Que reste-t’il quand on ne meurt pas jeune ?\nLa mythification d’une jeunesse fauchée dans son âge d’or est pleinement inscrite dans notre société. Que Kurt soit parti trop tôt\, nous sommes bien d’accord. On aurait aimé voir ce que donne sa voix éraillée à l’aube de ses soixante ans\, chantant Something on the way dans un monde déséquilibré sur quasiment tous les plans. Too Old to Die Young.\nImmédiatement\, la phrase renverse et une tension générationnelle apparaît\, un slogan underground qui surfe sur l’esthétique post-jeunesse. Dans une culture de la survivance plutôt que de l’héroïsme\, à la façon d’un Camus où l’absurde de vouloir rester à tout prix dans cette vie devient un acte militant\, l’idée du collectif et de ce qu’est La Station\, continue\, utilisant l’humour et le cynisme en remparts\, adoptant une attitude mi-hallucinée\, mi-désabusée pour avancer\, malgré tout.\nUne culture de la marginalité raisonnable\, acceptable finalement\, s’attachant à trouver de la beauté dans tout ce qui reste ou tout ce qui s’achète. Too Old to Die Young devient une poétique de l’après\, du résidu\, de ce qui continue. La phrase peut également apparaître comme une déclaration : vous avez devant vous des artistes qui ont dépassé le mythe de la précocité\, et qui font face à leurs œuvres\, refusant le survol ou le spectaculaire facile.\nLa Station\, lieu mythique de la création contemporaine dans le paysage azuréen\, est un espace inédit créé en 1996\, un artist run space inventif\, essentiel\, humain\, célébrant une pratique artistique joyeusement ambiguë\, à mi-chemin entre l’ego et le commun. La Citadelle – Centre d’art & Musée – est heureuse d’inviter quatorze artistes à fêter les trente ans de La Station à l’occasion de cette exposition.
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LOCATION:Citadelle de Villefranche sur mer\, Place Emmanuel Philibert\, Villefranche-sur-Mer\, 6230\, Belgique
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SUMMARY:Terres cordaises
DESCRIPTION:Terres cordaises\nCéramiques contemporaines\ndu 2 avril au 18 mai 2026\nFrançoise Berthelot\, Pierre David\, De Drôles d’oiseaux\, Chris Dupuy Joly\, Thierry Dupuy\, Yvan Malaussena\, Françoise Marc Villeneuve\, Françoise Nugier\, Adrien Raybaud.\nC’est avec des céramistes cordais\, dont certains œuvrent depuis plusieurs décennies\, que nous débutons la saison. Tous ont trouvé dans cette terre cordaise un lieu d’inspiration pour leurs créations. La céramique est une technique ancestrale qui utilise des procédés divers. Certains utiliseront le Raku\, d’autres la terre émaillée\, une chimie dont chacun testera\, malaxera\, modèlera la terre et l’ornera avec son style propre. Pour ces architectes de la terre\, l’argile n’a pas toujours été leur pratique principale. Pour la plupart\, ils ont aussi travaillé la sculpture\, le dessin\, l’assemblage\, mais ce besoin de toucher la matière est réapparu. Un besoin charnel. Sculptures ou objets utilitaires\, les céramistes jouent avec cette chimie et développent leurs propres techniques qu’ils expérimentent au fil des années et des envies – faïence en couleurs\, engobes colorés aux oxydes métalliques\, ocres naturel\, agate pour le polissage\, cuisson à très haute température – ils nous font découvrir leurs créations insolites sans cesse en mouvement.\nVernissage de l’exposition en présence des artistes vendredi 3 avril à partir de 18h \nCette exposition sera complétée par les céramiques de la collection du musée : œuvres de René Bonetti\, Elia Pagliarino\, Marie Costes\, Pascal Geoffroy\, Jean-Pierre Cholet\, Monica Stocker…
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain – Cordes-sur-Ciel\, 39 grand rue Raimond VII\, Maison du Grand Fauconnier ...\, Cordes-sur-Ciel\, Tarn\, 81170\, France
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SUMMARY:Brion Gysin
DESCRIPTION:Né en Grande-Bretagne en 1916\, Brion Gysin est un artiste protéiforme\, peintre\, poète\, performer\, photographe et musicien souvent associé à la Beat Generation. L’exposition\, constituée de plus de 140 œuvres de l’artiste\, est bâtie sur la collection Gysin du Musée d’Art Moderne de Paris\, d’une richesse unique au monde\, que viennent compléter des prêts exceptionnels issus de collections publiques et privées\, en France et à l’étranger.
