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SUMMARY:Sophie Bassot et Philippe Sutter : Transcendance
DESCRIPTION:Pendant toute la durée de la saison estivale\, du 2 mai au 27 septembre 2026\, venez découvrir l’exposition d’art contemporain Transcendance au musée de la Folie Marco. Les œuvres de Sophie Bassot\, artiste-peintre\, et de Philippe Sutter\, céramiste d’art\, sont exposées dans les salles du parcours d’exposition permanente pour créer un face-à-face entre peinture et céramique tout autant qu’un dialogue entre art contemporain et objets d’arts décoratifs anciens. L’accès à cette exposition temporaire est compris dans le tarif d’entrée classique du musée.
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SUMMARY:Africa Pop
DESCRIPTION:L’exposition Africa Pop invite les visiteurs à rencontrer les cultures africaines sur le fil du textile\, à travers une conversation entre les tissus appelés wax et des objets du quotidien. \nCe voyage d’Ouest en Est\, et du Nord au Sud\, propose la découverte d’un continent où les étoffes sont supports de langage et expriment la voix des femmes. \nÀ travers des collections exceptionnelles reflétant 30 années de recherches de terrain\, une scénographie immersive avec un sens aigu du détail\, l’exposition est construite comme un imagier géant qui invite le visiteur à observer chaque élément dans un jeu de correspondance.
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LOCATION:Musée d’Art Naïf Anatole Jakovsky\, 23\, Av de Fabron\, Nice\, Alpes-Maritimes\, 06000
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Gerhard Richter : Overpainted Photographs
DESCRIPTION:Gerhard Richter compte parmi les artistes les plus influents de notre époque. Son œuvre n’a cessé de redéfinir les relations entre peinture\, photographie et perception. Les Overpainted Photographs occupent une place singulière dans cette pratique. Commencée à la fin des années 1980\, la série conjugue deux éléments centraux – et souvent antagonistes – de son art : la photographie et le geste pictural. Travaillant directement sur de petits tirages photographiques\, Richter applique de la peinture à l’huile\, du vernis ou de l’émail qu’il étale\, gratte\, presse ou fait glisser sur l’image. Il n’en résulte ni une photographie ni une peinture à proprement parler\, mais une forme hybride où les deux médiums se trouvent fondamentalement altérés. Modestes par leur format\, ces œuvres sont pourtant radicales dans leur portée. La photographie\, ordinairement perçue comme document\, trace ou enregistrement fidèle du visible\, se trouve déstabilisée par la peinture\, un médium par nature tactile\, opaque et contingent. Richter ne cherche ni à illustrer l’image ni à la sublimer : il la soumet à une intervention matérielle qui trouble sa lisibilité et suspend son autorité. Coexistent alors sur la surface texturée révélation et dissimulation\, accident et décision\, intimité et distance. Richter puise souvent dans ses propres archives : portraits de famille\, paysages\, vues urbaines ou clichés de vacances – des images ordinaires\, liées à sa vie privée et à ses observations du quotidien. Une fois repeintes\, elles échappent au registre du souvenir intime. La peinture n’efface pas complètement l’image sous-jacente\, elle ne se contente pas non plus de la recouvrir : elle réoriente le regard\, instaurant une relation nouvelle entre ce qui demeure visible et ce qui se trouve occulté. L’image devient instable\, ouverte et incertaine. L’exposition réunit également des photographies issues des séries Grauwald (2008) et Museum Visit (2011)\, qui prolongent les Overpainted Photographs en deux méditations distinctes sur l’acte de regarder. Dans Grauwald\, des clichés réalisés dans une forêt près du domicile de l’artiste sont voilés de laque grise\, transformant le paysage en un espace de distance\, d’instabilité et d’introspection. La nature y apparaît suspendue entre présence et disparition. Dans Museum Visit\, Richter porte son attention sur le musée lui-même\, retraçant le parcours du public à travers la Tate Modern au fil d’une seule journée. Des voiles de blancs et de couleurs vives y enregistrent les variations d’activité\, faisant de l’espace d’exposition un champ animé où se mêlent perception\, mémoire et expérience collective. Les procédés de Richter participent pleinement du sens de ses œuvres. Nombre d’entre elles ont été réalisées à partir de restes de peinture prélevés sur ses toiles abstraites\, appliqués au hasard de ses gestes\, par pression ou grattage. L’image finale est le fruit\, non seulement d’une intention\, mais aussi de contingences\, de l’interaction imprévisible entre la peinture et la photographie. C’est précisément cet élément de hasard maîtrisé qui confère à ces œuvres leur force particulière. Les Overpainted Photographs cristallisent les questions au cœur de toute la pratique de Richter : l’instabilité de la représentation\, les limites de la perception et la difficile séparation entre image et croyance. Elles montrent que le regard n’est jamais neutre et que toute image est exposée à la transformation\, à l’interférence et au doute. À une époque marquée par la circulation\, la saturation et la manipulation incessantes des images\, ces œuvres conservent une acuité remarquable. Cette exposition offre une occasion rare de les appréhender dans leur ensemble et de mesurer leur importance dans la pratique de Richter comme\, plus largement\, dans l’art contemporain. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Hans Ulrich Obrist\, Conseiller général
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Camille Henrot : In the Veins
