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SUMMARY:La Folie en Tëte
DESCRIPTION:AUX RACINES DE L’ART BRUT\nExposition \nComme pour Entrée des médiums\, en 2012\, en s’ancrant dans la vie de Victor Hugo – la folie qui frappe son frère Eugène et sa fille Adèle –\, l’exposition propose d’explorer la constitution d’un nouveau territoire de l’art. C’est l’occasion de présenter des collections d’œuvres d’internés constitués au cours du XIXe siècle par 4 psychiatres qui ont récupéré souvent en cachette\, les œuvres des internés qu’ils suscitent parfois à des fins « d’art-thérapie ». \nIls en seront les premiers collectionneurs\, les premiers  «critiques»\, leur souci de diagnostic et d’étude s’ouvrent sur la conscience. Refusant l’imagerie de la folie et sa mise en spectacle des troubles mentaux\, l’exposition entend ne montrer que l’œuvre des malades et leur rendre hommage\, en tant qu’artistes\, comme elle rend aussi hommage aux psychiatres. Le parcours de visite\, organisé de façon chronologique à travers quatre grandes collections européennes\, met en lumière les œuvres les plus anciennes et peu ou pas vues en France. \nCollection du Dr Browne \nFondé à Dumfries\, en Écosse\, en 1838\, le Crichton Royal Hospital fut une institution pionnière en matière d’art thérapie. William A. F. Browne (1805-1885) y a réuni de 1838 à 1857 une importante collection des productions des patients\, aujourd’hui conservée par les archives de Dumfries et du Galloway. \nCollection du Dr Auguste Marie\nTrès tôt\, Auguste Marie (1865-1934) porta attention aux travaux des malades\, encourageant à la fois leur créativité et l’activité même de collection\, en particularité lorsqu’il fut en poste à Villejuif\, où il est nommé en 1900. Sa collection fut dispersée\, mais une partie essentielle fut acquise par Jean Dubuffet et se trouve aujourd’hui à la Collection de l’Art Brut à Lausanne. \nCollection Walter Morgenthaler\nConservée au Psychiatrie-Museum de Berne\, cette collection est issue de l’asile de la Waldau (die Bernische kantonale Irrenanstalt Waldau)\, rendu célèbre par la présence de personnalité comme Robert Walser et surtout Adolf Wölfli reconnu comme une figure tutélaire de l’Art Brut. Le Dr Walter Morgenthaler (1882-1965) dirigea l’institution de 1913 à 1920. \nCollection Prinzhorn\nCommencée dès la fin du XIXe siècle à l’hôpital psychiatrique de l’Université de Heidelberg cette collection est devenue mythique par le livre publié à partir de son étude\, en 1922\, par Hans Prinzhorn (1886-1933)\, Expressions de la Folie\, qui eut une grande influence sur les artistes d’avant-garde. C’est aussi dans cette collection que les nazis ont puisé les œuvres incluses dans l’exposition d’art dégénéré en 1937. \navec le mécénat du fonds de dotation Entreprendre pour Aider\nhttp://www.entreprendrepouraider.org/ \n  \nPour voir la video http://www.dailymotion.com/video/x6ai6r9
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SUMMARY:François Ier et l’art des Pays-Bas
DESCRIPTION:Si le goût de François Ier pour l’art italien est bien connu et son mécénat essentiellement identifié à la création du foyer italianisant de Fontainebleau\, son règne ne s’inscrit pas moins dans une tradition très vivace d’implantation en France d’artistes originaires des Pays-Bas. L’exposition fait ainsi resurgir tout un pan méconnu de la Renaissance française et se propose d’explorer la variété\, les extravagances et la monumentalité. \nFrançois Ier achète abondamment des tapisseries\, des pièces d’orfèvrerie et des tableaux flamands. Le roi favorise ainsi l’émergence de nouveaux artistes originaires des Pays-Bas. Les plus connus d’entre ces artistes du nord alors actifs en France\, Jean Clouet et Corneille de la Haye dit Corneille de Lyon\, se spécialisent dans le portrait. L’exposition rassemble exceptionnellement l’œuvre peint de Jean Clouet (seule une dizaine de panneaux sont attestés de la main de l’artiste)\, ainsi que quelques-uns de ses dessins préparatoires\, pris sur le vif. \nTant à Paris que dans les foyers normands\, picards\, champenois et bourguignons\, s’est largement épanouie\, dans l’art du manuscrit enluminé et dans la peinture religieuse une vage d’influences septentrionales (d’Anvers\, Bruxelles\, Leyden ou Haarlem). Les recherches récentes ont peu à peu révélées des artistes injustement tombés dans l’oubli : Godefroy le Batave\, Noël Bellemare\, Grégoire Guérard\, Batholomeus Pons\, entre autres\, se sont illustrés dans des techniques aussi diverses que l’enluminure\, la peinture\, le vitrail\, la tapisserie\, la sculpture.