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LOCATION:Musée d’Art moderne\, 11 avenue du Président Wilson\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Gilles Barbier : Habiter
DESCRIPTION:Né en 1965 aux Nouvelles-Hébrides (Vanuatu) et installé à Marseille depuis plus de trente ans\, Gilles Barbier développe depuis les années 1990 une œuvre singulière mêlant sculpture\, dessin\, peinture et écriture. Refusant les catégories traditionnelles de l’art contemporain\, son travail progresse par séries et explorations\, interrogeant notre rapport au corps\, au langage\, à la mémoire et à la manière d’habiter le monde. \nL’exposition Habiter de Gilles Barbier rassemble une quarantaine d’œuvres. Même si une grande partie d’entre elles ont été produites pour l’occasion\, elle intègre dans son parcours des pièces existantes\, dont les plus anciennes datent de 1992. Certaines séries\, les Pions\, Habiter la Peinture\, accompagnent l’artiste depuis ses débuts et constituent l’ossature de sa pratique. D’autres familles d’œuvres\, plus tardives\, Habiter la Viande\, Stasis\, Naufrages\, éclairent ces gestes initiaux en les amplifiant ou en en déplaçant les enjeux. \nSans avoir la prétention d’une rétrospective\, cette exposition met toutefois à jour un motif qui traverse le travail de Gilles Barbier depuis plus de trente ans et qui n’avait jusqu’alors jamais été articulé avec autant d’évidence : celui d’habiter. L’exposition révèle ainsi la cohérence souterraine d’une œuvre qui\, sous des formes très diverses\, interroge depuis longtemps les manières d’occuper le monde. \nCette exposition s’inscrit dans un parcours marseillais consacré à Gilles Barbier\, présenté simultanément dans plusieurs lieux de la ville.
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LOCATION:Musée Regards de Provence\,  allée Regards de Provence \, Marseille\, Bouches-du-Rhône\, 13002\, France
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SUMMARY:Marc Gaillet : Jusqu'au bout de l'humanité
DESCRIPTION:Du mercredi 1er avril au dimanche 21 juin 2026\, Marc Gaillet\, plasticien et photographe\, investit la Maison des Consuls avec l’exposition « Jusqu’au bout de l’humanité ». \nPensé comme un véritable voyage visuel\, le parcours vous emmène de l’Antiquité à aujourd’hui et se prolonge jusqu’à l’exposition permanente. À travers ses œuvres sensibles et accessibles\, l’artiste offre une expérience immersive qui mêle histoire et regard contemporain\, et invite chacun à prendre le temps d’observer et de réfléchir au monde qui nous entoure.