DESCRIPTION:In the Veins\, le nouveau film de Camille Henrot – l’une des artistes majeures de sa génération – interroge ce que signifie élever des enfants à l’ère de la crise climatique et de l’extinction de masse. L’œuvre s’articule autour du deuil écologique – ou solastalgie –\, cette expérience intime et quotidienne qu’est le fait de vivre avec une perte irréversible. Plutôt que d’aborder cette réalité comme un problème planétaire abstrait\, Henrot l’ancre dans le quotidien\, là où le soin\, la peur\, l’amour et la responsabilité se font ressentir avec le plus d’acuité. Le film part d’une contradiction simple mais troublante. Les animaux sont omniprésents dans l’enfance : ils peuplent les livres\, les jouets\, les chansons et les premiers apprentissages par lesquels nous apprenons à nommer le monde. Pourtant\, bon nombre de ces mêmes animaux sont aujourd’hui menacés\, déplacés ou en voie de disparition. Lire un abécédaire à un enfant et arriver à « J comme jaguar » ou « O comme ours polaire »\, c’est se heurter à un fossé béant entre représentation et réalité. Le film s’attarde sur cette dissonance\, s’interrogeant sur ce que signifie hériter d’un imaginaire foisonnant en vie animale tout en transmettant un monde sinistré où cette vie disparaît. Dans cette perspective\, parentalité et écologie apparaissent comme des pratiques du soin étroitement solidaires. L’une et l’autre ont affaire à la vulnérabilité\, à la dépendance\, à la préservation et à la survie. L’une et l’autre résistent à une culture qui privilégie la nouveauté\, la rapidité et la consommation au détriment de la réparation\, de la pérennité et de la responsabilité. In the Veins présente le soin non pas comme une question secondaire ou privée\, mais comme un acte éthique et politique. Les gestes qui consistent à veiller sur le vivant – s’occuper\, nourrir\, nettoyer\, protéger\, réparer – sont au fondement de toute conscience écologique sérieuse. Cette logique s’étend aux images du film montrant des centres de soins de la faune sauvage\, où des animaux blessés sont recueillis après avoir été directement confrontés à la violence des systèmes humains : environnements empoisonnés\, habitats détruits\, écosystèmes dégradés. Ces lieux font apparaître à la fois la destruction et la réparation. Ils témoignent de formes de soin qui ne reposent pas sur la domination ni la possession\, mais sur la patience\, la retenue et une proximité sans emprise. En ce sens\, veiller sur des animaux sauvages et en prendre soin fait écho au travail d’élever des enfants : il n’existe pas de résultat idéal\, seulement l’effort nécessaire pour permettre à une autre vie de se poursuivre. Le film se construit autour d’une méditation sur le temps. La répétition\, si centrale dans l’acte de prendre soin\, en devient l’un de ses principes formels. À rebours de la logique dominante du progrès linéaire\, l’œuvre se tourne vers des rythmes cycliques – le jour et la nuit\, les saisons\, mais aussi la croissance\, le retour\, l’épuisement et le renouveau. Ce choix est d’autant plus significatif que la crise climatique échappe souvent à la perception ordinaire : elle se déroule trop lentement pour être vécue comme un événement\, trop rapidement pour que les sociétés puissent y répondre. L’enfance obéit à une temporalité semblable : continue\, transformatrice\, difficile à saisir dans son mouvement même. Par sa structure\, sa bande sonore et son montage\, In the Veins avance que les gestes du soin au cœur de la destruction ne sont pas des actes mineurs\, mais des formes de courage. Prendre soin d’un enfant\, d’un animal ou d’un monde abîmé\, c’est résister au désespoir en continuant d’assumer sa responsabilité à l’égard du vivant.  \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique
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LOCATION:LUMA ARLES\, 45 Chemin des Minimes\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Julianknxx : In Search of Incredible
DESCRIPTION:Né en Sierra Leone\, Julianknxx a développé une pratique façonnée par ses déplacements à travers géographies\, langues et contextes historiques. Ayant grandi entre la Gambie et Londres\, il envisage la diaspora non comme une identité fixe\, mais comme une condition vécue et inachevée – un espace de rupture\, de transmission\, d’invention et de retour. Travaillant à la croisée du film\, de la performance\, de l’installation\, de la poésie et du son\, il conçoit des œuvres qui résistent aux récits univoques. Il y recueille des voix\, des gestes\, des souvenirs\, des chants et des fragments d’histoire pour les traduire sous des formes qui donnent à voir ce que les versions officielles ont trop souvent négligé\, réduit au silence ou dévoyé. \nIn Search of… Incredible\, initialement créé pendant la résidence de l’artiste à LUMA Arles\, transpose ces préoccupations en une exposition saisissante\, où sculptures\, films\, sons et objets trouvés composent une architecture vivante de la mémoire. L’exposition s’articule autour de trois mouvements interdépendants : transmettre\, transformer et préserver. Elle interroge la manière dont la mémoire perdure\, non pas comme une archive invariable\, mais comme quelque chose d’incarné\, sans cesse réinventé au fil des relations. En son cœur se trouve une méditation sur les origines\, la résilience et les rituels du deuil comme pratiques de soin\, de transmission et de refus de la disparition. Les couches intangibles du réel y deviennent tangibles\, et ce qui résiste à toute formulation par des mots se dit autrement – par le rythme\, la répétition\, la texture et la forme. \nLe titre lui-même est né d’un geste intime d’attention : des mots découverts sur une boîte en carton qu’avait utilisée la mère de l’artiste pour lui envoyer une sculpture réalisée à partir d’un de ses dessins. Ces derniers sont le fruit d’un échange soutenu entre l’artiste et sa mère en Gambie\, un moyen de maintenir le lien malgré la distance\, de partager des images\, des idées et des formes de pensée. Tracées par l’artiste puis réinterprétées par des menuisiers locaux sous forme de petites sculptures en bois de rose\, ces pièces lui ont ensuite été expédiées à Londres\, établissant un circuit de transmission fondé sur l’intimité\, la collaboration et la transformation de la matière. Elles ont donné corps à une réflexion commune sur ce que ces formes pourraient être\, sur les lignées qu’elles pourraient porter et sur la manière dont elles pourraient exister dans le monde – en tant qu’amulettes\, totems\, sculptures ou présences protectrices. \nPour l’exposition\, cet ensemble d’œuvres a été soumis à une nouvelle transformation. Certaines sculptures ont été recouvertes de sel\, brûlées\, teintées avec des pigments naturels ou recomposées à partir de matériaux trouvés\, prolongeant ainsi le processus de transmission et de recréation. Ces œuvres donnent à voir que le sens réside souvent dans les matériaux les plus ordinaires\, et que l’histoire se transmet par les gestes\, les chants et les attentions qui perdurent à travers le temps et la distance. \nAux côtés des sculptures\, les vidéos créent un espace où témoignage et cosmologie\, deuil et affirmation demeurent indissociables\, avec le son pour fil conducteur. Dans l’œuvre de Julianknxx\, le son n’est jamais secondaire ni simplement illustratif : c’est une force génératrice\, une technologie sociale\, émotionnelle et spirituelle qui maintient les mondes en cohésion. L’exposition présente des berceuses élaborées en collaboration avec le Chœur Boras de Marseille\, dont les chants transmettent les