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SUMMARY:Dessiner en plein air – Variations du dessin sur nature dans la première moitié du 19e siècle
DESCRIPTION:La pratique du dessin en plein air\, sur le motif\, est bien attesté en France (comme en Europe) au 17e siècle et devient courant au 18e siècle. Au 19e siècle\, jugée  indispensable à la formation des jeunes artistes\, elle ne cesse d’évoluer et prend une place capitale dans l’histoire du dessin. \nLes expressions « sur nature »\, « d’après nature »\, « sur le motif » ont cependant une signification très fluctuante\, incertaine\, désignant aussi bien le dessin d’observation ou d’étude scientifique que le croquis d’étude\, l’exercice d’élève\, le relevé d’architecte\, le dessin militaire\, le dessin de mémoire\, les notes de  voyage – ou le rendu à peine esquissé d’une impression fugitive… Le dessin sur nature se définit progressivement comme une oeuvre en soi\, une oeuvre achevée ayant sa propre justification\, sa propre finalité. \nL’espace de l’atelier et le plein air ne sont pas toujours des mondes distincts\, et les artistes se situent souvent dans un va-et-vient entre les deux. Si le sujet est bien distinct de celui de la peinture de plein air\, la question de la couleur\, prise directement sur le motif ou retravaillée en atelier à partir de notes de plein air\, s’impose aussi au dessinateur. \nL’exposition réunit plus d’une centaine de dessins et eaux-fortes\, et permettra de voir une trentaine de carnets de croquis\, instrument par excellence du dessin de plein air.
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SUMMARY:Etre moderne : le MoMa à Paris
DESCRIPTION:La Fondation Louis Vuitton accueille dans le bâtiment dessiné par Frank Gehry une sélection de 200 œuvres qui retracent l’histoire du MoMA dans son rôle de collectionneur. \nParmi les œuvres du MoMA exposées en France pour la première fois\, citons Oiseau dans l’espace de Constantin Brancusi\, les Boîtes de soupe Campbell d’Andy Warhol (1962)\, « USA today » de Felix Gonzalez-Torres (1990)… \nL’exposition ouvre sur la première décennie du MoMA avec des œuvres iconiques comme House by the railroad d’Edward Hopper (1930)\, une Baigneuse de Paul Cézanne (acquise en 1934)… Elle se poursuit dans l’après-guerre avec des œuvres de Jackson Pollock et Willem de Kooning. \nLa section suivante est consacrée au « minimalisme » et « pop art ». \n« Etre Moderne. Le MoMA à Paris » présente un grand éventail d’œuvres acquises par le MoMA au  fil des décennies\, depuis les premiers grands mouvements de l’art moderne jusqu’aux œuvres numériques les plus récentes\, en passant par l’expressionnisme abstrait\, le minimalisme et le pop art.
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LOCATION:Fondation Louis Vuitton\, 8 avenue du Mahatma Gandhi Bois de Boulogne\, Paris 16e\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Gauguin l’alchimiste
DESCRIPTION:Paul Gauguin (1848-1903) est l’un des peintres français majeurs du XIXe siècle et l’un des plus importants précurseurs de l’art moderne. L’exposition du Grand Palais retrace son étonnante carrière\, dans laquelle il a exploré les arts les plus divers : peinture\, dessin\, gravure\, sculpture\, céramique\, etc. Les chefs-d’œuvre réunis mettent en avant le travail de l’artiste sur la matière ainsi que son processus de création : Gauguin va bâtir son art sur la répétition de thématiques et de motifs récurrents.
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SUMMARY:Picasso 1932 – année érotique
DESCRIPTION:« Picasso 1932. Année érotique » est la première exposition dédiée à une année de création entière chez Picasso\, allant du 1er janvier au 31 décembre d’une même année. L’exposition présentera des chefs-d’œuvre essentiels dans la carrière de Picasso comme Le Rêve (huile sur toile\, collection particulière) et de nombreux documents d’archives replaçant les créations de cette année dans leur contexte.\nCet événement\, organisé en partenariat avec la Tate Modern de Londres\, fait le pari d’inviter le visiteur à suivre au quotidien\, dans un parcours rigoureusement chronologique\, la production d’une année particulièrement riche. Il questionnera la célèbre formule de l’artiste selon laquelle « l’œuvre que l’on fait est une façon de tenir son journal »\, qui sous-entend l’idée d’une coïncidence entre vie et création. Parmi les jalons de cette année exceptionnelle se trouvent les séries des baigneuses et les portraits et compositions colorées autour de la figure de Marie-Thérèse Walter\, posant la question du rapport au surréalisme.\nEn parallèle de ces œuvres sensuelles et érotiques\, l’artiste revient au thème de la Crucifixion\, tandis que Brassaï réalise en décembre un reportage photographique dans son atelier de Boisgeloup. 1932 voit également la « muséification » de l’œuvre de Picasso à travers l’organisation des rétrospectives à la galerie Georges Petit à Paris et au Kunsthaus de Zurich qui exposent\, pour la première fois depuis 1911\, le peintre espagnol au public et aux critiques. L’année est enfin marquée par la parution du premier volume du Catalogue raisonné de l’œuvre de Pablo Picasso\, publié par Christian Zervos\, qui place l’auteur des Demoiselles d’Avignon dans une exploration de son propre travail.
