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SUMMARY:« J’ai rêvé la Montagne » GRATALOUP peintre
DESCRIPTION:L’exposition « J’ai rêvé la Montagne » s’apprête à tirer sa révérence ! Jusqu’au mercredi 9 avril 2025 au soir\, le musée GRATALOUP invite les visiteurs à plonger dans cet univers onirique où la montagne devient une métaphore du chemin de vie. Si vous ne l’avez pas encore visitée\, il est temps de venir la découvrir avant qu’elle ne laisse place à la prochaine saison du musée. \nCette exposition\, totalement scénographiée en français et en anglais\, est une immersion visuelle et sonore unique. Le parcours est enrichi de podcasts captivants destinés aussi bien aux enfants qu’aux adultes\, offrant une approche pédagogique et sensorielle inédite. Le son et lumière\, d’une majesté absolue\, sublime les œuvres de GRATALOUP et transporte les visiteurs dans un voyage hors du temps. \nL’exposition d’Antoinette Rozan\, présentée dans le jardin du musée\, fermera également ses portes à cette date pour laisser place à la 7ème saison du musée GRATALOUP\, « La Couleur de l’Eau – Souviens-toi de demain »\, qui ouvrira prochainement ses portes.
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SUMMARY:Exposition Photographique : Portraits Insolites
DESCRIPTION:Frédérique  Longrée (Belgique) \, Aurélia Cheret et Gérard Tillaud (Ile-de France). \nLes trois photographes ont un point commun : celui de transporter le portrait dans un univers insolite où l’image fait appel à l’imaginaire.\nDu samedi 16 au dimanche 17 novembre 2024 de 10h à 18h.  Du samedi 23 au dimanche 24 novembre 2024 de 10h à 18h.
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SUMMARY:Le voyage continue\, Habib Hasnaoui
DESCRIPTION:Exposition de peintures et sculptures – Habib Hasnaoui est un artiste peintre\, dont le travail s’inscrit dans le courant de l’art contemporain. \nNé en Algérie\, Habib Hasnaoui puise son inspiration dans la richesse de son patrimoine culturel et dans la beauté des paysages de son pays natal. Son approche artistique est un mélange harmonieux entre tradition et modernité\, ce qui lui permet de créer des œuvres qui reflètent à la fois son attachement à ses racines et son ouverture à des techniques picturales contemporaines. \nLes œuvres de Habib Hasnaoui se caractérisent par une utilisation vibrante des couleurs\, un souci du détail\, et une recherche constante de nouvelles formes d’expression. Ses toiles révèlent un jeu subtil entre abstraction et figuration\, invitant le spectateur à une immersion visuelle et émotionnelle. À travers ses œuvres\, Habib Hasnaoui transmet une vision poétique et dynamique\, tout en explorant des questions universelles qui résonnent au-delà des frontières.   \nDurant l’exposition sera présentée « La valise d’Habib »\, sculpture créée par Monsieur Hasnaoui. Découvrez le clip officiel retraçant l’histoire de la valise\, chanson composée et interprétée par l’artiste Jérôme Pinel sur www.jerome-pinel.fr\nLa valise d’Habib est bien plus qu’un simple bagage. Elle est le symbole d’un voyage\, d’un parcours personnel souvent difficile\, marqué par l’exil\, l’aventure\, et la découverte. Elle porte en elle des souvenirs d’une vie passée\, des fragments d’identité\, et des rêves d’avenir. Cette valise n’est pas simplement remplie de vêtements ou d’objets du quotidien\, mais de tout un monde intérieur\, une mémoire vivante que l’on transporte avec soi. Pour Habib\, chaque objet a un sens profond\, relié à des souvenirs particuliers\, des instants figés dans le temps. Chaque fermeture de sa valise est une promesse de retour\, mais aussi de départ\, un mouvement perpétuel entre ce qu’il était et ce qu’il souhaite devenir. La valise d’Habib Hasnaoui est ainsi une métaphore de l’identité mouvante\, de la résilience face aux changements\, et de la capacité humaine à s’adapter tout en restant profondément attaché à ses racines.