traditions orales comoriennes au fil des générations et des histoires migratoires. Bien plus que de simples chants de réconfort\, ce sont des vecteurs de mémoire et de survie\, des structures intimes par lesquelles récits et expériences se préservent dans le corps et se transmettent par le souffle\, la répétition et la vibration. La voix devient archive première\, dépositaire vivante du deuil\, de la tendresse\, de la résilience et de la continuité culturelle. \nLe sel est l’autre force qui lie les œuvres de l’exposition. Présent dans chacune d’entre elles – des sculptures aux films – il opère comme matériau et comme métaphore. Il préserve\, guérit\, blesse et consacre. Il évoque la sueur\, les larmes\, l’eau de mer\, le labeur\, le rituel et l’extraction. Dans le travail de Julianknxx\, le sel relie l’intime à l’historique\, associant le corps au déplacement\, à la perte\, à la nourriture et à l’héritage violent du commerce colonial. Substance d’accumulation\, il se forme couche après couche\, retenant le temps tout en transformant ce qu’il touche. \nIn Search of… Incredible raconte comment quelque chose survit\, la façon dont la mémoire est portée\, modifiée\, rendue au monde\, dont l’histoire vit à travers la voix et le rituel\, et dont l’art peut accueillir des réalités que d’autres systèmes de représentation ne peuvent voir.  \n Avec le soutien du Groupe Salins. \nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique\, Eimear Martin\, Curatrice et Zoé Crouzat\, Assistante curatrice
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SUMMARY:Mystification : Architecture et cinéma\, la quête de l'illusion
DESCRIPTION:Depuis l’Antiquité\, l’architecture et le théâtre ont en commun un art subtil : celui de tromper le regard et l’esprit. L’illusion des formes\, la maîtrise des perspectives et le jeu avec la lumière transforment notre perception du monde et nous plongent dans une réalité altérée.  \nLes colonnes du Parthénon\, légèrement incurvées pour paraître droites\, et les décors en trompe-l’œil de la Renaissance témoignent de cette quête de perfection qui joue avec notre perception sensorielle. Le cinéma\, art fondé sur l’illusion du mouvement\, s’est emparé de ces artifices pour projeter des univers où l’œil est sans cesse trompé : les perspectives manipulées de Metropolis\, les cités impossibles d’Inception ou encore la ville de Gotham réinventée au fil des adaptations de Batman. \nL’exposition « Mystification\, Architecture et Cinéma\, la quête de l’illusion »\, met en perspective ces arts de l’illusion\, questionne notre compréhension de la réalité et notre désir de fiction\, en offrant une expérience visuelle spectaculaire et un dialogue inédit avec les œuvres du peintre Claude Gazier.
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LOCATION:Saline Royale d’Arc-et-Senans\, Grande Rue\, Arc et Senans\, Doubs\, 25610\, France
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SUMMARY:Verena Paravel : Delta
DESCRIPTION:Delta est une nouvelle commande filmique majeure de l’artiste et cinéaste Verena Paravel\, réalisée dans le cadre d’un projet de recherche plus large intitulé Cosmofonia. Verena Paravel compte parmi les voix les plus originales du cinéma documentaire contemporain et ne cesse d’étendre le potentiel de la vidéo en éprouvant les limites de la perception et en remettant en question les modes d’observation anthropocentrés. Située à l’intersection de l’anthropologie\, de l’écologie et de l’image en mouvement\, sa pratique propose une approche décentrée du monde vivant\, attentive aux relations inter-espèces\, aux environnements instables et aux formes de présence qui échappent à la conception humaine. Filmé dans le delta du Rhône\, Delta est la deuxième partie du prélude à Cosmofonia\, un film et une œuvre sonore en cours qui déplace l’attention depuis le point de vue vers le point d’écoute. Verena Paravel se penche sur les sons inaudibles de la Terre : les vibrations infrasonores\, les résonances sismiques\, les signaux inter-espèces et les traces acoustiques de l’activité humaine. La plupart de ces fréquences échappent à la perception humaine ordinaire. L’œuvre les rend audibles et ouvre ainsi un nouveau champ sensoriel\, invitant le public à envisager l’environnement non pas comme un décor\, mais comme un maillage dense et animé de relations. La Camargue devient le lieu particulièrement chargé de cette recherche. Au cours de sa résidence à LUMA Arles\, d’octobre 2025 à janvier 2026\, Verena Paravel a collaboré avec des spécialistes de l’écologie des zones humides et de la biodiversité acoustique à l’institut de recherche de la Tour du Valat afin d’observer comment différentes espèces utilisent le son pour s’orienter\, communiquer et survivre au sein de cet environnement instable. Les salins\, les roselières\, les moustiques\, les amphibiens\, les oiseaux migrateurs\, les zones industrielles\, les étendues sauvages\, les eaux claires et troubles forment ensemble un environnement changeant à la limite de la terre et de la mer. Dans Delta\, cette condition d’entre-deux devient à la fois le sujet et la méthode. Verena Paravel utilise des hydrophones\, des vibromètres laser\, des caméras acoustiques\, des micros paraboliques\, des caméras de chasse et des instruments d’optique scientifiques afin de bâtir une expérience sensorielle à même de redistribuer l’attention à travers le champ du vivant. Les cliquetis des crustacés\, les coassements sous-marins des grenouilles\, le frottement des roseaux et la pression lointaine des interférences humaines sont traités horizontalement. De même\, l’image se refuse à toute hiérarchie conventionnelle. Elle n’isole pas le spectacle\, n’organise pas le monde autour d’un point de vue privilégié. Les animaux\, les plantes\, les racines\, les courants\, les branches et les scientifiques évoluent dans un champ d’attention égalisé où aucune forme de vie ne domine l’autre. La redistribution de la perception n’est pas que formelle\, elle est aussi éthique. Delta envisage le film comme un médium de contact : un moyen d’approcher d’autres modes de vie sans les réduire à des catégories humaines. Le son et l’image deviennent les instruments de l’attention\, rendant perceptible un monde où les espèces\, les corps et les environnements sont poreux les uns aux autres ; un monde où la vie et la mort se déploient à travers des transformations perpétuelles. En ce sens\, l’œuvre de Verena Paravel résonne avec la bioacoustique\, l’éco-acoustique et l’acoustémologie tout en allant au-delà des frontières disciplinaires afin de poser la question de ce que peut appréhender le cinéma. Présenté sous la forme d’une projection monumentale de huit mètres de long avec un son multicanal\, Delta propose une rencontre immersive avec les multiples réalités de la Camargue. L’œuvre prolonge la réflexion radicale de Verena Paravel autour d’une redéfinition de la forme documentaire et place Cosmofonia parmi les recherches actuelles les plus passionnantes quant à la capacité de l’art à nous mettre au diapason d’un monde composé d’une pluralité de voix\, de rythmes et de façons d’habiter la Terre.\nExposition organisée par : Vassilis Oikonomopoulos\, Directeur artistique et Colette Angeli\, Assistante curatrice