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SUMMARY:Rubens. Portraits Princiers
DESCRIPTION:Rubens fut\, sans doute un peu malgré lui\, un immense portraitiste de cour. S’il se voulait d’abord peintre de grands sujets historiques\, il excella dans le domaine du portrait d’apparat\, visitant les plus brillantes cours d’Europe. Prisé pour son érudition et sa conversation\, il joua aussi un rôle diplomatique important\, jouissant d’une position sociale sans égale chez les artistes de son temps. Autour des portraits de Philippe IV\, Louis XIII ou encore Marie de Médicis réalisés par Rubens et par quelques célèbres contemporains (Pourbus\, Champaigne\, Velázquez\, Van Dyck…)\, l’exposition plonge le visiteur dans une ambiance palatiale au cœur des intrigues diplomatiques du XVIIe siècle.
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SUMMARY:Bourdelle et l’Antique\, une passion moderne
DESCRIPTION:Dans l’histoire des formes comme des idées\, pas « d’avancée » qui ne procède d’un « recul »\, pas de révolution esthétique qui ne passe par la renaissance d’un passé enfoui\, la reviviscence d’un patrimoine spirituel et plastique – en l’occurrence celui de la Grèce la plus antique. C’est là que le sculpteur Antoine Bourdelle viendra puiser pour créer les chefs-d’œuvres de sa maturité au tout début du XXè siècle.\nDe l’énergie primordiale du mythe\, des figures fabuleuses des temps archéologiques – Tête d’Apollon (1898-1909)\, Pallas Athénée (1905)\, Héraklès Archer (1910)\, Le Fruit ou la nudité des fruits ( 1906-1911)\, Pénélope (1905-1912)\, Centaure mourant (1914)… – Bourdelle tire la force novatrice d’un « travail net\, dépouillé et sans nuance »\, affranchi de l’esthétique de Rodin\, des canons de l’académisme comme des conventions du réalisme.\nRepensée en termes de masses et de plans\, soumise à un processus d’épuration et d’altération\, la sculpture de Bourdelle donne corps à une beauté inédite que la critique dénonce\, dans un premier temps\, comme « un retour à l’idole du sauvage. » Paradoxalement le mouvement même de ce retour à « l’origine » inscrit Bourdelle au coeur des prospections les plus audacieuses de l’art moderne.\nL’exposition confrontera donc la création de Bourdelle aux déesses de Puvis de Chavannes\, aux baigneuses de Picasso\, à la Méditerranée de Maillol comme à la Serpentine de Matisse – familiers\, pour un temps\, de l’atelier du maître –\, aux sculptures de Modigliani et de Zadkine\, aux faunes et chèvre-pieds de Ker-Xavier Roussel et de Maurice Denis qui participèrent tous deux à la création du Théâtre des Champs-Élysées\, aux figures chorégraphiques d’Isadora Duncan et de Nijinski qui « dansèrent l’antique »…  Dans le laboratoire formel de cet archaïsme moderne opératoire des années 1890 aux années 1920\, l’exposition rend à Bourdelle la place déterminante qui lui revient.