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LOCATION:Galerie Jérome Morcillo\, Rue de l'Hôtel de Ville 26\, Albi\, Tarn\, 81000\, France
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SUMMARY:Valerio Adami
DESCRIPTION:Du 9 novembre au 21 décembre 2024\, la galerie Templon Bruxelles présente pour une nouvelle exposition le peintre Valerio Adami. L’artiste figure emblématique du paysage artistique contemporain a su marquer son époque par une approche singulière de la peinture\, où le graphisme et les couleurs vives se conjuguent pour donner naissance à une iconographie complexe. \nFormé à l’école des beaux-arts de Milan\, il a rapidement su se distinguer par un style résolument narratif\, qui s’inscrit dans la lignée du pop art tout en puisant dans la tradition classique. Adami nous transporte dans un univers où les lignes tranchées délimitent des aplats de couleur\, évoquant une réalité fragmentée et pourtant ordonnée. Ses œuvres\, souvent allégoriques\, explorent les tensions entre l’individu et le monde qui l’entoure\, tout en questionnant la mémoire\, l’histoire et l’identité. \nAujourd’hui\, l’œuvre de Valerio Adami conserve toute sa pertinence\, dans un contexte où l’art contemporain s’interroge sur le sens de la figuration et sur la place de l’artiste dans une société en constante mutation. Les thèmes récurrents de l’exil\, de la séparation et de la transformation\, présents dans son travail\, résonnent de manière particulière à notre époque de bouleversements sociaux et culturels. De plus\, son esthétique reconnaissable\, alliant rigueur formelle et puissance symbolique\, continue d’influencer de nombreux créateurs\, conférant à Adami une place incontournable dans le panorama de l’art moderne et contemporain.
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LOCATION:Galerie Templon Bruxelles\, 13A rue Veydt\, Bruxelles\, 1060\, Belgique
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SUMMARY:David Meskhi : Our Son\, My Moon
DESCRIPTION:David Meskhi (1979) photographie depuis une vingtaine d’années de jeunes athlètes qui semblent échapper aux lois de la gravité pendant leurs entraînements. Les corps\, captés dans des figures acrobatiques ou dans leur chute\, prennent forme par des jeux de lumière et de composition orchestrés au sein des gymnases\, dont les hautes architectures offrent un rapport vertigineux à l’espace. Silhouettes flottant dans les airs\, visages affichant une certaine mélancolie au repos\, environnement sportif aux couleurs saturées confèrent aux images un aspect irréel dans un temps suspendu.
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne\, Rue Fernand Léger\, Saint-Priest-en-Jarez\, Loire\, 42270\, France
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SUMMARY:Hors Format
DESCRIPTION:L’exposition « Hors Format » est une invitation à découvrir des peintures contemporaines et anciennes sélectionnées pour leurs dimensions monumentales. \nEntre novembre 2023 et août 2024\, les équipes du musée ont déménagé près de 3000 peintures et photographies de l’une de ses réserves\, afin de permettre la réalisation de travaux de rénovation. Lors de ce chantier des collections\, 140 œuvres ont été identifiées comme « hors format »\, c’est-à-dire sortant du cadre d’un transport classique\, en raison de leur grande taille ou de leur état de conservation. C’est à partir d’une sélection issue de cet ensemble – mêlant peintures anciennes et contemporaines – que l’exposition retrace l’histoire de l’ambition contemporaine du musée depuis la fin des années 1970 jusqu’à nos jours. En écho à ce récit\, le chantier des collections se prolonge dans l’une des salles du musée où a été installé un atelier de restauration dédié aux peintures les plus fragilisées. \nAvant la création du Musée d’art moderne en 1987\, l’ensemble des collections artistiques et techniques étaient conservées au Musée d’art et d’industrie. Dès la fin des années 1970 le lieu est jugé trop exigu pour présenter tous les aspects de ces collections. L’ambition dont témoignaient déjà les politiques de programmation et d’acquisition révèle le besoin d’un nouvel espace dédié à la création contemporaine et aux collections dîtes artistiques. Bernard Ceysson\, le directeur du musée\, et Didier Guichard\, l’architecte en charge du projet\, conçoivent un bâtiment à l’échelle de cette orientation. Dans une interview donnée à l’occasion de l’inauguration du nouveau musée\, Guichard déclarait avoir réalisé « un musée pour que les créateurs s’expriment sans aucune contrainte (…). Quand on a des murs de huit mètres de haut\, de trente mètres de long et de dix mètres de large\, on peut permettre à des artistes de faire des tableaux de cette taille-là. ». Si les murs du musée ont été pensés pour magnifier des formats monumentaux\, l’accroissement exponentiel du fonds de peintures soulève aujourd’hui de nouveaux enjeux de conservation dont le chantier de cette année témoigne.