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SUMMARY:Kazuo Kitai : l'éloge du quotidien. Soixante ans à photographier le Japon
DESCRIPTION:Le photographe Kazuo Kitai est l’un des grands maîtres de la photographie japonaise\, pourtant encore peu connu en Europe. Depuis les années 1960\, il documente la société japonaise « de l’intérieur » : mouvements étudiants\, luttes paysannes\, villages voués à disparaître\, banlieues en plein essor\, instants ordinaires… Cette rétrospective permet ainsi de saisir l’évolution d’un regard profondément humaniste\, attentif aux transformations du Japon et à la mémoire de ceux qui l’habitent. À travers près de 130 tirages\, elle offre une traversée complète de son œuvre\, depuis les séries militantes des années 1960-1970 jusqu’à ses travaux les plus récents réalisés chez lui.  \nL’exposition s’articule autour de quatre sections : la première Se révolter / Sanrizuka\, Résistance\, Barricades\, revient sur les débuts de Kitai notamment au travers de ses séries sur les luttes étudiantes. Puis avec La vie à la campagne / Paysages vaguement familiers\, Vers les villages\, le visiteur est immergé dans la mélancolie de la campagne japonaise des années 1970. La troisième section intitulée Vivre en milieu urbain / Funabashi Story\, Histoires de Shinsekai donne à appréhender le quotidien de la classe moyenne dans les villes-dortoirs de la banlieue de Tokyo dans les années 1980\, ainsi que le quartier populaire de Shinsekai à Osaka. L’exposition se clôture par une section dédiée à un travail plus intimiste du photographe (Promenades avec mon Leica) et sur l’une de ses dernières séries\, IROHA\, qui témoigne de sa capacité intacte à se renouveler à 80 ans. \nCommissariat : Satomi Fujimura (Tokyo Metropolitan Foundation for History and Culture\, Arts Council Tokyo)
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LOCATION:Maison de la culture du Japon\, 101 bis quai Branly\, Paris 15\, Paris\, 75015\, France
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SUMMARY:Sorolla. Maître de la Lumière
DESCRIPTION:La Collection Bemberg présente une exposition mettant à l’honneur l’un des plus célèbres peintres espagnols : Joaquín Sorolla !
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LOCATION:Fondation Bemberg\, Hôtel d’Assézat - Place d’Assézat\, Toulouse\, Haute-Garonne\, 31000\, France
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SUMMARY:Trésors de laine et de soie : Guillaume Werniers & Catherine Ghuys\, manufacturiers de tapisseries à Lille au 18e siècle
DESCRIPTION:L’exposition « Trésors de laine et de soie. Les tapisseries de Guillaume Werniers & Catherine Ghuys à Lille au 18e siècle »\, fera découvrir pour la première fois un fonds de tapisseries exceptionnelles du Musée de l’Hospice Comtesse et du Palais des Beaux-arts de Lille.\nLe Musée de l’Hospice Comtesse et le Palais des Beaux-arts ont la chance d’abriter des fonds uniques de tapisseries du 18e siècle. Ces tapisseries évoquent le grand passé textile de Lille\, qui connaît à l’époque un fort essor économique. La Manufacture Werniers était l’une des plus importantes du Nord de l’Europe. \nMonumentales\, ces tapisseries nécessitaient des mois de fabrication. Arborant différents thèmes et motifs\, dont de fameuses scènes champêtres\, elles constituaient des objets de luxe et d’apparat\, prisés par les aristocrates\, la nouvelle bourgeoisie\, ou encore\, les communautés religieuses. Leur présentation promet donc d’être spectaculaire. \nGrandes\, fragiles\, complexes à exposer en raison de leur poids et de leur sensibilité à la lumière\, ces tapisseries ont fait l’objet d’une importante restauration\, subventionnée par la DRAC des Hauts-de-France\, de 2023 à 2026. Cette exposition permettra de les dévoiler dans tout leur éclat originel\, mais aussi de partager l’actualité de la recherche sur ces textiles rares.
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LOCATION:Musée de l’Hospice Comtesse\, 32 rue de la Monnaie\, Lille\, Nord\, 59800\, France
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SUMMARY:Tête-à-tête
DESCRIPTION:Autour des œuvres emblématiques de la collection\, ce parcours éclectique met en lumière les mille et une richesses du musée des Beaux-Arts de Tourcoing et offre un véritable « tête-à-tête » avec l’un des fonds artistiques les plus riches de la métropole lilloise. \nLes artistes originaires des Flandres\, toutes époques confondues (des Rousseaux\, Bouillon\, Seghers\, Carolus-Duran\, Eugène Leroy…) sont bien représentés parmi d’autres maîtres de l’histoire de l’art occidentale (Rembrandt\, Piranèse\, Corot\, Fautrier) et des artistes contemporains de renom tels que Martin Barré\, Sol LeWitt ou Georg Baselitz. Peintures\, dessins\, estampes et sculptures\, datés du 17e siècle à nos jours\, forment une collection singulière commencée il y a plus de 150 ans\, vers 1860 et enrichi au fil du temps au gré des achats\, des dons et dépôts d’artistes et de particuliers. \nLes trois principaux espaces du musée offrent différents aperçus complémentaires : dans la première galerie\, un accrochage chronologique fait cheminer le regard du 17e siècle à nos jours au gré des écoles et des genres artistiques. Une salle est dévolue à l’œuvre d’Eugène Leroy (1910-2000)\, peintre\, dessinateur et graveur\, né à Tourcoing\, qui a construit une œuvre aussi prolifique qu’inclassable\, reconnue à l’international dans les années 1980-1990. \nDans la seconde galerie\, le rapport entre mouvement et immobilité  est le fil conducteur d’un accrochage thématique qui mise sur un dialogue sensible des formes et des couleurs. Enfin\, dans les espaces plus intimistes de l’étage du musée\, une sélection d’estampes du riche fonds d’arts graphiques côtoie le grand dessin mural de Sol LeWitt. \nLa collection singulière du MUba Eugène Leroy se révèle avec force dans l’écrin architectural de l’ancien hôtel particulier\, lieu d’inspiration et d’expérimentation pour les artistes et les visiteurs.