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LOCATION:Musée Bourdelle\, 16 rue Antoine Bourdelle\, Paris\, Paris\, 75015\, France
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SUMMARY:André Derain : 1904-1914 la décennie radicale
DESCRIPTION:Le Centre Pompidou consacre une exposition thématique à l’oeuvre d’André Derain. Elle revient sur une période cruciale de l’oeuvre de l’artiste de 1904 à 1914\, une décennie radicale.\nL’art d’André Derain\, artiste majeur du 20e siècle\, n’a pas donné lieu à de grandes monographies depuis plus de 20 ans. Jouant souvent un rôle moteur et intellectuel dans l’éclosion du fauvisme\, du cubisme et d’un retour précoce au réalisme\, la figure de Derain est fascinante ; son oeuvre avant-guerre\, d’une très grande inventivité et audace.\nProche de Vlaminck et de Matisse\, puis de Braque et de Picasso\, Derain se confronte avec force au fauvisme et au cubisme et développe jusqu’à la Première Guerre mondiale une oeuvre puissante et radicale. Dans la diversité de ses expérimentations plastiques\, il aborde la peinture\, la xylographie\, la sculpture\, le cinéma\, la question photographique avec la même liberté.\nL’exposition retrace les étapes successives de ce parcours avant-guerre\, durant lequel le peintre participe de toutes les avant-gardesles plus radicales. Elle réunit quelques ensembles exceptionnels tels que la production estivale de 1905 à Collioure\, la série des vues de Londres et surtout les très grandes compositions autour des thèmes de la Danse et des Baigneuses – veine épique qui ressurgira à la fin de sa vie.\nUne centaine de peintures\, une quarantaine d’oeuvres graphiques et une vingtaine de sculptures\nsont exposées dans un parcours chronologique :\n• Les premières toiles effectuées à Chatou\, selon un réalisme libertaire\n• Les expérimentations picturales de l’été 1905 à Collioure aux côtés de Matisse\, l’« épreuve du feu » du fauvisme\n• La veine arcadienne et décorative avec les grandes compositions de L’Âge d’or et La Danse\n• Le retour à L’Estaque en 1906 et la flamboyante série de Londres (1906-1907)\n• L’influence du primitivisme et la découverte de l’art africain par Derain en 1905 et lors de ses séjours à Londres au British Museum\, qui déterminent le néo-archaïsme de sa sculpture et de sa pratique de la gravure\, notamment les planches réalisées pour L’Enchanteur pourrissant d’Apollinaire.\n• Le tournant cézannien de 1907 avec la série des Baigneuses qui marque une synthèse formelle et géométrique et lui permet d’explorer les approches cubistes avant d’effectuer un retour vers la simplicité des primitifs italiens\n• Les paysages cloisonnés de Cassis\, Martigues et Carrières-sur-Seine\, 1907-1909 l’évolution vers un réalisme étrange\, acéré et poétique\, avec notamment la fameuse Cène\, et la période dite « byzantine »\, à partir de 1913\, qui a séduit le jeune André Breton\nLe parcours se conclut sur une évocation de résurgences ou de survivances de l’esprit d’avant-guerre dans ses toutes dernières oeuvres\, une veine épique et un archaïsme poétique et mélancolique inspirés d’Apollinaire\, à travers le grand panneau allégorique peint pendant ou à l’orée de la Seconde Guerre mondiale\, La Chasse (1938-1944).
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LOCATION:Centre Pompidou\, Place Georges-Pompidou\, Paris\, Paris\, 75004\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:Les forêts natales
DESCRIPTION:L’Afrique équatoriale atlantique a donné aux arts africains quelques-uns de ses plus exceptionnels chefs-d’œuvre. De la puissance plastique des Fang à l’élégance naturaliste des Punu\, panorama des principaux styles artistiques de cette vaste région.\nÀ propos de l’exposition \nAu cœur de l’Afrique équatoriale atlantique\, l’aire culturelle embrassant le Gabon\, la République de Guinée équatoriale\, le Sud du Cameroun et l’Ouest de la République du Congo\, est une région de grande tradition sculpturale. Le génie plastique des artistes Fang\, Kota\, Tsogo ou Punu s’est notamment illustré dans une sculpture religieuse liée au culte des ancêtres et aux masques d’esprit. Des arts majeurs qui\, dès leur découverte au début du XXe siècle par des artistes comme Picasso\, Derain ou Braque\, ont été déterminants dans la constitution du regard moderne en Occident. \nÀ travers une sélection d’œuvres emblématiques – et souvent uniques – de collections publiques et privées majeures\, l’exposition propose d’en étudier les principaux styles\, à la manière d’une histoire de l’art « classique ». D’explorer les correspondances\, mutations et particularités de la production artistique des nombreux groupes peuplant une vaste zone formée au gré des migrations. De révéler\, en somme\, la créativité et l’originalité exceptionnelle des arts de chacun des peuples de la forêt équatoriale atlantique.