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LOCATION:Musée d’art moderne et contemporain de Saint-Etienne\, Rue Fernand Léger\, Saint-Priest-en-Jarez\, Loire\, 42270\, France
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SUMMARY:Dolorès Marat
DESCRIPTION:Photographe française autodidacte\, Dolorès Marat explore la photographie par le biais d’expérimentations chromiques et plastiques. Oniriques et instinctives\, ses images\, peuplées d’énigmes et d’ambiances étranges\, nous transportent dans un monde imaginaire. \nL’exposition rassemble plus de 60 photographies prises tout au long de sa carrière – paysages\, villes\, personnages anonymes\, animaux\, fêtes foraines\, zoos\, stations de métro… réalisées tant en France qu’en Europe\, aux États-Unis ou au Moyen-Orient.
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LOCATION:Fondation Sozzani\, Rue Marx Dormoy 22\, Paris\, Département de Paris\, 75018\, France
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SUMMARY:Astérix le Voyage Immersif
DESCRIPTION:Plongez au cœur d’une nouvelle aventure immersive dans l’univers captivant d’Astérix\, une expérience conçue pour enchanter tant les néophytes que les inconditionnels du célèbre héros moustachu. \nAccompagnez les irréductibles Gaulois dans une quête inédite\, à la recherche du druide Panoramix\, capturé par Jules César. Des plaines verdoyantes de la Gaule aux décors arides de l’Hispanie\, en passant par les terres brumeuses de la Grande-Bretagne et les pyramides d’Égypte\, Astérix et Obélix braveront déserts et tempêtes pour le retrouver. \n« Astérix\, le Voyage Immersif » vous transporte ainsi dans les décors minutieusement recréés de la célèbre bande dessinée. Chaque scène met en valeur le trait de crayon d’Uderzo\, à la fois fluide et expressif\, donnant vie aux personnages\, capturant avec précision humour et émotions. Astérix est aussi porté par la plume de René Goscinny et ses dialogues incontournables\, dont la subtilité et l’intemporalité ont fait la renommée de l’iconique série. \nDans un respect de l’héritage d’Astérix\, tel que conçu par ses talentueux auteurs\, cette exposition immersive promet de captiver vos cœurs et vos esprits. Une expérience sensorielle accompagnée d’une bande-son éclectique\, pour une aventure inoubliable. \nRendez-vous à l’Atelier des Lumières à partir des vacances de la Toussaint pour vivre ce voyage haut en couleur !