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LOCATION:Maison des Consuls\, Rue des Consuls\, Les Matelles\, Hérault\, 34270\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Georg Jensen à Paris : Le refuge d’un maître artisan
DESCRIPTION:La Maison du Danemark présente une exposition exceptionnelle consacrée à l’orfèvre danois Georg Jensen\, figure majeure du design nordique. Paris occupe une place déterminante dans la carrière de l’artiste : après plusieurs séjours en France\, il choisit de s’y installer en 1924. Il y dirige alors un petit atelier de quelques artisans\, renouant ainsi avec l’essence même de son métier\, loin de la grande manufacture de Copenhague qui comptait déjà plusieurs centaines d’employés. \nCe retour aux fondements de l’artisanat s’avère particulièrement fécond. À l’Exposition internationale des arts décoratifs et industriels modernes de 1925\, Jensen remporte un immense succès et reçoit le Grand Prix. Les œuvres créées durant cette période parisienne (1924–1926) sont aujourd’hui considérées parmi les plus abouties de son œuvre. \nConçue en étroite collaboration avec la Société Georg Jensen\, réunissant notamment des membres de la famille de l’artiste\, l’exposition révèle un chapitre intime et déterminant de son parcours\, où Paris devient un véritable refuge créatif. \n‍ \nExposition à la Maison du Danemark\, 2ème étage\, Espace Culturel \nOuvert du mardi au dimanche de 12h – 18h\, fermé le lundi \nDu 1er avril au 31 mai 2026 \nEntrée libre
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LOCATION:LE BICOLORE – MAISON DU DANEMARK\, 142\, avenue des Champs-Élysées\, Paris\, Paris\, 75008
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Nora Herman : Traces laissées par le mouvement du corps\, de l’âme et de la vie
DESCRIPTION:L’exposition personnelle de Nora Herman sera composée d’un ensemble récent de peintures\, dessins et sculptures\, explorant les traces laissées par le corps en mouvement\, par les mouvements de l’âme et de la vie\, et par des rêveries poétiques. \nCette exposition\, qui s’inscrit dans la démarche de l’artiste\, s’attelle à créer un refuge\, un espace d’apaisement\, un lieu de contemplation pour les êtres qu’elle accueillera. \nEn partenariat avec l’Artothèque.
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LOCATION:Musée des Beaux-Arts d’Angoulême\, 1\, rue de  Friedland\, Angoulême\, Charente\, 16000\, France
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SUMMARY:Sois belle. Quand la mode raconte la condition des femmes (1830-1914)
DESCRIPTION:À travers la mode féminine des années 1830 à 1914\, cette exposition éclaire les injonctions sociales faites aux femmes : séduire\, plaire\, rester à leur place. Gestes\, attitude\, maintien et vêtement doivent alors répondre à un même impératif : charmer tout en demeurant décente. \nL’exposition revient sur les fondements juridiques\, moraux et sociaux de cette domination. Le Code civil de 1804 place en effet les femmes sous tutelle juridique et économique : le mari exerce l’autorité parentale\, administre les biens de son épouse et détient seul le droit de vote. Assignées à la maternité et à la sphère domestique\, les femmes sont tenues à l’écart de la vie politique et de l’enseignement supérieur. \nLe vêtement apparaît ainsi comme l’une des traductions les plus visibles de cette sujétion. Jupe longue imposée\, pantalon proscrit\, corset\, crinoline\, décolletés ou voilettes : chaque élément de la toilette dit quelque chose de la place accordée aux femmes dans la société française du XIXe siècle. Entre élégance\, contrainte et contrôle du corps\, cette histoire de la mode révèle une condition féminine bien plus complexe qu’il n’y paraît. \nHoraires sur la période
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LOCATION:Musée de Vire Normandie\, Square Chanoine-Jean-Héroult\, Vire Normandie\, Calvados\, 14500\, France
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SUMMARY:Africa Fashion
DESCRIPTION:Après avoir conquis Londres\, New York\, Portland\, Chicago\, Melbourne et Montréal\, l’exposition « Africa Fashion »\, conçue par le Victoria and Albert Museum de Londres\, arrive à Paris et propose un dialogue entre les plus grands créateurs de mode de la scène contemporaine africaine et les riches collections historiques du musée du quai Branly – Jacques Chirac. \nLe parcours de cette exposition célèbre l’essor fulgurant de la scène africaine\, portée par une nouvelle génération de créateurs. Entre inspiration et innovation stylistique\, leurs créations célèbrent une scène artistique dynamique aussi variée que le continent lui-même. \nAfrica Fashion présente la mode africaine comme une forme d’art qui se définit elle-même et qui révèle la richesse et la diversité des histoires et des cultures africaines. Pour l’occasion\, le musée met en lumière sa riche collection de textiles\, accessoires et bijoux africains\, ainsi qu’une sélection de photographies issues de ses archives et collectées auprès du public. \nExposition itinérante internationale créée par le Victoria and Albert Museum\, qui s’est tenue pour la première fois à Londres\, du 2 juillet 2022 au 16 avril 2023\, puis en tournée dans le monde entier.