URL:https://actu.art/event/les-forets-natales/
LOCATION:Musée Quai Branly-Jacques Chirac\, 37 Quai Branly\, Paris\, Paris\, 75007\, France
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SUMMARY:Etre Pierre
DESCRIPTION:DU 29 SEPTEMBRE 2017 AU 11 FEVRIER 2018 \nGilles Aillaud | Dove Allouche | Giovanni Anselmo | Jean Arp | Barbus Müller | Katinka Bock | Constantin Brancusi | Brassaï |Marc Couturier  | Claude Cahun | Anne Deguelle  | Eugène Dodeigne  | Jimmie Durham | Paul- Armand Gette | Ilana Halperin |Hans Hartung | Henri Gaudier-Brzeska | Nicholas Mangan | Otobong Nkanga|  Katie Paterson | Giuseppe Penone|  Pablo Picasso|  Pratchaya Phinthong | Marko Pogacnik | Evariste Richer | Auguste Rodin | Jean-Michel Sanejouand  | Oscar Santillan |  Fabien Giraud et Raphaël Siboni |Robert Smithson | Akio Suzuki |  Ossip Zadkine| \nS’appuyant sur l’œuvre sculptée en pierre d’Ossip Zadkine (1890-1967)\, l’exposition propose une réflexion sur ce matériau de tout temps privilégié des artistes. Réunissant des œuvres de plusieurs générations d’artistes et tous médiums confondus – sculpture\, dessin\, photographie\, vidéo ou film -\, elle est pensée comme un récit\, qui ne prétend pas à l’exhaustivité mais favorise le dialogue entre archéologie\, arts premiers\, art moderne et pratiques contemporaines. \nDans le contexte écologique actuel\, l’attrait des artistes pour la pierre s’est en effet accru ces dernières années\, invitant à s’inscrire dans un temps et une dimension géologiques. Cette perspective ouvre des voies nouvelles\, tant l’échelle des cycles sédimentaires\, les mouvements tectoniques et les temporalités vertigineuses questionnent la place de l’homme dans son environnement. \nA l’occasion du cinquantenaire de la mort de Zadkine\, le musée souhaite rendre hommage au sculpteur russe\, renouveler le regard porté sur son œuvre\, et apporter un éclairage inédit sur la part dynamique du minéral. \nAccompagnant et prolongeant l’exposition\, un programme de rencontres publiques entre artistes et scientifiques confrontant leurs expériences sera proposé aux visiteurs.
URL:https://actu.art/event/etre-pierre/
LOCATION:Musée Zadkine\, 100 bis rue d'Assas\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Anders Zorn – Le maître de la peinture suédoise
DESCRIPTION:Après l’exposition Carl Larsson en 2014\, le Petit Palais consacre une grande rétrospective à Anders Zorn (1860-1920)\, l’autre figure centrale de la peinture suédoise.\n \n\n\n\nPourtant reconnu et admiré à Paris au tournant des XIXe et XXe siècles\, Zorn n’a pas été célébré dans la capitale depuis 1906 ! Près de 150 œuvres permettront de retracer le parcours de ce grand artiste\, ami et rival de Sargent\, Sorolla\, Boldini et Besnard\, à la fois aquarelliste virtuose\, peintre talentueux et graveur de génie. \nCette première rétrospective parisienne devrait marquer le retour en grâce d’un maitre resté très populaire en Scandinavie et célébré avec succès à San Francisco et New York en 2013 et 2014. \nOutre le portraitiste mondain et le chantre du folklore et de la nature suédoise\, l’exposition mettra en valeur son talent magistral d’aquarelliste\, de graveur et celui\, inédit\, de photographe. Cette présentation bénéficiera des plus belles pièces du musée Zorn à Mora et d’un ensemble exceptionnel d’œuvres du Nationalmuseum de Stockholm\, partenaire du projet\, complété par d’importants prêts d’autres institutions scandinaves et françaises. \nCOMMISSARIAT : \nJohan Cederlund\, directeur du Zornmuseet\, Mora \nChristophe Leribault\, directeur du Petit Palais \nCarl-Johan Olsson\, conservateur des peintures du XIXe siècle au Nationalmuseum de Stockholm   \nScénographie : ATELIER MACIEJ FISZER
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LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Le jardin secret des Hansen – La collection Ordrupgaard