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LOCATION:La Halle – Atelier des Lumières\, 38 rue Saint-Maur\, Paris\, Paris\, 75011\, France
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SUMMARY:Jean-Michel André : Chambre 207
DESCRIPTION:Projet photographique qui s’inscrit dans la veine de l’autofiction\, Chambre 207 repose sur la reconstitution de souvenirs disparus à la suite d’un traumatisme d’enfance. \nLe 5 août 1983\, alors qu’il faisait une halte d’une nuit avec sa famille sur la route des vacances\, le père de Jean-Michel André est assassiné avec six autres personnes dans un hôtel d’Avignon. L’affaire n’a jamais été entièrement élucidée\, mais l’enquête a néanmoins fait apparaître un mobile : une tentative de hold-up menée par des malfaiteurs « sans envergure » qui a dégénéré en carnage. Toutefois\, les circonstances du massacre sont restées imprécises. \nÂgé de 7 ans et présent dans une chambre attenante à celle de son père à l’époque des faits\, le photographe\, sous le choc\, perd la mémoire. Quarante ans plus tard\, en revisitant et en photographiant les lieux qu’il a pu — ou qu’il aurait pu — traverser avec son père et en y mêlant des éléments d’enquête\, des archives de presse et des objets familiaux\, il décide de composer un recueil questionnant la mémoire\, le deuil et la réparation. \nComment rendre tangible des notions abstraites et partager l’intime pour toucher à une forme d’universel ? L’approche de Jean-Michel André se situe à l’encontre du pathos et du spectaculaire et interroge les limites de l’image : que peut-on montrer\, comment\, pourquoi\, pour qui ? Le médium photographique se transforme en un instrument réparateur\, l’œuvre prend forme et devient l’unique moteur.\nL’exposition\, conçue comme un essai visuel\, relève autant de la reconstitution que la reconstruction. Par sa poésie\, elle nous transporte dans une temporalité anachronique\, mêlant le futur et le passé de cette nuit du 5 août 1983\, et nous donne à voir une quête de vérité qui\, peu à peu\, se transforme en délivrance. \nChambre 207 est également un ouvrage éponyme à paraître aux Éditions Actes Sud début octobre 2024. \n—\nHoraires\n↘︎ Mercredi – dimanche : 10H → 18H\nLundi : 14H → 18H\nFermé le mardi\, les 1er et 11 novembre\, 25 décembre 2024 et 1er janvier 2025
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LOCATION:Musée de l’Hospice Comtesse\, 32 rue de la Monnaie\, Lille\, Nord\, 59800\, France
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SUMMARY:Arnaud Dezoteux : Apprends et rêve
DESCRIPTION:Le Mrac Occitanie inaugure Apprends et rêve\, une exposition personnelle d’Arnaud Dezoteux présentant les fruits de ses dernières recherches par le biais d’œuvres audiovisuelles inédites. S’épanouissant dans le domaine des arts visuels\, les films et travaux vidéos d’Arnaud Dezoteux empruntent\, suivant le cas\, le vocabulaire du documentaire\, de la télé-réalité\, du film animé ou de la fiction\, en perturbant nos rapports à la réalité. Il parvient grâce à de nombreux subterfuges\, à transporter son audience dans des lignes narratives complexes\, entre traitement précis d’un sujet et sa remise en question systématique. S’intéressant à la narration et à sa mise en scène dans la fiction\, l’artiste joue une certaine transparence dans ses productions filmiques\, le décor et son envers étant présentés au même niveau\, soit par la présence même du studio de tournage\, des effets spéciaux volontairement maladroits ou des circonstances narratives inattendues. Il se plait à mélanger les genres et à surprendre en maniant les codes de la télé-réalité\, à produire des films dans lesquels les effets spéciaux fusionnent avec le décor fond vert\, les documentaires d’informations réalistes devenant des fictions et vice-versa\, le dessin animé s’incrustant dans la réalité. Avec humour ou en usant d’une certaine dramaturgie\, Arnaud Dezoteux compose avec les habitudes visuelles et culturelles du·de la spectateur·rice\, l’histoire du cinéma\, ses mythes\, et la progression technologique de toute forme de médias audiovisuels. Il cherche ainsi à mener une réflexion sur les degrés de réalité et de reconnaissance de celle-ci dans l’imagerie contemporaine.