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Kwame Akoto : Almighty God Art Works
DESCRIPTION:L’exposition revient sur le parcours de Kwame Akoto\, figure majeure de la scène artistique ghanéenne\, dont l’œuvre singulière conjugue peinture populaire et engagement spirituel. \nArtiste et pasteur ghanéen\, Kwame Akoto se distingue par son parcours singulier. En 1972\, il ouvre son atelier à Kumasi\, où il débute comme peintre d’enseignes\, mais il s’affranchit rapidement des commandes commerciales pour développer un univers personnel mêlant foi\, critique sociale et humour. Ancrée dans la vie locale\, son oeuvre est aussi marquée par une vision engagée sur le monde. \nSous le nom d’Almighty God\, il est un prédicateur et une figure respectée de son quartier. Dans son atelier Almighty God Art Works\, il conçoit des images percutantes\, où le texte tient un rôle essentiel. Ses oeuvres mêlent slogans moralisateurs\, messages spirituels et scènes du quotidien\, dans un style direct et sans détour. Le peintre se met aussi fréquemment en scène dans des autoportraits interrogeant le statut du créateur. \nL’exposition rend hommage à cette figure majeure de la scène artistique ouest-africaine contemporaine. Elle explore ses thématiques de prédilection et met en lumière les influences\, les rencontres – notamment avec l’artiste Hervé Di Rosa – et les convictions qui ont façonné sa démarche artistique unique. \nL’exposition bénéficie du soutien de l’Ambassade de France et l’Institut Français au Ghana\, dans le cadre du programme « Création Africa ».
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LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Esclaves en Méditerranée\, XVIIe–XVIIIe siècle
DESCRIPTION:Voici la première exposition à explorer une histoire méconnue : celle des musulmans et des chrétiens réduits en esclavage des deux côtés de la Méditerranée\, pendant plus de trois siècles. Découvrez l’impact de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe à travers un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées. \nL’exposition Esclaves en Méditerranée. XVIIe-XVIIIe siècle s’intéresse en particulier à la présence et aux témoignages souvent oubliés des Nord-Africains et de certains Africains de l’Ouest asservis en Europe. Centrée sur les ports de France\, d’Italie et de l’île de Malte du XVIIe siècle aux années 1830\, elle met en lumière les expériences et les représentations de ces êtres humains contraints de travailler comme galériens\, serviteurs\, traducteurs\, musiciens et assistants d’artistes.\nElle révèle l’impact profond de cette histoire sur les cultures matérielles en Europe en présentant un large éventail d’œuvres d’art étonnantes et rarement exposées : un dessin d’après nature d’un esclave musulman réalisé par le peintre en chef de Louis XIV\, Charles Lebrun ; des œuvres d’art représentant ou inspirées du monument emblématique de Pietro Tacca connu sous le nom de « Quattro Mori » ; des peintures représentant la répression d’une révolte d’esclaves à Malte en 1749 ; un album de dessins exceptionnels de Fabroni représentant des galériens au travail et au repos ; et d’autres objets remarquables tels que des armes maritimes\, des sculptures de navires\, des talismans et des lettres écrites par des captifs musulmans et chrétiens\, qui seront lues à haute voix.\nEnfin\, une œuvre d’art contemporaine\, inédite\, Suspended inTime\, de l’artiste Kevork Mourad\, ouvrira des perspectives sur ce qu’est devenue cette longue histoire : de son oubli après la prise d’Alger par les troupes françaises en 1830 aux débats contemporains sur les œuvres d’art qui ont représenté l’esclavage\, y compris les Quattro Mori.
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LOCATION:Institut du Monde Arabe\, 1 rue des Fossés-Saint-Bernard\, Paris\, Paris\, 75005\, France
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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