DESCRIPTION:Comme au Musée Jacquemart-André\, la collection d’Ordrupgaard est constituée par un couple féru d’art\, les danois Wilhelm (1868 – 1936) et Henny (1870 – 1951) Hansen. Homme d’affaires passionné d’art\, esprit indépendant et visionnaire\, Wilhelm Hansen assemble en seulement deux ans entre 1916 et 1918 une collection unique en Europe d’œuvres représentatives de l’impressionnisme et du post-impressionnisme de la seconde moitié du XIXe et du début du XXe siècle. Une sélection de plus de 40 tableaux est présentée pour la première fois à Paris\, au Musée Jacquemart-André. \nDe Corot à Cézanne et Matisse\, en passant par les paysages changeants de Monet\, Pissarro\, Sisley et les doux portraits de Renoir\, Morisot ou Gonzalès\, l’exposition permettra de découvrir des trésors peu connus en France. Seront également mis à l’honneur des artistes aussi emblématiques que Degas\, Manet ou Courbet\, avant un final consacré à l’art vibrant et sensuel de Gauguin. \nAprès le Musée Jacquemart-André\, l’exposition sera présentée dans d’autres musées d’envergure en Europe et dans le monde\, comme le Musée des Beaux-Arts du Canada à Ottawa. \nWILHELM ET HENNY HANSEN\, LES FONDATEURS\nNé à Copenhague le 27 novembre 1868\, Wilhelm Hansen s’est bâti une remarquable carrière dans l’assurance en fondant la compagnie danoise Dansk Folkeforsikringsanstalt et en dirigeant Hafnia\, une autre compagnie d’assurance danoise. D’esprit indépendant et visionnaire\, Wilhelm Hansen s’est passionné pour l’art\, et plus particulièrement pour l’art français\, qu’il a collectionné pour son plaisir\, mais aussi pour lui donner une large audience au Danemark. Il a d’ailleurs organisé à Copenhague des expositions d’envergure présentant des prêts d’importants musées français. \nIl fait la rencontre de sa femme Henny en 1887\, lors d’une représentation au Théâtre Royal. Ils se marient le 30 octobre 1891 et adoptent leur fils\, Knud Wilhelm\, en 1908. \nL’intérêt de Wilhelm Hansen pour l’art remonte à ses années d’études : son ami Peter Hansen\, qui deviendra l’un des membres du collectif de peintres danois Fynboerne\, l’introduit dans le milieu artistique. Certains de ces artistes deviendront des intimes de Wilhelm et Henny qui\, tout au long de leur vie\, vont étoffer leur collection en y intégrant des peintures d’artistes danois\, puis des œuvres majeures des impressionnistes français. \nORDRUPGAARD\, LE LIEU\nEn 1916\, Wilhelm et Henny Hansen achètent un terrain près d’Ordrup Krat\, au nord de Copenhague\, et font appel à l’architecte Gotfred Tvede pour y construire une résidence d’été. Leur engouement pour ce lieu les décide finalement à en faire leur résidence principale et à y inclure une galerie d’art pour abriter leur collection de peintures françaises. \nImposant manoir\, Ordrupgaard a été conçu comme une demeure lumineuse\, dont les nombreuses fenêtres\, le jardin d’hiver et la serre permettent un dialogue inspirant avec le parc environnant. Le manoir et la collection sont inaugurés le 14 septembre 1918. Dès cette date\, les Hansen prévoient une ouverture hebdomadaire au public de leur collection\, fidèles à leur volonté d’offrir à l’art français une large audience au Danemark.
URL:https://actu.art/event/jardin-secret-hansen/
LOCATION:Musée Jacquemart-André\, 158 Boulevard Haussmann\, Paris\, Paris\, 75008\, France
CATEGORIES:Notre Sélection
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SUMMARY:L’art du Pastel de Degas à Redon
DESCRIPTION:Parmi une collection riche de plus de 200 pastels\, le Petit Palais présente pour la première fois une sélection de près de 150 d’entre eux offrant un panorama exhaustif des principaux courants artistiques de la seconde moitié du XIXe siècle\, de l’Impressionnisme au Symbolisme.\nL’exposition permet de découvrir les fleurons de la collection avec des œuvres de Berthe Morisot\, Auguste Renoir\, Paul Gauguin\, Mary Cassatt et Edgar Degas\, des artistes symbolistes comme Lucien Lévy-Dhurmer\, Charles Léandre\, Alphonse Osbert\, Émile-René Ménard et un ensemble particulièrement remarquable d’œuvres d’Odilon Redon\, mais aussi l’art plus mondain d’un James Tissot\, de Jacques-Émile Blanche\, de Victor Prouvé ou Pierre Carrier-Belleuse. \nLa technique du pastel infiniment séduisante par sa matière et ses couleurs\, permet une grande rapidité d’exécution et traduit une grande variété stylistique. De la simple esquisse colorée aux grandes œuvres très achevées\, le pastel est à la croisée du dessin et de la peinture. La grande majorité des pièces exposées datées entre 1850 et 1914 illustrent le renouveau du pastel durant la seconde moitié XIXe siècle. \nL’exposition sera également l’occasion d’initier les visiteurs à la technique du pastel et à la question de la conservation des œuvres sur papier\, particulièrement sensibles aux effets de la lumière et qui ne peuvent donc être exposées de façon permanente.