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LOCATION:Musée Régional d’Art Contemporain Languedoc-Roussillon\, 146 Avenue de la Plage\, Sérignan\, Hérault\, 34410\, France
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SUMMARY:Gustave Caillebotte Peindre les hommes
DESCRIPTION:L’exposition présentée au musée d’Orsay à l’automne 2024 prend pour sujet la prédilection de Gustave Caillebotte (1848-1894) pour les figures masculines et les portraits d’hommes\, et ambitionne d’interroger la modernité si radicale des chefs-d’œuvre de l’artiste au prisme du nouveau regard que l’histoire de l’art porte sur les masculinités du XIXe siècle.\n\n\n\n\n\n\nDans sa volonté de produire un art vrai et neuf\, Caillebotte prend pour sujet son environnement immédiat (le Paris d’Haussmann\, les villégiatures des environs de la capitale)\, les hommes de son entourage (ses frères\, les ouvriers travaillant pour sa famille\, ses amis régatiers\, etc.) et en fin de compte sa propre existence. Répondant au programme « réaliste »\, il fait entrer dans la peinture des figures nouvelles comme l’ouvrier urbain\, l’homme au balcon\, le sportif ou encore l’homme nu dans l’intimité de sa toilette. À l’époque du triomphe de la virilité et de la fraternité républicaine\, mais aussi de première crise de la masculinité traditionnelle\, la nouveauté et la puissance de ces images  questionnent aussi bien l’ordre social que sexuel. Au-delà de sa propre identité\, celle de jeune et riche célibataire parisien\, Caillebotte porte au cœur de l’impressionnisme et de la modernité une profonde interrogation sur la condition masculine. \nCe projet est motivé par l’acquisition récente de deux peintures majeures de Caillebotte par le J. Paul Getty Museum (Jeune homme à sa fenêtre) et le musée d’Orsay (Partie de bateau)\, et s’appuie sur la présence du chef-d’œuvre de l’artiste\, Rue de Paris\, temps de pluie\, prêté par l’Art Institute of Chicago. L’exposition\, composée d’environ 70 œuvres\, réunit les plus importants tableaux de figures de Caillebotte mais aussi de pastels\, dessins\, photographies et documents. \nCet évènement est organisé l’année du 130e anniversaire de la mort de l’artiste (1894)\, qui correspond également à la date du legs de son incroyable collection de peintures impressionnistes à l’État. Pour célébrer cet évènement\, l’ensemble des œuvres du legs sera présenté temporairement dans une des salles du parcours permanent du musée\, faisant revivre l’ouverture de la « salle Caillebotte » au musée du Luxembourg en 1897. Cet évènement s’inscrit dans la continuité des nombreuses expositions qui\, depuis la grande rétrospective de 1994-1995 (Paris\, Chicago)\, ont permis de redécouvrir la figure Gustave Caillebotte (1848-1894) et de mettre en lumière certaines facettes de son œuvre : la période de Yerres\, les liens entre sa peinture et la photographie\, sa passion pour l’art des jardins\, etc. \n\nCette exposition sera présentée au J. Paul Getty Museum\, Los Angeles du 25 février au 25 mai 2025 et à l’Art Institute of Chicago du 22 juin au 5 octobre 2025.
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LOCATION:Musée d’Orsay\, Esplanade Valéry Giscard d'Estaing\, Paris\, Paris\, 75007\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:The Street
DESCRIPTION:Mobilier urbain customisé et objets des transports en commun graffés et réinterprétés envahissent l’espace en sous-sol de la galerie Wallworks. Pièces chinées ou acquises par Claude Kunetz lors de ventes de la RATP\, les artistes s’emparent de tous types d’éléments urbains et des transports publics : cabines téléphoniques\, feux de circulation\, lampadaires\, plaques émaillées de rue\, rideau de fer\, boîtes aux lettres\, plaques des métros de Paris et New York\, têtes de vache d’arrêt d’autobus\, panneaux de signalisation routiers et ferroviaires\, lavabo SNCF\, sièges de la RATP et autres pièces détachées de voitures…\nDu mouvement graffiti ou de l’art urbain\, une trentaine d’artistes américains et européens redonnent une nouvelle vie à tous ces objets du quotidien en un grand bazar graffé et haut en couleur. Quelques toiles compléteront cette collection urbaine.