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LOCATION:MUba Eugène Leroy\, 2 rue Paul Doumer\, Tourcoing\, Nord\, 59200\, France
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SUMMARY:Tursic & Mille : Dissonances à géométries variables
DESCRIPTION:Carré d’Art – Musée d’art contemporain consacre une exposition majeure à Ida Tursic & Wilfried Mille\, dont la pratique en duo\, développée depuis plus de vingt ans\, interroge de manière frontale les conditions d’existence de la peinture dans un monde saturé d’images. Leur travail ne cherche ni à préserver le médium\, ni à en affirmer la pureté\, mais à l’exposer à l’excès\, à la collision et à la dissonance
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LOCATION:Carré d’Art – Musée d’Art Contemporain\, place de la Maison Carrée\, Nîmes\, Gard\, 30000\, France
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SUMMARY:Sea\, Pop and Sun
DESCRIPTION:La Fondation Carmignac présente Sea\, Pop & Sun\, une ode éclatante à la liberté et à la vitalité des années 1960 et 1970\, à travers l’invocation de l’esprit Pop. À la Villa Carmignac\, nichée entre les pins et la mer\, se déploie un Pop Art solaire\, sensuel et planant qui\, jusqu’à aujourd’hui\, continue de diffuser son énergie électrique.\nL’exposition revient sur un moment historique où l’émergence de nouveaux mouvements sociaux\, l’évolution des mœurs et l’essor de la société de loisirs ont profondément transformé la vie quotidienne et la culture visuelle.
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LOCATION:Fondation Carmignac\, Piste de la Courtade\, Hyères\, Var\, 83400\, France
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SUMMARY:De tous bois : Ébénistes Hache & création contemporaine
DESCRIPTION:Établis à Grenoble au 18e siècle\, les ébénistes Hache ont meublé les plus belles demeures dauphinoises et acquis une renommée jusqu’à Paris\, laissant un héritage exceptionnel de savoir-faire et d’élégance\, témoin des modes de vie au siècle des Lumières. \nLe Musée dauphinois s’attache depuis longtemps à faire connaître cette dynastie\, dont il conserve de nombreuses pièces remarquables. Pour sa nouvelle exposition\, le musée propose un regard inédit : faire dialoguer ces chefs-d’œuvre avec des créations contemporaines. \nGrâce à une donation majeure au Département de l’Isère – la collection Stephan Jouanneau – et à une collaboration exceptionnelle avec le Musée des Arts décoratifs de Paris\, l’exposition dévoile des pièces inédites\, mises en résonance avec des œuvres de créatrices et créateurs de renom de notre temps. \nPortant une attention particulière à la valorisation des savoir-faire novateurs ou inspirés des pratiques anciennes\, l’exposition sera accompagnée d’une résidence de création pour mettre à l’honneur les talents isérois d’aujourd’hui. Cette résidence aboutira à la réalisation d’une pièce originale d’ébénisterie\, qui rejoindra l’exposition à partir de septembre 2026. Un cycle d’animations accompagnera toute la durée de l’exposition avec de nombreux invités\, experts dans des domaines variés\, qui auront l’occasion de partager leurs visions.
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LOCATION:Musée Dauphinois\, 30\, rue Maurice Gignoux\, Grenoble\, Isère\, 38031
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SUMMARY:Le passage de Vénus
DESCRIPTION:La Vénus d’Arles rend visite à son public au musée départemental Arles antique\, grâce à un prêt exceptionnel du musée du Louvre.\nExposition ayant obtenu le label “Exposition d’intérêt national” avec le soutien exceptionnel de l’état – ministère de la Culture et de la Communication. \nL’admirable sculpture connue sous le nom de Vénus d’Arles est l’un des puissants échos de l’œuvre de Praxitèle\, ce sculpteur grec qui\, au IVe siècle avant notre ère\, osa révéler la nudité d’Aphrodite. Réalisée au Ier siècle avant notre ère\, cette remarquable copie romaine fut découverte à Arles en 1651 dans les ruines du théâtre antique\, un événement qui passionna immédiatement les connaisseurs. D’abord identifiée comme Diane\, elle fut rebaptisée\, à raison\, Vénus par Louis XIV\, qui souhaita se la faire offrir par la ville et l’accueillir à Versailles. Conservée au Louvre depuis plus de deux siècles\, aujourd’hui installée à proximité de la Vénus de Milo\, elle demeure l’une des œuvres phares du musée. \nCette œuvre exceptionnelle sera présentée dans une exposition coproduite par le musée départemental Arles antique et le musée du Louvre. Elle sera entourée d’un cortège de chefs-d’œuvre de diverses époques\, d’antiques Aphrodite ou de plus modernes\, peintes par Gustave Moreau\, photographiées par Man Ray ou détournées par Andy Warhol\, illustrant le prestige persistant de Vénus et les pouvoirs qu’elle continue d’incarner. \nCe prêt exceptionnel du musée du Louvre\, accompagné de près de quatre-vingts œuvres majeures dont trente-trois choisies dans ses propres collections\, ainsi que la scénographie conçue par Nathalie Crinière\, font de cette exposition un événement. Y sont rassemblés des objets issus de techniques et d’époques variées\, de l’Antiquité à nos jours.
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LOCATION:Musée départemental Arles Antique\, Presqu'île du Cirque Romain\, Arles\, Bouches-du-Rhône\, 13200
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SUMMARY:Art aborigène : Le temps du rêve
DESCRIPTION:Les aborigènes d’Australie sont détenteurs de la culture continue la plus ancienne du monde. Ses origines remontent à plus de 65 000 ans !  Restée secrète pendant des dizaines de milliers d’années\, cette culture s’est révélée au monde à travers des peintures sur toile à partir du milieu du XXe siècle. \nLe Musée de Lodève vous invite à découvrir des œuvres hypnotiques. Cet art dévoile tout un système de connaissance\, un modèle de vie où l’humain ne possède pas la Terre\, mais vit en harmonie avec elle. \nLe Temps du rêve désigne le récit mythologique fondateur des aborigènes. Il raconte l’époque où les ancêtres ont façonné le monde et établi les lois encore en vigueur aujourd’hui. \nLes peintures et sculptures présentées\, créées entre 1990 et 2020\, sont issues de la collection Alison et Peter W. Klein et proviennent de différentes régions d’Australie. Les visiteurs pourront admirer des œuvres emblématiques de centres artistiques majeurs tels que Papunya et Maningrida\, ainsi que des créations d’artistes renommés comme Ronnie Tjampitjinpa\, Mick Namarari Tjapaltjarri\, Yukultji Napangati et Doreen Reid Nakamarra.