URL:https://actu.art/event/lart-pastel-de-degas-a-redon/
LOCATION:Petit Palais\, Musée des Beaux-Arts de la ville de Paris\, 6\, Avenue Winston Churchill\, Paris\, Paris\, 75008\, France
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SUMMARY:Regards sur une collection : Christine Angot invitée au musée Delacroix
DESCRIPTION:À l’occasion d’une première saison littéraire articulée autour de la création littéraire\, picturale et musicale\, le musée Delacroix a invité Christine Angot à choisir parmi ses collections les œuvres qui l’ont émue et intéressée\, et à les faire se croiser avec celles d’artistes d’aujourd’hui. Cet accrochage parle de l’acte intime qu’est peindre et écrire. \nLes choix de Christine Angot évoquent la vie à dans la maison de la place de Fürstenberg et les luttes quotidiennes de l’artiste au travail. Il est question en filigrane du parcours artistique\, de son émergence pour un jeune artiste\, et des ruptures radicales qui nécessairement le construisent  \nL’exposition rappelle la place qu’occupait la littérature chez Eugène Delacroix\, dont la sensibilité est visible dans les tout premiers écrits\, et qui puise son inspiration chez des écrivains tels que Shakespeare\, Goethe ou Byron.  \nAux œuvres d’Eugène Delacroix\, s’ajoutent celles d’artistes contemporains invités par Christine Angot. Des œuvres de jeunesse de Johan Creten exposées pour la première fois depuis la fin des années 1980\, deux vidéos de Charles Simonds réalisées alors qu’il avait vingt-cinq ans\, des pièces de Werner Herzog\, Louise Bourgeois\, Etel Adnan.  \nLa projection d’un film de Chantal Akerman\, et des performances exceptionnelles par le chorégraphe Thierry Thieû Niang\, le pianiste Simon Ghraichy et la musicienne de free jazz Jaimie Branch viendront ponctuer la saison et compléter l’accrochage.  \n« Que faisiez- vous à 25 ans ? ». Véritable interrogation sur l’émergence de la création\, c’est la question qui sera posée\, au cours d’une nuit exceptionnelle\, à des artistes\, des musiciens\, des cinéastes\, des écrivains et à des personnalités politiques invités par Christine Angot. Ce sera l’occasion de les découvrir à l’âge où tout était encore en construction.
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LOCATION:Musée National Eugène Delacroix\, 6\, rue de Furstenberg\, Paris\, Paris\, 75006\, France
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SUMMARY:Monet Collectionneur
DESCRIPTION:Du 14 septembre 2017 au 14 janvier 2018 \nClaude Monet\, le plus célèbre des peintres impressionnistes\, fut aussi le plus secret de leurs collectionneurs. Les chefs-d’œuvre qu’il a réunis tout au long de sa vie constituent pourtant un ensemble aussi rare qu’exceptionnel. Pour la première fois\, le musée Marmottan Monet lève le voile sur cette passion privée et organise\, du 14 septembre 2017 au 14 janvier 2018\, une exposition inédite intitulée Monet collectionneur. Signés Delacroix\, Corot\, Boudin\, Jongkind\, Manet\, Renoir\, Caillebotte\, Cézanne\, Morisot\, Pissarro\, Rodin ou encore Signac\, peintures\, dessins\, sculptures révèlent une part cachée de la vie de l’artiste. Légataire universel du peintre de Giverny et dépositaire du premier fonds mondial de son œuvre\, le musée Marmottan Monet reconstitue cette collection grâce au soutien des plus grands musées et prestigieuses collections particulières. Il offre l’occasion unique de découvrir ce qui fut le panthéon sentimental et artistique du chef de file des impressionnistes. Une exposition évènement !
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LOCATION:Musée Marmottan-Monet\, 2 Rue Louis Boilly\, Paris\, Paris\, 75016\, France
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SUMMARY:Poussin\, Le Massacre des Innocents
DESCRIPTION:Du 11 septembre 2017 au 7 janvier 2018\, Le Massacre des Innocents\, chef-d’œuvre de Nicolas Poussin\, sera la pièce maîtresse d’une exposition-événement au Domaine de Chantilly. De sa genèse à sa postérité\, l’œuvre se révèlera à travers des prêts prestigieux et côtoiera de grands noms de l’art moderne et contemporain dont Pablo Picasso\, Francis Bacon ou Annette Messager. Une première pour Chantilly ! \nIntemporalité et actualité d’un chef-d’œuvre \nLe musée Condé du Domaine de Chantilly possède\, après le Louvre\, le plus bel ensemble de tableaux et de dessins de Nicolas Poussin (1594-1665) conservé en France. Au sein de cette collection exceptionnelle\, Le Massacre des Innocents (vers 1627-1628) se démarque tant par ses illustres propriétaires (Vincenzo Giustiniani\, Lucien Bonaparte\, le duc d’Aumale…) que par le traitement radicalement nouveau du sujet tiré du Nouveau Testament. L’exécution\, ordonnée par le roi Hérode\, de tous les enfants de moins de deux ans de la région de Bethléem\, est