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LOCATION:Galerie Wallworks\, 4 rue Martel\, Paris\, Paris\, 75010\, France
CATEGORIES:Expositions Galeries
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SUMMARY:Mode d’emploi
DESCRIPTION:Clin d’œil au chef d’œuvre de Georges Perec\, La Vie\, mode d’emploi\, dont le récit principal adopte le mode de la description comme point de départ de la narration\, ce projet d’exposition s’intéresse aux œuvres dites « à protocoles » qui parcourent la création contemporaine depuis les années 1960 à nos jours. Remettant en cause les notions d’auteur\, d’originalité ou encore de pérennité\, les œuvres à protocoles incarnent une pensée radicalement nouvelle de l’œuvre d’art que cette exposition invite à découvrir et expérimenter. \nUne œuvre à protocole se manifeste à partir d’un énoncé formulé par l’artiste\, sorte de mode d’emploi qui décrit les conditions de son apparition. À partir d’instructions données (écrites\, orales\, dessinées)\, l’œuvre peut être matérialisée le temps de son exposition. Ce modèle de création\, dont l’origine est attribuée à Marcel Duchamp et László Moholy-Nagy\, se développe à partir des années 1960. Il marque l’affirmation d’une nouvelle conception de l’œuvre d’art qui d’autographe (de la main de) devient allographe\, c’est-à-dire que l’œuvre est activée par une autre personne que l’artiste. Des œuvres de Alice Aycock\, George Brecht\, Martin Creed\, Larva Labs\, Louise Lawler\, Sol Lewitt\, Vera Molnár\, Claude Rutault\, Lawrence Weiner et Erwin Wurm\, entre autres\, se déploient dans l’espace de l’exposition aux côtés de documents et d’archives retraçant une histoire de la création protocolaire dans le domaine des arts plastiques mais aussi de la musique ou du design. \nImaginée dans une démarche écoresponsable\, mode d’emploi est une exposition sans transport d’œuvres et s’inscrit dans une scénographie recyclée. Conçue comme un projet collaboratif et vivant\, elle sollicite la participation des publics et de nombreux partenaires et complices à l’instar du Musée national d’art moderne – Centre Pompidou\, du 49 Nord 6 Est – Frac Lorraine ou encore du Festival Musica.
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LOCATION:Musée d’Art Moderne et Contemporain de Strasbourg\, 1\, place Hans-Jean Arp\,\, Strasbourg\, Bas-Rhin\, 67000\, France
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SUMMARY:Exposition « L’épopée d’un rugby dans le Tarn »
DESCRIPTION:XIII\, l’épopée d’un rugby dans le TarnÀ travers divers panneaux\, objets et témoignages\, les Archives départementales vous invitent à découvrir l’histoire tarnaise de ce sport rarement sous le feu des projecteurs.   Du 5 septembre au 29 novembre à la médiathèque de RéalmontEntrée libre et gratuitePlus d’informations :https://rime-centretarn-pom.c3rb.org/agenda/programmation-culturelle/99-exposition-rugby-tarn
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LOCATION:Réseau intercommunal des médiathèques Centre Tarn\, 2 bis boulevard Carnot\, Réalmont\, Tarn\, 81120\, France
CATEGORIES:Expositions
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SUMMARY:Le Corps en mouvement
DESCRIPTION:À l’occasion des Jeux Olympiques et Paralympiques de Paris 2024\, le Petit Palais propose une exposition qui relie art et sport au cœur de ses collections : 50 œuvres du musée ont été choisies pour ce parcours enrichi d’interviews d’athlètes et de para- athlètes qui partagent avec les visiteurs leur regard sur les œuvres et tissent des liens entre le travail des artistes et leur activité de sportive et sportif de haut niveau.