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LOCATION:Musée de Lodève\, Square Georges Auric\, Lodève\, Hérault\, 34700\, France
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SUMMARY:Philippe Decrauzat : Intercisio
DESCRIPTION:L’exposition Intercisio de Philippe Decrauzat réunit un ensemble d’œuvres des quinze dernières années qui examinent la vision comme un champ d’opérations\, plutôt qu’un simple acte d’observation.\nL’exposition réunit un ensemble d’œuvres des quinze dernières années qui examinent la vision comme un champ d’opérations\, plutôt qu’un simple acte d’observation. Le parcours orchestre une déambulation\, dans laquelle les peintures et les projections génèrent des glissements d’intensité : bascules d’échelle\, variations lumineuses\, instabilité des seuils de visibilité. Fonctionnant comme une expérience active de la construction du visible\, les motifs récurrents du travail de Philippe Decrauzat – damier\, labyrinthe\, trame\, grille\, dégradé – composent une traversée mobilisant différents états d’attention\, où l’articulation des formes et des références visuelles prend la forme d’une expérience physique.
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LOCATION:Musée Régional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon\, 146 Avenue de la Plage\, Sérignan\, Hérault\, 34410\, France
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SUMMARY:Brice Dellsperger : Biche et Sara dans « Le cours des choses »
DESCRIPTION:À travers un nouveau film inédit issu de sa série emblématique Body Double\, l’artiste Brice Dellsperger poursuit une recherche engagée depuis trente ans autour des notions de genre\, de travestissement\, de simulacre et de construction des identités. Conçu spécifiquement pour le Mrac (tourné dans l’espace d’exposition du Frac Occitanie Montpellier en janvier 2026) et déployé sous la forme d’une installation vidéo immersive à écrans multiples\, ce nouveau film prend sa source dans les scènes de bagarre féminine de la série télévisée américaine Dynasty.
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LOCATION:Musée Régional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon\, 146 Avenue de la Plage\, Sérignan\, Hérault\, 34410\, France
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SUMMARY:Racines :  exposition des résidents de la Fondation suisse
DESCRIPTION:À la Cité internationale universitaire de Paris\, une question revient souvent lors des premières rencontres : « D’où viens-tu ? ».\nDerrière cette simple question se cachent des histoires\, des parcours\, des cultures multiples. On échange\, on découvre\, on se rapproche… et l’on réalise qu’au sein d’un même pays\, les différences sont riches et nombreuses. \nCette exposition est une invitation à plonger au cœur de cette diversité : qui sont ces étudiant.es venu.es d’ici et d’ailleurs ? Comment se tissent les liens entre eux\, au quotidien\, dans ce lieu unique de vie et de partage ?
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LOCATION:Fondation Suisse – Pavillon Le Corbusier\, 7\, boulevard Jourdan  - Cité universitaire\, Paris\, Paris\, 75014
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SUMMARY:Shin Sung-Hy : Coller\, couturer\, nouer
DESCRIPTION:Dans le cadre de la célébration du 140e anniversaire des relations diplomatiques entre la France et la Corée\, le musée Cernuschi vous propose de découvrir\, à l’occasion d’une exposition monographique\, une trentaine d’oeuvres de l’artiste coréen Shin Sung Hy (1948-2009).
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LOCATION:Musée Cernuschi\, Hôtel particulier - 7 avenue Vélasquez\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Noa Eshkol (1924-2007) : Danse et compositions
DESCRIPTION:Le mahJ présente la première exposition en France consacrée à l’artiste israélienne Noa Eshkol (Degania\, 1924 – Holon\, 2007). Pionnière de la danse moderne\, chorégraphe\, elle fut aussi une prodigieuse artiste textile. L’exposition met en lumière son œuvre des années 1950 aux années 2000\, de ses compositions chorégraphiques à ses célèbres Wall carpets\, à travers dessins\, photographies et vidéos.
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LOCATION:Musée d’Art et d’Histoire du Judaïsme\, Hôtel de Saint-Aignan - 71\, rue du Temple\, Paris\, Paris\, 75003\, France
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SUMMARY:Thierry Lefort présenté par Yoyo Maeght
DESCRIPTION:Du 15 avril au 19 juillet (mercredi\, samedi et dimanche de 13h à 18h) découvrez le travail de l’artiste Thierry Lefort à la Maison de Fer \nPour faire suite à la réalisation de sa fresque monumentale\, située sur le pôle gare (financée par GPSEO dans le cadre du projet Un mur\, une œuvre) la ville de Poissy invite Thierry Lefort et la Galeriste Yoyo Maeght à investir la salle d’exposition du premier étage de la Maison de Fer pour un exposition temporaire.\nL’artiste y présentera les coulisses de la réalisation de son film « The Stetson »\, tourné à Los Angeles autour de la piscine du célèbre Georgian Hotel de Santa Monica (Californie).\nLe film y sera présenté en avant-première ainsi qu’une trentaine d’œuvres préparatoires (dessins\, toiles\, photos…).\nLe public pourra également découvrir les esquisses et dessins originaux de la fresque de Poissy.