en effet un sujet très courant dans l’art du XVIIe siècle. Auprès de ses contemporains\, l’œuvre fait déjà sensation. \nL’opposition entre la violence et la brutalité anonyme du bourreau ainsi que le désespoir et l’épouvante de la mère dont le cri est inoubliable\, la tension brûlante\, bouleversante du récit\, ont de tout temps retenu l’attention par leur actualité ce qui explique la fortune du tableau qui a été copié par bien des artistes – citons Fragonard – et a inspiré les plus grands (Pablo Picasso\, Francis Bacon\, Henri Cueco\, Ernest Pignon-Ernest). \nL’art moderne et contemporain pour la première fois au Domaine de Chantilly \nCette exposition\, qui se tiendra dans la salle du Jeu de Paume du Domaine de Chantilly\, se concentrera sur le chef-d’œuvre de Nicolas Poussin. À travers une cinquantaine d’œuvres\, elle mettra en lumière sa postérité en accordant une large place à l’art moderne et contemporain. \nLe visiteur découvrira tout d’abord l’histoire du tableau et de ses propriétaires\, de son commanditaire italien\, le marquis Vincenzo Giustiniani (1564-1637) au duc d’Aumale (1822-1897)\, de Rome à Chantilly en passant par Londres. Puis le chef-d’œuvre\, en majesté\, sera confronté à des grands maîtres du XVIIe siècle (Guido Reni\, Pietro Testa)\, à une version antérieure du tableau provenant du Petit Palais et à un dessin préparatoire. \nLe parcours se poursuivra par différentes interprétations allant du XVIIIe au début du XIXe siècle (Jean-Baptiste-Marie-Pierre\, Léon Cogniet). Les dernières salles montreront les relectures modernes et contemporaines du Massacre des Innocents. Le Charnier (1945) de Pablo Picasso\, côtoiera Head II (1949) de Francis Bacon. Des œuvres d’artistes contemporains ayant joué le jeu de l’appropriation (Henri Cueco\, Jean-Michel Alberola…) seront présentées à touche-touche\, évoquant l’accrochage XIXe du musée Condé. Enfin\, des propositions inédites d’Annette Messager\, Pierre Buraglio ou Jérôme Zonder démontreront toute la force et l’actualité du chef-d’œuvre de Chantilly.
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SUMMARY:Bosch\, Brueghel\, Arcimboldo – Fantastique et merveilleux
DESCRIPTION:Produite par Culturespaces et réalisée par Gianfranco Iannuzzi\, Renato Gatto et Massimiliano Siccardi avec la collaboration musicale de Luca Longobardi\, cette nouvelle création vous invite à explorer le monde foisonnant peint par 3 artistes du XVIe siècle à l’imagination débridée : Bosch\, Brueghel et Arcimboldo. \nDes triptyques de Bosch les plus emblématiques (tels Le Jardin des Délices\, La Tentation de Saint Antoine\, ou encore Le Chariot de foin) aux étonnantes compositions d’Arcimboldo faites de fleurs et de fruits en passant par les fêtes villageoises de la dynastie Bruegel\, les Carrières de Lumières s’ouvrent aux univers fascinants de ces trois grands maîtres qui se sont attachés à représenter la vie\, son mouvement et toute la dualité d’un monde oscillant entre le bien et le mal. S’ils partagent une grande finesse d’exécution dans le dessin\, ils se retrouvent aussi sur le terrain d’une extrême inventivité. A l’imaginaire halluciné de Bosch et à la créativité des visages improbables d’Arcimboldo répond la trivialité joyeuse d’un Brueghel ancrant ses multiples personnages dans le réel. \nLe temps d’un spectacle d’une trentaine de minutes\, riche de plus de 2000 images numériques projetées sur 7000m2 de surfaces\, les Carrières de Lumières vont se peupler d’innombrables créatures fantastiques et figures allégoriques. Semblant saisis sur le vif\, tour à tour effrayants et amusants\, pris dans des situations parfois cocasses\, tous ces personnages sont autant de miroirs tendus vers celui qui les regarde. Les vanités\, la nature éphémère de la vie\, l’aspiration à s’élever mais aussi les plaisirs\, les tentations\, les vices\, tous ces thèmes traversent les paysages dépeints par Bosch\, Brueghel et Arcimboldo avec un sens aigu du détail qui nous touche encore aujourd’hui. Le merveilleux Jardin des Délices de Bosch clôt ce spectacle où le visiteur est invité à entrer dans une danse fantasmagorique. La bande-son oscille entre musique classique et moderne avec les Carmina Burana d’Orff\, les Quatre Saisons de Vivaldi revisitées par Max Richter\, Mussorgsky ou encore Led Zeppelin.
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LOCATION:Carrières de Lumières\, Route de Maillane\, Les Baux-de-Provence\, Bouches-du-Rhône\, 13520\, France
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SUMMARY:Exposition de peintures - Luc Bonadei
DESCRIPTION:EXPOSITION DE PEINTURES (HUILE ET ACRYLIQUE)\nLuc BONADEI (peintre autodidacte) présentera une collection de toiles inspirées de ses voyages professionnels.
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