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Perrin & Perrin et Mircea Cantor\, un dialogue artistique inédit à la Palazzina Masieri
DESCRIPTION:Au printemps 2024\, la Galerie Negropontes ouvre un espace à Venise au sein de la\nPalazzina Masieri\, édifice emblématique du XVIIe siècle et joyau architectural vénitien en bordure du Grand Canal\, transformé en centre d’art et de savoir par le duo d’architectes Roberta Bartolone et Giulio Mangano. \nLe premier étage est le théâtre d’un dialogue artistique inédit entre les pièces sculptées dans la glace du duo Perrin & Perrin et les oeuvres en savon\, allégoriques et poétiques\, de Mircea Cantor. Les différentes matières\, formes et couleurs utilisées par les artistes s’entrecroisent\, invitant à découvrir chaque sculpture sous un nouvel angle. \nLes travaux présentés par Mircea Cantor esquissent une réflexion sur la contamination et la pureté\, la fragilité et la perte. Émergeant d’îlots de gravats qui\, associés aux titres des oeuvres\, évoquent les catastrophes de l’actuelle guerre en Syrie\, les décorations sinueuses de l’artiste sont fabriquées en savon d’Alep\, selon la recette d’origine qui\, dans l’Antiquité\, a fait la célébrité de cette ville. Les piliers se dressent entre histoire majestueuse et présent tragique. Le savon est un matériau paradoxal pour la figure de la saleté et de l’infestation généralement associée à la migration par le discours populiste et dans lequel sont sculptées la destruction totale de l’origine et la déliquescence du patrimoine. Les sphères de Mircea Cantor reproduisent la forme de rouleaux ou de tas de cordes et reposent sur des socles en béton endommagés. Fragiles et apparemment destinés au transport d’objets\, en cohérence avec un destin fait d’errances\, ces « mondes » miniatures – tels que le titre les décrit – suggèrent des fragments de vies précédentes que l’on pourrait rapidement empaqueter pour leur éviter d’être détruites\, à la fois preuves d’une origine que l’on sauvegarde et fardeau que l’on porte. \nDuo créatif à quatre mains\, Martine et Jacki Perrin oeuvrent en alchimistes. Depuis plus de quarante ans\, ils explorent les richesses insoupçonnées du verre et toutes les possibilités qu’offrent la matière\, dans laquelle couleurs et jeux de transparences et d’opacités se fondent\, contrastent ou se révèlent. Travaillé à travers la fusion du verre\, le modelage de la terre\, mais aussi par la pratique du dessin et de la calligraphie\, le verre se fait sculptures minérales. Perrin & Perrin sont par ailleurs à l’origine de la conception d’une méthode unique\, intitulée le « Build-in-Glass »\, qui leur permet d’explorer en permanence de nouvelles frontières et de réinventer leur art en permanence. Les installations et sculptures en verre de Perrin & Perrin reflètent la maîtrise créative du duo. Le travail qu’ils effectuent sur le verre donne lieu à d’infinies variations des couleurs et reflets de la matière. Le bleu glacial de l’oeuvre « Eight-3 » côtoie ainsi les reflets ambrés de l’installation « Cabane »\, qui semble s’envoler. \nÀ cette occasion\, la première monographie consacrée au travail du duo sera publiée le 7 mars 2024\, dévoilant les multiples facettes de leur travail. L’ouvrage de 264 pages rassemble près de 150 oeuvres des artistes et des interventions de spécialistes\, tels que les architectes et designers Nathalie Chapuis et Sylvain Dubuisson\, les conservateurs Amélie Banwart\, Jean-Luc Olivié et Catherine Thomas ou encore la directrice du MusVerre\, Éléonore Peretti.
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CATEGORIES:Expositions
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