\nUne plongée inédite dans le travail de cet artiste peintre singulier racontée par lui au moyen d’un dispositif d’audioguide immersif. \nThierry Lefort  \nThierry Lefort s’est emparé de la peinture dès l’âge de douze ans dans un élan instinctif\, vierge de tout apprentissage théorique. Cette première rencontre avec les crayons et les pastels fut une révélation immédiate\, lui permettant de forger sa propre manière d’appréhender la lumière\, les couleurs et la beauté du monde. Ce parcours autodidacte s’est enrichi plus tard par la pratique de la calligraphie chinoise dans la province du Henan\, une expérience déterminante qui a conféré à son travail une netteté du trait et une discipline du geste devenues aujourd’hui sa signature. L’œuvre de Thierry Lefort incarne une véritable « Renaissance de la Figuration »\, marquée par une quête de simplicité\, d’élégance et de spiritualité. S’inscrivant dans la lignée de Paul Cézanne\, qu’il admire profondément\, l’artiste ne cherche pas la copie servile de la nature mais la réalisation de ses propres sensations. Pour lui\, l’acte de peindre exige une obéissance telle qu’il confine à l’hypnose\, arrachant le peintre à sa propre personne jusqu’à faire disparaître le temps et le monde environnant. À travers ses toiles\, il invite ainsi le spectateur à atteindre ses propres ressentis profonds. \nLa force de sa démarche réside dans sa capacité à transcender le monde industriel et urbain. Peignant « sur le motif »\, Thierry Lefort explore des lieux souvent délaissés par le regard artistique\, tels que des gares\, des usines\, des ponts ou de simples parkings. S’il choisit de ne pas représenter l’humain\, sa présence y est toujours soupçonnée. L’artiste ne livre pas une image fidèle du décor ; le sujet n’est pour lui qu’un alibi\, le point de départ d’une composition complexe où les masses et les couleurs sont contraintes à un équilibre parfait\, offrant un regard résolument enthousiaste et optimiste sur notre quotidien. \nSa carrière a pris une dimension internationale majeure sous l’impulsion de sa collaboration avec Yoyo Maeght\, débutée à Paris en septembre 2021. Ce partenariat a rapidement donné lieu à des éditions d’estampes très recherchées\, avant de s’étendre à la scène américaine en 2022. Invitée par la ville de Burbank\, capitale mondiale des médias au cœur du comté de Los Angeles\, Thierry Lefort y a réalisé une œuvre monumentale de plus de 150 m². Durant ce séjour californien\, il a également exploré le contraste des échelles en créant la série Hualapaï dans le Grand Canyon\, peignant l’immensité sur des formats minuscules alors qu’il achevait son mur géant\, un processus créatif intégralement filmé pour un futur documentaire. L’actualité récente de l’artiste témoigne d’une effervescence continue\, marquée par l’inauguration de son nouvel atelier en juin 2023 lors de journées de rencontre privilégiées avec son public. L’année 2024 s’ouvre sous le signe d’une consécration parisienne avec une nouvelle exposition organisée par Yoyo Maeght. Présentant un ensemble de peintures\, d’œuvres sur papier et d’estampes\, cet événement bénéficie de l’éclairage littéraire de l’écrivain Jean-Christophe Grangé\, dont le texte accompagne cette présentation et souligne la profondeur intellectuelle de l’univers de Thierry Lefort.\nhttps://www.thierrylefort.com/ \nYoyo Maeght \nHéritière d’une lignée qui a façonné l’histoire de l’art du XXe siècle\,Yoyo Maeght a grandi dans l’intimité des plus grands créateurs\, de Miró à Giacometti en passant par Chagall et Prévert. De cette enfance passée dans l’effervescence des vernissages entre Paris\, Saint-Paul-de-Vence et New York\, elle a puisé une sensibilité artistique unique et une expertise rare. Petite-fi lle d’Aimé Maeght\, le visionnaire fondateur de la Fondation Maeght\, elle a hérité de son audace et de sa détermination\, occupant successivement les fonctions d’administratrice de la Fondation Marguerite et Aimé Maeght\, de la Galerie Maeght et de PDG de Maeght Éditeur. \nAujourd’hui figure incontournable du monde de l’art\, elle déploie une activité polymorphe en tant que galeriste\, éditrice et commissaire d’expositions. Son influence dépasse largement les frontières françaises : pionnière\, elle fut la première à organiser des expositions de maîtres tels que Braque ou Calder en Tchécoslovaquie avant la chute du Mur de Berlin\, et à introduire Miró en Turquie. Avec plus de cinquante expositions internationales à son actif\, elle collabore avec les institutions les plus prestigieuses\, du Centre Pompidou à la Royal Academy de Londres\, jusqu’aux grands musées de Pékin et Shanghai. Son talent pour la mise en scène et la communication a notamment permis à l’exposition « Giacometti & Maeght » de devenir le plus grand succès historique de la Fondation Maeght. \nAu-delà de l’organisation d’événements\, Yoyo Maeght est une passeuse de savoir engagée. Auteure de plusieurs ouvrages\, dont le best-seller La Saga Maeght où elle retrace avec émotion et lucidité l’épopée de sa famille\, elle est également co-auteure d’un documentaire de référence diffusé sur Arte. Très présente sur les réseaux sociaux\, elle partage sa passion avec une vaste communauté d’internautes\, tout en transmettant son expertise au sein d’écoles renommées comme l’IESA\, l’ICART ou la Sorbonne. Cette femme d’action a mené en parallèle une carrière de magistrate consulaire au Tribunal de Commerce de Paris\, une fonction qu’elle a exercé avec une spécialisation dans le traitement des difficultés des entreprises et la médiation. Son parcours d’exception\, à la croisée du mécénat privé et du service public\, a été salué par de nombreuses distinctions\, dont le titre de Chevalière de l’ordre national du Mérite et celui de l’ordre des Arts et des Lettres\, la médaille de la Ville de Paris ainsi que le Prix Montblanc de la Culture.\nhttps://yoyomaeght.com/ \n 
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LOCATION:Maison de Fer\, 2 ter Allée des Glaieuls - Parc Meissonnier\, Poissy\, Yvelines\, 78300\, France
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SUMMARY:Michel-Ange / Rodin – Corps vivants
DESCRIPTION:Deux maîtres de la sculpture occidentale dialoguent à travers les siècles : Michel-Ange et Rodin. Leurs œuvres\, qui incarnent la force du corps et la profondeur de l’âme\, se rencontrent dans une confrontation inédite où se révèlent continuités comme ruptures. En montrant filiations\, emprunts et détournements\, l’exposition propose une lecture sensible des mythes des deux artistes et invite à repenser la sculpture comme un laboratoire d’innovations artistiques.
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LOCATION:Musée du Louvre\, Entrée principale : Pyramide (cour Napoléon)\, Paris 1er\, Paris\, 75001
CATEGORIES:Expositions Temporaires
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SUMMARY:Open Space #18 : Armineh Negahdari
DESCRIPTION:Dans le cadre de son programme Open Space\, la Fondation Louis Vuitton présente\, en galerie 8\, la première exposition personnelle d’Armineh Negahdari (1994\, Iran) dans une institution française. Diplômée de l’Université de Téhéran et de l’École Supérieure d’Art de Clermont-Ferrand\, elle est  aujourd’hui installée à Bordeaux où elle  développe une pratique centrée sur le dessin. Pour cette exposition\, l’artiste présente un ensemble inédit de dessins de formats variés\, réalisés au cours des derniers mois. \nPour Armineh Negahdari\, le dessin est plus qu’un langage : c’est une expérience\, une manière de vivre qui répond à une urgence\, à un besoin immédiat. Elle travaille sans planification préalable\, dans l’intensité d’un flux où la main\, guidée par l’intuition et l’hésitation\, précède l’idée : le trait surgit\, porté par un engagement physique qui fait naître des images aussi fortes que fragiles\, à la recherche de ce qu’elle décrit comme « une physicalité aussi crédible qu’un corps\, aussi puissante qu’une montagne ». \nChaque support – papier\, carton\, toile – devient le théâtre d’une tension entre ce qui oppresse et ce qui résiste. Marques\, reprises\, frottements\, effacements enregistrent l’énergie du geste autant que l’image elle-même. Traversés par des forces contraires\, traits\, lignes et points – tracés au fusain\, au pastel gras\, au graphite ou à la peinture à l’huile – sont saisis en plein élan\, dans une émotion brute où affleurent désir\, vulnérabilité et résistance. \nOmniprésente\, la figure humaine est instable\, changeante\, parfois disloquée ne couvrant quelquefois qu’une infime partie de la feuille\, le reste de la surface demeurant vierge. Les silhouettes d’Armineh Negahdari témoignent plutôt qu’elles ne racontent : équivoques\, traversées de tensions\, sans résolution narrative\, en équilibre entre lumière et ombre. \nL’artiste se méfie de la certitude des mots et revendique une forme d’indicible proche de la poésie — non pour illustrer\, mais pour éprouver : ses images déclenchent une émotion\, font surgir des visions où les formes mouvantes « passent du corps humain au fruit\, puis au paysage\, en passant par l’animal. Tout peut se métamorphoser sous nos yeux : une tête devient une figue\, une montagne se change en un sein\, des mains deviennent des ailes qui deviennent des fleurs. Les mots altèrent les images. Si je devais choisir\, je privilégierais toujours l’image ». Son travail s’inspire de multiples références mais reste toujours ancré dans le présent et l’expérience de la vie. \nL’exposition d’Armineh Negahdari est présentée en partenariat avec le S.M.A.K. à Gand\, qui présentera une exposition personnelle de l’artiste en 2027. \nArmineh Negahdari (1994\, Téhéran\, Iran)\nVit et travaille à Bordeaux\, France.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8 avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:La poudre et l’encre : une conversation avec Patrick Boucheron
DESCRIPTION:La bibliothèque de l’Arsenal expose une sélection exceptionnelle de pièces issues de ses collections\, choisies par l’historien Patrick Boucheron pour nourrir un dialogue avec les conservateurs de la bibliothèque sur le thème des livres et de la violence.
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SUMMARY:Kàroly Ferenczy\, Modernité hongroise
DESCRIPTION:Károly Ferenczy (1862-1917) est une figure majeure de la modernité en Europe centrale. Son œuvre l’impose comme l’un des grands peintres du tournant des XIXe et XXe siècles. Par cette première rétrospective française\, le Petit Palais entend mettre en lumière son originalité fondamentale. Membre fondateur d’une colonie d’artistes installée au coeur de la nature hongroise\, Ferenczy fait de la peinture de plein air l’une de ses pratiques les plus emblématiques.
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Caroline Bouyer / Ariane Fruit : Mémoires du paysage
DESCRIPTION:Le musée d’Art et d’Histoire Louis-Senlecq organise du 12 avril au 20 septembre 2026\, une exposition temporaire consacrée à l’œuvre gravé et dessiné de Caroline Bouyer et d’Ariane Fruit. \nLes gravures de Caroline Bouyer\, représentant les abords de voies ferrées\, les chantiers parisiens\, les portes du périphérique ou encore les hauts fourneaux de Dunkerque\, entrent en dialogue avec les œuvres d’Ariane Fruit\, qui évoquent des vues nocturnes de Paris\, les paysages de la petite ceinture et l’interminable rue de Rome. \nLes espaces industrialo-urbains\, laissent ensuite place à l’immensité des forêts canadiennes et aux plages et falaises normandes\, dessinées et gravées par Ariane Fruit. L’exposition se poursuit avec les dessins gravures de Caroline Bouyer où le végétal côtoie le minéral dans de savantes compositions oniriques. \nÀ travers ce parcours réunissant plus d’une centaine d’œuvres\, les deux artistes offrent une réflexion croisée sur la transformation des territoires et la mémoire des lieux\, entre observation documentaire et imaginaire poétique.
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SUMMARY:Quino
DESCRIPTION:« … Quino n’est pas QUE Mafalda ! C’est un artiste complet\, brillant\, piquant\, universel. Avec une centaine d’œuvres présentées\, le musée vous propose d’entrer de plain-pied dans l’univers de ce créateur. »\nVenez découvrir les dessins de l’artiste et ses réflexions sur les réalités contemporaines.
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LOCATION:MUSÉE PEYNET ET DU DESSIN HUMORISTIQUE\, Place nationale\, Antibes\, Alpes-Maritimes\, 06600
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SUMMARY:ALFRED MANESSIER\, TRAVERSER LE MONDE
DESCRIPTION:Du 12 avril au 11 octobre 2026\nOuverture de l’exposition le 11 avril à 18h30\nLAAC\, Lieu d’Art et Action Contemporaine de Dunkerque \nLa peinture d’Alfred Manessier s’élabore dans un dialogue constant avec son temps. Nourrie par ses engagements\, par les paysages d’eau de la Picardie et du Nord\, et par une réflexion constante sur le sacré\, son œuvre répond à ce qu’il nomme la « provocation » du monde\, confiant à la couleur et au geste l’expression d’une expérience sensible du réel\, attentive aux bouleversements de l’histoire comme aux résonances plus intimes. \nLe LAAC conserve un ensemble d’œuvres majeures réalisé entre la fin des années 1960 et la fin des années 1970\, qui entre dans cette exposition en dialogue avec d’autres moments de la production de l’artiste\, en lien principalement avec les collections du musée Boucher de Perthes – Manessier d’Abbeville. Paysages d’eau\, recherche de la lumière\, engagement face aux injustices et dimension spirituelle en constituent les lignes de force. \nOriginaire des Hauts-de-France\, Alfred Manessier occupe une place majeure dans l’art de la seconde moitié du XXe siècle. La foi\, le tragique et l’espérance sont indissociables dans son œuvre d’une manière d’être au monde\, lucide et habitée. \nCommissariat : Sophie Warlop\, directrice des musées de Dunkerque\, en collaboration avec le musée Boucher de Perthes-Manessier d’Abbeville et avec le soutien de Christine Manessier.
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LOCATION:Laac\, Lieu d’Art et Action Contemporaine\, 302 avenue des Bordées\, Dunkerque\, Nord\, 59140\, France
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SUMMARY:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
DESCRIPTION:Bartholdi\, Champollion et le sphinx : Monuments publics en débat
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LOCATION:MUSÉE CAMILLE CLAUDEL\, 10\, rue Gustave Flaubert\, Nogent-sur-Seine\, Aube\, 10400
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